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为什么甲壳虫乐队是历史上最具影响力的音乐家之一

由里克·马金（Rick Margin）

保罗·麦卡尼（Paul McCartney）…林格·斯塔尔（Ringo Starr）…约翰·列侬（John Lennon）…乔治·哈里森（George Harrison）

甲壳虫乐队是优秀的音乐家，表演者和词曲作者。 我并不是在说甲壳虫乐队是最好的音乐家，但事实并非如此。 差远了。 但是，我相信它们的影响（本文的重点）是无与伦比的，是值得并可能得到证实的主张。

那么，如何定义和/或衡量影响？ 我对这个词的使用具有多种含义，包括： 影响或 强烈影响一件事打击另一件事 （例如：传统音乐产业和文化）。 另外，我正在使用三个特定于音乐的资格标准，包括寿命，广度和深度。 在本文的结尾，您将找到一个文档，其中提供了与这三个主要限定词相关的30多个特定子准则，其中许多是可量化的。

最早的音乐很可能是从无穷无尽的自然旋律中汲取灵感的-从鸟叫声到呼啸的风声。 因此，也许大自然母亲应该成为决定性的艺术家，从而获得对音乐创作影响最大的荣誉。 但是，我的重点是人，而不是自然。 因此，我说甲壳虫乐队对音乐创作的影响最大，比其他任何艺术家都多。 继续阅读，我的文章将解释我的推理。

让我添加我的第一个预选赛。 最初，我以为甲壳虫现象的目击者需要大约十二页才能陈述我的（主观）主观观点。 但是我最初的意图变成了主观/客观的事业。 当文档逐渐提及我的信息来源时，我确实做了一些努力。 但是对于那些期望有大量脚注的纯粹主义者，我对我无意中的编辑过失表示认罪。 但是，我在本文结尾处指出了我的许多更广泛的信息来源。

像任何60年代的明矾一样，我曾与越来越年轻的音乐爱好者讨论过谁是最佳的音乐家，表演者或词曲作者。 就像我已经说过的那样，在处理艺术问题时，最好总是在情人眼中。 最终我想到，如果我创建一个文档并让其作为案例，那将会更加有效。 综上所述，本文旨在支持我的观点，即甲壳虫乐队最具影响力，而不是它们是否是最好的。

从现在开始的后代，谁知道音乐“专家”将如何评价甲壳虫乐队。 我希望这篇文章能够通过，以确保甲壳虫乐队的影响的真实版本能被后代更好地理解，这是从亲眼目睹事件的人的角度进行评估的。 作为记录，我在1964年首次出现在全球音乐界时是13岁，而在1970年他们破裂时是19岁。 幸运的是，我整个少年时代的经历与甲壳虫乐队完美契合。 我有前排座位。 我想分享一下我的见解，关于甲壳虫乐队的粉丝为何与团队如此紧密地联系，并在今天继续这样做。

我主要关注的是20世纪中后期，并扎根于主流音乐流派。 在这段时间里，电对向群众展示音乐的方式产生了巨大的影响。 可以说，电力对音乐发展的影响在文化上比以往任何时候都更加重要。 音乐家可以在几分钟内首次影响数百万听众。 在广播之前，要花很多时间才能吸引到大批观众。 而且，“大”受众不会是数百万。 这一点是我影响力比较论文的基本内容，但我将在稍后再次讨论。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）等18世纪和19世纪欧洲和俄罗斯伟大的古典作曲家的持久影响，

彼得·柴可夫斯基，路德维希·范·贝多芬，谢尔盖·拉赫玛尼诺夫，沃尔夫冈·阿玛迪斯·莫扎特和朱塞佩·威尔第都是不容忽视的。 但是，他们的社会/音乐影响仅限于上层顾客。

考虑到电还不是一个因素，它们仅限于在小型场所进行现场表演。 在我的论文主题问世之前，巴赫可以说是最具影响力的作曲家。 他的音乐中的智力和旋律成分都可以很快被识别出来，正如您稍后将阅读的那样，他的巴洛克风格影响了甲壳虫乐队。 但是，巴赫不是开创性的人-他主要遵守那个时期公认的音乐标准。 在他那一代人中，创新的价值不如掌握技术。 265年后，他的音乐不断传承。 还有很多20世纪伟大的，受风格限制的作曲家，也值得一提，包括[但不限于]欧文·柏林，伯斯伯爵，罗伯·约翰逊，乔治·格什温，埃林顿公爵，格伦·米勒，伍迪·古斯里，雷·查尔斯，本尼·古德曼，以及Burt Bacharach（与合著者Hal David）等等。 电力为他们提供了比前几代人覆盖更多受众的手段。

