级数
对我来说，这是我的“技术”启蒙的开始。 音乐的形状很像故事。
使人无聊的最好方法是在一个静止的地方呆太久。 音乐不是像视觉艺术那样固定的，音乐是时间艺术。 这意味着变化是其中的一部分，几乎就是全部。
如果您停留一音，一种声音，一种小节，任何一种，持续太久，就会使人感到无聊。 避免这种情况的最好方法是从一件事发展到下一件事。
……吸引人们注意的是变化。 …如果您周围的温度发生变化，如果电话响了，那就会引起您的注意。 故事的开始方式是一个创造变化时刻的开始事件。 —罗伯特·麦基
如果您以2分钟长的介绍性章节开始，并且踢了踢小鼓，那对于大多数人来说很可能太长了。
为了避免他们离开，您需要向他们发出“变革即将来临”的信号。 这简单的事情创造了美好的期待 。
该信号可能像正弦波上升一样简单。
任何在音量，音调，速度等方面正在上升的东西。它可能会缓慢地或快速地上升。
如果您缓慢上升，建立了很长的时间，并且有越来越多的元素加入，那么您就会产生期望 （或者说故事： 设置 ） 更大的回报（强度和时间）。
更大的回报，是指在音乐设计和音效设计上取得重大突破，大幅下降，发行量大。
聆听汉斯·齐默尔山脉（Hans Zimmer’s Mountains）的缓慢建造并获得丰厚回报
人们在想：“哦……即将来临……即将来临……将会是什么？ 会和我预测的一样吗？ —就像问题气球的大小一样，音量，音高或增加乐器或元素的增加越多。
想象一下，吹气球，吹得越多，气球的大小就越大，房间内的张力就越大，“它现在会突然弹起任何一秒钟” —弹得越近，弹起时间的不确定性就越大，并且它会如何弹出（音乐上是让人们惊讶的最佳时机）…但是人们开始确定，如果它不断变大，它将弹出。
如果您很快（几秒钟）上升，并且安静，则回报的期望值会降低，并且不太可能发生。
但是，如果将许多小的连续快速上升组合起来，则可以建立更大的上升。
基本上，这是消除无聊的几乎失效保护的方法。 总是有东西升起，例如有人牵着您的手进入另一个房间或地方。
要“检查音乐的温度”，您可以设置自己的时间表，以使音乐在慢速构建和快速构建中变化的速度。 我认为每30秒跳过一次，这是一个很好的经验法则，并问一个问题：您的歌曲是否更改了？ 是否有新的元素或工具？ 是否淘汰了旧的仪器和元件？ —可能是因为构建缓慢。 对于快速构建，您可以有2–5秒的限制，您可以在其中进行更改，但这不是必需的，并且也受口味的影响。
简化的规则是：除了期望之外，在歌曲的每个新部分中，您都添加了2个新元素，并删除了2个旧元素。 删除一个元素或两个元素，或者删除多个元素也可能表示即将发生更改（因为删除实际上就是更改）。 现在，这只是一条一般规则，您可以将元素的数量增加到任意数量：50、100、1,000。
重复是节奏的敌人—罗伯特·麦基
如果您重复一个声音，则可以通过稍微改变效果来保持听众的注意力……就像McKee曾经说过的那样，当您重复某个强度相同的东西时，无论是上升还是下降，您都是静态的-不变，不再移动。 您必须将强度加倍或减半（但是您可以定义强度，无论是：体积，音高，速度，还是只是变化和纹理）。
然后，这种上升和下降的形状/结构可以作为一幅大图工具应用于整首歌曲，但也适用于所有小细节。 每隔几秒钟，或声音可能会有自己的上升和下降，这会导致歌曲的“场景”，“序列”和“动作”的总体上升和下降。
以我的观点和主观的品味，最好的音乐既有慢速演奏，又有快速演奏。
两者在一起并协同工作以创造一种极好的体验（当然暂时不包括成分或元素的质量，这也很重要）。
以下是一些我认为完全符合描述的音乐：
- 内森·福克（Nathan Fake）-天空呈粉红色（James Holden Remix）
- Max Cooper-对称性（Max Cooper似乎非常了解结构，尤其是他的最新专辑）
- Nicolas Jaar的所有内容（在此示例中，我推荐Nymphs II）
现在，如果汉斯·齐默尔（Hans Zimmer）只是放屁声音而不是为“跌倒”或“收益”或“高潮”吹号角，那可能很有趣，但在音乐上会令人失望。
换句话说，我个人觉得我必须遵守的一件事是实现对强度的期望，但明智地打破了期望。 最重要的是（例如质地）您的口味。
在音乐理论上比较明智，如果您只使用裸旋律，和弦等，我可能会对此有所不同，但不幸的是我还不了解。
罗伯特·麦基（Robert McKee）出色地讲了这句话，他说“结局一定令人惊讶，但不可避免”，就像歌曲或故事无法以其他任何方式结束一样。
对我来说，这意味着：结尾符合歌曲的风格（不可避免），满足了您对强度的期望（回报），但颠覆了您对____的期望（其他……可能是“纹理”，可能是“结构体”）
您可以通过诱使他们认为您正在结束这首歌或开始一首歌曲，或者通过以不同的比例或和弦以不同的和弦来明智地欺骗具有结构“灵巧”的人。 如果您可以将所有这些结合在一起，则可以增强“ eargasm”的感觉
我希望我能有更多的音乐理论来解释安吉洛·巴达拉曼蒂（Angelo Badalamenti）这样的转换（大约4分钟），因为对我来说，这就是耳廓的定义-但只需要钢琴。 切换：令人惊讶，但令人愉悦。
更新 ：这是从F小调到C大调的键和音阶切换+良好的声音引导。
对我来说，仅仅为了它而使人们感到惊讶是没有意义的。 您可以使人感到惊讶并使他们失望，您可以使他们感到惊讶并使他们不高兴。 我不明白这一点。
复杂
就复杂性而言，我并不是说音乐理论上的复杂性，尽管这可以与我试图阐明的观点相吻合。
所谓复杂性，是指变化多端，声音和元素数量众多。
复杂性在于声音的层次和附加细节，这些要素可以强调或丰富现有元素，或在结构上补充现有元素。
您的歌曲越复杂，对听众来说就越是一场盛宴。 他们会更多地回到发现以前从未听说过的新事物的地方。
来自Kush Audio的 Gregory Scott和UBK欢乐时光 （关于音乐制作/混音/母带制作的最有趣的播客）说：“复杂性是我喜欢音乐中的一种。”
他说，他可以将复杂性用作高潮/合唱的工具。 在开始的部分中，您可能会非常少，但是当合唱团出现时，您会变得非常复杂，反之亦然。
我喜欢这种思维方式，但这不是唯一的方式。
我喜欢Nicolas Jaar的复杂性。 在我看来，他音乐的复杂性总是存在的……尽管在“诗歌”部分中，如果您可以称呼他们，那层就更安静了。
由于音乐如此复杂，因此很难对其进行分析。 我很难决定或确定：他是否总是安静的层，在高潮时期他会增加音量吗？
尼古拉斯·雅尔（Nicolas Jaar）的音乐似乎更具反差，涉及到将特定元素或乐器或旋律上的聚光灯照亮。
但是，好像聚光灯在抖动并且在后面拾取细节，或者背光很暗，您可以在那里看到一些细节。
我要表达的意思是……只是因为您对大多数歌曲都具有很高的复杂性，但这并不一定意味着歌曲没有进行性。
这首歌仍然可以以很高的复杂度进行演奏，以几乎恒定的复杂度进行演奏的方法是通过各种纹理和元素，我认为尼古拉斯就是一个很好的例子。
我认为，将复杂性与对结构的不断颠覆相结合，同时又能带来回报，复杂性会大放异彩 。 我认为詹姆斯·霍尔顿的肿块 是一个很好的例子。
对我来说，这几乎是另一种复杂性。 它可以是自己的类别。 结构的复杂性/对期望的颠覆/不断的惊奇。
然后，通过自动化来进一步提高复杂性（假设您具有3,000层声音）的方式。 在每一层上，都有5-20个VST或AU（DAW（数字音频工作站）的插头），并且每个VST都以某种方式移动。
例如，想象一个合成器经过一个效果链，该效果链被分成四个新的效果链。 每个效果链上都有一系列不同的效果，每个效果链的末尾都有一个双耳插件，可将声音置于听众的后方，前方或两侧。
然后，想象一下在整个歌曲中缓慢移动这些位置，或者在过渡之前迅速移动这些位置。 将其与每个链条上移动的其他方面或效果结合起来。 您可以在每一层上创建一些非常复杂的动作，从而几乎不可能完全解密出听众，从而使重复听的可能性更大。
配料
您的食材质量至关重要。 如果您添加声音，元素，乐器，旋律，和弦或其他任何比“这真是太神奇了”的东西。 这对我的床而言简直太神奇了！”对您来说，您的音乐将变得虚弱。 （这可能会更强……这是一个奇怪的句子。）
因此，尽可能多地使用高品质的食材。 您会在一开始就发现您的技术能力不足以制作高品质的食材。
技术领域的接触可以帮助实现这一目标。 通过不断地重述目标或问题，在Google和Youtube上进行精细搜索，可以帮助您更好地找到有助于您实现特定目标的信息。
我希望将其与艺术领域的曝光度结合起来。 为什么？ 由于在艺术领域的曝光可以提高您认为是优质成分的质量，因此您一直在进步。