始终如一的乐器及其配件（例如吉他弦，鼓棒，簧片等）的可用性和质量是19世纪晚期的现象。 但是，二战后发生的事，是吉他，钢琴和鼓之类的负担得起的乐器的广泛使用和广泛的购置，这肯定是发生的。 毫不奇怪，这也与包括乡村音乐，蓝草音乐，布鲁斯音乐，民谣音乐，摇滚乐以及最终摇滚乐在内的众多音乐风格的指数增长相吻合。 同期还推出了电吉他。

大多数音乐家都没有经过正规培训，也无法阅读或写音乐。 这是一个自我和/或同伴授课的音乐时代。 在甲壳虫乐队中，没有人可以阅读音乐，只有保罗·麦卡特尼（Paul McCartney）早年时就可以经常使用乐器。 在1950年代中期，小组中的其他人不得不说服挣扎的父母和/或监护人为他们购买便宜的第一把乐器。

在我就甲壳虫乐队为何最具影响力提出自己的观点之前，简短的上下文时间概述将很有帮助。

在1950年代中期之前的音乐产业中，针对年轻听众的工作并不重要。 到目前为止，成人是唱片的主要购买者。 而且，他们控制了这个家庭的[通常]独唱者所演奏的音乐。 结果，青少年通常会听与父母相同的音乐-直到50年代中后期才开始摇滚乐的诞生。

让我们简要介绍一下受众特征。 所有类型的企业都知道，在1960年至1965年之间，将有5000万美国领先的婴儿潮一代（出生于1946-64年之间）进入青少年消费阶段。 在此期间，他们将代表美国总人口的[令人震惊的] 24％。 而且，对于精明的企业来说，新闻变得更好。 到1975年，这一人口将约占总人口的三分之一。 结合人口动态和战后家庭财富的增加，将导致全球消费主义的大规模衰落转变。 这解释了从50年代末到60年代初出现的许多新媒体产品，其中包括杂志，电视节目和广播电台，所有这些产品都是针对青少年的。

电视还处于起步阶段。 从1956年开始，迪克·克拉克（Dick Clark）主持了美国国家电视台晚间晚间节目《 美国演奏台》 （ American Bandstand） ，在那里流行歌手表演了他们的新热门歌曲。 （从技术上讲，他们对自己的歌曲进行口型同步。）50年代后期，面向青少年的小型独立广播电台开始在美国和欧洲各地兴起。 基于音乐的零售商店如雨后春笋般出现，出售各种各样的唱片，乐器/配件和活页乐谱。 人们很快就感受到了即将来临的“青年地震”的震颤。 最初的才华横溢，提高了摇滚乐的信誉，是各种各样而令人印象深刻的年轻艺术家，包括埃尔维斯·普雷斯利，艾弗利兄弟，查克·贝里，小理查德，巴迪·荷莉，胖子多米诺，卡尔·珀金斯，里奇·尼尔森，还有很多。 这在社会上也很引人注目，因为这种类型为黑人艺术家与白人艺术家一起在所有媒体中主流化打开了大门。

一种新形式的自由形式的音乐表达显然诞生了。 重要的是，甲壳虫的起源始于1958年，经过五到六年的发展才发展成为一种全球现象。 它们植根于摇滚乐的早期。 当时，黄金时段电视吸引了最多的观众，因此是最有效的促销方式。 当今电视行业的窄播（例如有线网络）实践在1960年代还没有考虑。 在美国，有三个网络，它们都产生类似的程序。 在英国，BBC是网络。 黄金时段播出的节目吸引了整个家庭。 甲壳虫乐队了解了在现场直播的综艺节目中表演多种音乐的价值，例如伦敦钯金剧院的《周日之夜》 （1963年11月）和《埃德·沙利文表演》 （1964年2月）。 他们从未尝试通过有争议的服装，歌词或信息来震撼听众。 例如，“ Till There Was You”（之前提到的两个电视节目播放列表中的第二首歌曲）是百老汇最近的音乐剧《音乐人》的翻唱歌曲。 他们有意向电视观众提供了家庭娱乐的体验。

快速浏览音乐收听技术也很重要。 60年代最著名的三项技术创新是：1）便携式晶体管无线电的广泛使用；

2）从60年代中后期开始引入立体声录音； 3）60年代后期出现了FM广播。 与此形成鲜明对比的是，技术革命从大约1970年代中期发展到今天-所有这些对于音乐爱好者来说都是非凡的。 从8轨磁带，索尼Walkman，盒式磁带和CD等产品创新到当今众多的数字格式和设备-亲身体验是一个令人眼花period乱的时期。 但是这些电子产品都不存在于60年代。

就像我们父母和祖父母一样，我们所有个人聆听都只有黑胶唱片 。 这是一个说明创新步伐如何加快的有说服力的例子！ 您能想象现在的三代人使用相同的音乐聆听技术吗？ 我不能 按照今天的标准，我们的唱片播放器（通常在我们的卧室里保存和聆听）通常质量很差。 大多数房屋在主要居住区都配备了质量更高的立体声唱片播放器-父母控制了它的使用。 如果他们不喜欢您的音乐，那么您就只能在他们不在聆听距离时使用它。 值得注意的是，由于唱片公司一贯使用更高质量的FM信号，因此在1960年代后期开始将目标指向大学广播电台进行空中播放。 但是，与传统AM电台相比，他们的听众人数几乎没有。

因此，在1960年代的大部分时间里，我们主要在AM广播和刮擦的黑胶唱片（45 rpm单曲和33 1/3 rpm LP（长弹）专辑）上听音乐。 与提供相对较差的收听质量的现有技术相反，所有乐器都是真实的，而不是数字添加的。 因此，在工作室中添加古典铜管乐器时，制作费用是一个很大的考虑因素。 立体声录音在60年代中期才开始提供，并以高价出售。 我以2.99美元的价格购买了专辑的单声道版本，以立体声音响制作的同一张专辑的价格为3.99美元。 顺便说一句，以2015年的美元价格计算，这些专辑版本的价格分别为22.58美元和30.10美元。

最后，第一个主要的电子键盘介绍是Moog（带有“ vogue”的押韵）合成器，于1960年代后期推出，不能复制传统乐器，它具有自己的声音。

如果您在1960年代的各种音乐中听到古典乐器，那它们就是真实的。 就像您想象的那样，录音室的成本随着歌曲的增加而飙升。 直到很久以后，才能够使用成本更低的电子键盘来产生相同的声音。

从所有方面来看，甲壳虫乐队统治着他们的时代，就像任何时代的艺术家一样。 考虑一下1960年代的才华横溢和体裁多样的地震爆炸，包括流行音乐，流行音乐/摇滚，民间音乐，迷幻音乐，灵魂音乐，doo-wop和布鲁斯音乐。 这是一个缩写列表：

· 英国入侵：滚石乐队，人物，扭结，戴夫·克拉克五世，Y鸟，汤姆·琼斯，大卫·鲍伊，穆迪·布鲁斯，动物，赫曼的隐士

· 摩城：史蒂夫·旺德（Stevie Wonder），烟熏罗宾逊（Smokey Robinson），至尊，格拉迪斯·奈特（Gladys Knight＆The Pips），诱惑，马文·盖伊（Marvin Gaye），杰克逊五世（Jackson Five），四个上衣，玛莎（Martha）和范德拉斯（The Vandellas）

· 西海岸：沙滩男孩，门，伯德，杰斐逊飞机，贾尼斯·乔普林，感恩死者，狡猾和家庭石头

· 其他美国演员：《四个季节》，《猫王》，《猫王》，吉米·亨德里克斯，鲍勃·迪伦，西蒙和加芬克尔，詹姆斯·布朗，克里德斯·克利尔沃特复兴，《妈妈和爸爸》，《第五维度》，艾瑞莎·富兰克林，彼得，保罗和玛丽，格兰·坎贝尔，约翰尼河流，正义兄弟，芭芭拉史翠珊等等。 即使是表现更出色的演员，例如弗兰克·辛纳屈（Frank Sinatra），安迪·威廉姆斯（Andy Williams）和迪安·马丁（Dean Martin），也都处于巅峰状态。