仅需少量优质成分，您几乎不需要复杂的音乐即可制作出优质的音乐。 但是，如果将两者结合起来，它仍然会很棒。 “高品质”我的意思是“高度品味共鸣”，例如“在很深的层次上与您的品味共鸣”或“让您哭泣”或（这是最好的），使您陷入苦乐参半的苦难中您想放弃成为一名艺术家。
是时候庆祝了！ 现在，您所需要做的就是找到其中的一千个，过滤绝对令人惊叹的东西，学习必要的技术技能以准确地复制它们，将它们组合在一起，然后您就可以开始了。
空间化
我注意到很多“专家”或“专家”所做的最后一件事就是所谓的“空间化”，这意味着将您的乐器或元素放置在收听者周围的不同位置。 您可以将其视为混合，而不是我想应该产生的两者，或两者兼而有之。
这是我在仔细听尼古拉斯·贾尔（Nicolas Jaar）的“九手硬币”中首先注意到的东西。
现在，对我而言，这不仅仅是左右左右平移一些东西。 对我来说，这使听众感觉就像他们处在一个瞬息万变的环境中，事物越来越远，又回到了他们附近。 您甚至可以将此思想与渐进思想融合。
例如，您从靠近听众头部的元素开始，然后它们逐渐向外或什至向内发展：O
如果您可以利用头骨产生共振的频率，并使声音听起来确实从耳朵进入您的头骨，那会是什么样？
但是关键是要实现空间化的力量。 不要只是制作一个元素并将其放在一个地方。
使该元素从近到远，从右到左移动。 从前到后-使用该元素的移动作为过渡的信号，或将聚光灯照在该元素上的方式。
有用的插件是Waves的NX Ambisonics之类的东西，它基本上就像一个双耳空间化器/声像器。 它可以将对象放置在您的听众后面，前面或右边。
这似乎很现实，因为它增加了从另一侧反射的房间混响效果。 另一个免费的软件是Senheiser的AMBEO Orbit，除了房间混响之外，它还可以控制仰角+双耳3D平移，并具有不同类型的混响（窗帘，玻璃等）。
诸如Zephyr之类的插件可以帮助您模拟双耳3D混响，可以增加真实感，以及混响Muze可以模拟近场和远场，并且当您认为无法超越此范围时，同一家公司，NuSpace Audio拥有一个名为Aeko的双耳3D 延迟插件，这也令人非常震惊 ！ 我强烈推荐他们。
如果您将其与多普勒效应（Waves效果不错，但我尚未探索所有选择）相结合，则可以发出一种“即将来临”的感觉，从而制造出高潮或爆炸，它确实可以胶凝您的不同之处。各个部分很好地融合在一起，并同时增加了该“空间”和惊喜。
我做到了在“高潮”中做到这一点。 该链接将您带到确切的位置。 如果您在3:20的安静时段仔细聆听，您会听到诸如流星之类的东西，然后是BOOM的多普勒效应！ 爆炸！
当您进入合唱或高潮时，您可能会走得很远或很近（这是Nicolas在Nymphs II中所做的事情）。
或者，您可以在两面都形成对比。 右边的东西真的很远，左边的东西很近。 然后在达到高潮时将其翻转。
当您使用足够的乐器，元素和层次来执行此操作时，您的音乐会令人赞叹不已！ 就像呼吸中的活物，或是整个世界的盛宴。 当您将空间化（具有良好的均衡）（尤其是压缩）配对时，您将达到“美丽”的全新境界
音乐理论
我对音乐理论了解甚少，我希望我能了解更多，但我对学习资料的干燥程度感到难以置信。 我仍在寻找能真正传播音乐理论翅膀的令人兴奋的材料。
但是到目前为止，我的理论是，音乐理论是正确设置“核心”音乐的第一把钥匙。 核心是指旋律，和弦和您的基本歌曲结构。 如果您只关注“脚手架”，那么您的音乐可能会变得空虚……添加“ core”时，添加“cœur”，这在法语中意为心脏。
据我所知，音乐理论经过一些估算，可以为您提供复制和理解您所影响音乐的工具。 不仅如此。 当您摆脱有关音乐理论的表面知识的束缚时，您可以达到“更深层次”的感受。 意思是……更加细微的感情。 感觉不是您典型的“快乐”和“悲伤”……感觉，例如“怀旧”或其他与这些频率相关的联想。
这使您可以极大地控制音乐中的情感。 您可以达到Angelo Badalamenti的卓越水平。
（我现在知道他是怎么做到的，但是他不仅只是从次要切换到了专业，反之亦然。他除了进行了关键更改外，还进行了切换。
我的意思是说，音乐理论的表面知识可以从技术上阻碍一个人理解或复制伟大的艺术家，并限制一个人的情感调色板。
那是我下一步要去的地方…
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