最后，发生了一系列可能有助于提升甲壳虫乐队的事件。 这既是令人兴奋又令人恐惧的时期。 在1963年8月，马丁·路德·金（Martin Luther King Jr.）发表了他的“我有一个梦想”演讲，比甲壳虫乐队在1964年2月的《艾德·沙利文秀》（Ed Sullivan Show）亮相六个月之前。一位名叫卡修斯·克莱（Cassius Clay）的新的勇敢而有超凡魅力的重量级拳击冠军登场了。 几乎立即，他放弃了自己的“奴隶”名字，成为穆罕默德·阿里（Muhammad Ali），将美国公众介绍给了伊斯兰国家（当时的黑人穆斯林）。

民权运动和随之而来的种族暴力从南方开始蔓延到全国的大城市。 结果，每一个晚间新闻节目都谈论种族关系的话题。 1964年夏天，仅在密西西比州就烧毁了约36个非裔美国人教堂。 太空竞赛和冷战（美国与苏联）也是例行公事，故事情节通常令人不安。 一年多以前发生了古巴导弹危机。 披头士乐队登陆美国前两个月，总统肯尼迪（John F. Kennedy）被暗杀。 美国人渴望一个乐观，快乐的故事。 甲壳虫乐队代表了这一点，还有更多。

对于在1980年代之后长大的听众来说，披头士乐队的文化影响力与他们甚至是1960年代同龄人之前的音乐相比，并没有明显的优势。 MTV音乐视频，高质量的家庭立体声音响系统，复杂的录音室录制技术在1980年代开创了先河。 大多数家庭至少有一台彩色电视。 在短短的15至20年间，音乐演示取得了巨大的飞跃，抛弃了黑白电视，刮破的磨损唱片和AM收音机的时代。 我希望所有子孙后代都对他们在1960年代的突破性发展有一点点了解。 当然，他们音乐的持续流行证明了他们的伟大，但是它们在其他领域（我将在本文中概述）的总体影响更加难以理解。

我将论文分为五个部分：音乐，流行文化，音乐业务，数字（在这里我支持我关于数字优势的主张）和后甲壳虫时代（在这里我回顾他们在1970年之后的成功）。团体和独奏艺术家）。 这就是为什么甲壳虫乐队是有史以来最有影响力的音乐家。

他们的音乐

大多数人都知道甲壳虫乐队的第一名。但是，与以前或将来的音乐家不同，他们的许多专辑和B面歌曲都与A面流行歌曲一样出名 。他们真正出色的资料的广度是无与伦比的，这些资料要么作为B面单曲发行，要么根本没有在美国发行。一些例子包括：“回到苏联”，“生日”，“生活中的一天”，“让您进入我的生活”，“ Helter Skelter”，“我看到她站在那儿”，“这里来了”太阳”，“我会跟随太阳”，“在我的生活中”，“我有一种感觉”，“一日游”，“我刚刚看到一张脸”，“女孩”，“对面”宇宙”，“雨”，“革命”，“露西戴钻石的天空”，“黄色潜水艇”，“如果我摔倒”，“她是一个女人”，“一起来”，“我应该更了解”， “亲爱的玛莎”，“挪威森林”，“哦！亲爱的”，“岩石浣熊”，中士。 Pepper’s Lonely Hearts Club乐队”，“ Taxman”，“我的吉他轻轻哭泣”，“当我六十四岁”，“在朋友的帮助下”，“您看不到我”，“您” ve隐藏了你的爱”，“我是海象”和“你要失去那个女孩”。还有更多内容可以列举。

2.与迄今为止任何流行的主流音乐不同， 它们的音乐流派多样，并且在其240首原创歌曲的目录中，许多都难以分类。最受欢迎的，面向青年的音乐是为跳舞而创作的。当然，可以听，但这不是其主要目的。主要目的是听（相对于跳舞）甲壳虫的许多歌曲，尤其是在中后期。尝试跳到“永远的草莓田”，“我的亲爱的玛莎”，“修补一个洞”，“我是失败者”，“露西戴钻石的天空”，“我是海象”或“一天”中跳舞这些歌曲是为听而不是跳舞而创作的。他们提供了许多可跳舞的歌曲，代表了他们原始而又极富感染力的能量，但另一些则是跳舞的挑战。例子包括“乘车票”，“无处人”，“雨”，“ Penny Lane”，“ Hey Jude”和“ Come Together”。

甲壳虫乐队艺术性和独创性的更多个人证据–在此期间，每当我参加一个有现场乐队的舞蹈活动时（相对于较常见的录制音乐），乐队就从未尝试过披头士乐队的原创歌曲。乐器，主唱和声太复杂，无法执行。观众除了忍受出色的封面表演外，什么也不会容忍-而且，我从未亲眼目睹过一次尝试。乐队演唱了其他乐队的歌曲，但披头士乐队被认为是不可触动的。

3.甲壳虫乐队开创了创新的工程技术和不寻常的仪器。 乐队的前两场全球排名第一的热门歌曲“她爱你”和“我想握住你的手”具有明显的独特性。高能量和紧密的和声，主唱和后备人声，旋律和歌曲结构与现状形成了鲜明的对比。他们以新的声音和以前未尝试过的录制创意而发展的创意无与伦比。在1962年至1964年的大约10首歌曲中使用了口琴，这是他们决心改变声音的早期信号。其中的一些例子包括“ Love Me Do”，“ Please，Please Me”和“ I Should Know Know”。口琴不是一种流行/摇滚乐器，它的传统用法是用于布鲁斯和民间音乐。。但是，甲壳虫乐队使它成功了。另一个例子是，在“艰苦的一天的夜晚”（1964）开幕时演奏的立即可识别的和弦是开创性的声音。实际上，那个神秘的和弦实际上是由五种不同的乐器组成的，它们融合在一起就可以立即识别出来。 48年后的2012年，一位英国数学家使用复杂的软件将孤立的乐器隔离开来，并揭示了和弦独特性的秘密。电影和配乐的同步发行确保了观影者首先会在剧院里聆听这首歌，这是一个优越的聆听环境。我亲身经历了听到“艰苦的一天之夜”的快感，并且可以证明此举的辉煌。甲壳虫乐队完全拥有观众，只是电影的一秒钟。这只是该小组天才的一个例子。

从《 Rubber Soul》 （1965年）的创作开始，每张新专辑都增加了两个等级。

他们较浅的1962-65年流行阶段已经结束。第一次听这些新歌经常会引起“ 那是什么？”的反应。例如，在“挪威木”中添加了一个西塔琴，为其他音乐家广泛使用播下了种子。保罗在他的贝司吉他“ Think For Yourself”上使用了奇怪的发声盒，立即获得了成功。 George开始尝试在“ I Need You”上使用音量踏板进行“违规”操作，并在“ Wait”上添加了失真踏板，并将其用于以后的专辑中。他还在“女孩”上使用了希腊布祖基语 。一位审阅者描述了林戈（Ringo）在“ Ticket To Ride”上使用的“锯齿，重击和重击”鼓模式的组合，与Harrison的12弦吉他独特的即兴演奏并列，立即引起您的注意。和声是“我们可以解决”的不寻常声音，而紫罗兰色则用于“宝贝，你是个有钱人”。他们才刚刚开始进行工作室实验。 1966年他们的歌曲“ Rain”的结尾使用了反向领先的声音，这是第一次。在著名的“永远的草莓田”介绍中使用了梅洛特隆。接下来的两张专辑-Revolver和Sgt。 Peppers的“寂寞之心”俱乐部乐队 –充满了许多新的创意。 White Album令人难以置信的个人多样性样本以及Abbey Road的B面是其他创新里程碑。

乔治·马丁（制片人）和包括杰夫·埃默里克（Geoff Emerick），诺曼·史密斯（Norman Smith）和肯·斯科特（Ken Scott）在内的工作室工程师的贡献不可小stat。甲壳虫乐队发起了创意，但工作室工作人员将其付诸实践。在许多情况下，他们开创性的录制解决方案是行业首创，为工作室制作艺术性奠定了舞台，使后代人追随。在披头士乐队之前，工作室一直由专业员工经营和控制。这些艺术家受制于制作者使用明确定义的完成期限和预算可以或将要具有成本效益的创作方式。甲壳虫乐队成功地挑战了这种传统的行业惯例，并与他们的员工发展成了（有时）压力很大的技术合作伙伴关系。

一些例子包括受印度启发和基于和弦的“明天永远不知道”（约翰：“我希望我的声音听起来像达赖喇嘛在山顶上高呼”）； “平装书作家”的沉重低音氛围（保罗想要更多的摩城音乐声）；将两个单独的且经过大量编辑的录制内容拼接成“永远的草莓田”。 “为风筝先生谋福”的马戏团般的氛围（约翰要求的声音氛围：“我想闻到[马戏团]木屑”）；中间的24 bar乐器连接桥，涉及“当我六十四岁”（Paul：“我想显得更年轻，但这只是为了使它更加根深蒂固……”）的声音和乐器的粗俗感。一支40首乐团，由两首不同的歌曲在“生命中的一天”（保罗：“听起来应该像音乐高潮”）中执行同一首歌曲的42秒第二和弦。这些示例并不试图解释最终结果是如何实现的。对于这种技术细节，我建议您查找本文结尾处提到的任何一本出色的参考书-员工展示出的艺术（相对于科学）创造力会给您留下深刻的印象。

与甲壳虫乐队及其录音室制作者/工程师提出的所有技术创新形成鲜明对比，直到1960年代后期，Abbey Road [其主要录音室] 仅使用4轨录音。他们的1967年突破性专辑Sgt。 Peppers的Lonely Hearts Club Band是采用4轨系统录制的。与此形成对比的是美国的Capitol Records，后者在几年前推出了8轨录音。有趣的是，Capitol Records是EMI音乐的全资子公司，EMI音乐是Abbey Road工作室的公司所有人。甲壳虫乐队非常了解EMI对拥有最先进的唱片声誉的兴趣，但他们继续在那里制作直到分手。他们与该机构建立了当之无愧的爱恨关系。人们只能想象更高质量的录制过程可能带来的差异。而且，他们的专辑最初总是混合在一起并以单声道掌握的。 立体声是他们整个录音生涯的事后思考。

他们在乐队内部和外部都极具竞争力，并且将每首新歌都视为一次注入以前闻所未闻的机会。在乐队中，它被视为“攀登阶梯”……进入下一步创新……从来没有做过同样的事情。

乔治·马丁（George Martin）还为早期歌曲提供了乐器支持，包括“我的生活”（钢琴），“我想成为你的男人”（器官），“钱”（钢琴），“艰苦的夜晚”（钢琴），“话语” ”（Harmonium），“ Penny Lane”（钢琴），“只需要爱”（钢琴），“ Rocky Raccoon”（钢琴）等等。

如果有一个值得称赞的“第五甲壳虫”标签，那无疑是他的名字。他于2015年去世，享年90岁。

另一个定义要点-甲壳虫乐队听过其他音乐家的想法，但他们不是复印机。他们的创新被广泛地公开复制。

4.歌曲作者和制作人的商业成功始终取决于使用“挂钩”来吸引听众。他们可以采用多种形式，包括个人声乐，人声合唱，器乐独奏和歌曲歌词。甲壳虫乐队从多年的现场表演中学到，观众的确对美妙的旋律和精心制作的抒情歌声做出了回应。但是， 引人入胜的前奏和尾奏的使用为甲壳虫音乐带来了另一种独特的细微差别。他们将歌曲的组成部分提升为一种新的艺术形式。

无论哪种类型，DJ都被要求在歌曲的开头和结尾进行交谈，以向赞助商出售通话时间。而且，他们受到指示是有充分理由的-他们的广播节目显示商业成功取决于此。结果，唱片制作人将前奏和副奏视为空域。例如，衰落的outro技术在唱片业中很受欢迎，成为了DJ友好型。

甲壳虫乐队认识到，前奏和尾奏代表着另一个艺术机会，可以控制他们的播音时间并竞争性地区分他们的音乐。它开始得很早。他们最初在1964年在世界范围内发行的热门歌曲“我想握住你的手”和“她爱你”是有意在制作时充分考虑了介绍和粗俗的价值。这两首歌曲的结尾都以吉他上第六种和弦的非常规音色为特色。开鼓声和立即的三声合唱为您介绍了“她爱你”的高能量合唱。并且，“我想握住你的手”的简介介绍了整个乐队在两次演奏中的大量演奏，其中大量使用了称为锤子的吉他技术。同一首单曲的B面立即被识别为“我看到她站在那儿”的“ 1-2-3-4”。听众希望听到广播中播报的内容……他们喜欢它。 “ All My Loving”是Ed Sullivan歌曲在2月首演时的开场歌曲。它以直接的快节奏4/4节奏打开。他们的第一部电影的主打曲目“ A Hard Days Night”以最具标志性的介绍之一开始（请参阅第3点）。所有这些介绍性示例仅在全球唱片排行榜的头四个月就出现了，并为其余歌曲传达了原始能量。

其他一些例子包括：“ I Feel Fine”具有原始的吉他反馈说明； “一周八天”是一个很好的介绍和反例。 “帮助”是一个高能量的全波段乐队，介绍不一而足； “ Taxman”的口头表达故意与随后的歌曲不同步； “无人之地”的特色是3部分的无伴奏合唱简介。 “你好，再见”有着令人难忘的印度风情“ Hela heba helloa”。 “太阳来了”，“黑鸟”和“我刚刚见过一张脸”的特色是精心制作的声音介绍； “草莓田永远”是另一个立即被认可的介绍乐曲的简介。其他示例的清单很长，但确实提高了前奏和副奏的结构重要性。

5.从20世纪初期开始，传统乐队由首席歌手/乐器演奏家和其他音乐家组成，他们提供了备用的声音和/或乐器支持。是的，我们有早期的基于无线电的家庭事例，例如Mills兄弟，Lennon姐妹，McGuire姐妹，Carter家族和50年代后期的Everly兄弟。他们的歌曲通常以和声的形式进行表演，他们都齐声演唱，而不是作曲家。列侬（Lennon）和麦卡特尼（McCartney）是他们自己创作的歌曲中的杰出主唱。但是， 所有的甲壳虫乐队都是可靠的领唱歌手 ，每个人都有自己独特的风格。将Harrison早期的歌曲（如“ Roll Over贝多芬”，“我很高兴与您共舞”和“每个人都想成为我的宝贝”）对自己的作品（如“ Here Comes The Sun”，“ Something”）的早期贡献进行对比”和“ Taxman”。此外，斯塔尔还演唱了《男孩》，《章鱼的花园》，《自然而然》等歌曲， “ Matchbox”，“ Yellow Submarine”和“ Honey Do n’t”都是一流的表演。当时，没有其他团体可以提出这样的要求。

披头士乐队直接影响了包括克罗斯比，斯蒂尔斯，纳什与杨和老鹰乐队在内的多位歌手。

6. 甲壳虫乐队原始材料的深度和广度非常出色。从1963年到1966年，他们在巡回演出，写作，表演和录音方面看似无尽忙碌，他们的空闲时间非常宝贵。对于年轻的音乐家来说，写书和创建电影配乐是未知的领域。到1965年，列侬已经在市场上卖出了两本书（ 以他自己的著作，《西班牙人的作品》 ）。 1966年，麦卡尼（与制片人乔治·马丁（George Martin）共同创作了他的第一部电影原声（ The Family Way ），1968年，哈里森发行了他的第一部电影原声（ Wonderwall Music ）。他们还以不同的方式创造性地参与了他们的电影，包括《艰苦的一天之夜》，《帮助》，《让它成为现实》和《 神奇神秘之旅》 。

从1966年开始，甲壳虫乐队开创了音乐录影带的先河，为他们带来了新的视觉艺术感。最后，他们的原创音乐反映了真正的个人亲密感和智慧。他们的成长得到了充分的展示，例如“无处可人”，“我的生活”，“昨天”，“她离开家”，“某事”，“我是失败者”，“米歇尔”，“埃莉诺·里格比” ”和“在这里，无处不在”甲壳虫乐队的开放性为其他音乐家敞开了胸怀。值得注意的是，当Ringo加入乐队时，乐队的平均年龄只有21岁，而当他们分手时，他们的平均年龄只有29岁。

7.在60年代中期，他们比同龄人早得多，他们开始有选择地引入传统的铜管乐器和弦乐器 。他们不再是公式驱动生产的囚徒-每首歌都是在充分的艺术自由下创作的。他们摆脱了传统工作室的控制。由于战后英国广播公司（BBC）电台的选择非常有限，他们长大后会接触古典音乐，并对此产生了极大的敬意。结果，对古典元素的挑衅性使用对于他们的一些最佳作品而言变得非常有意义。

他们从1965年开始以“昨天”的弦乐安排巧妙地注入古典巴洛克风格的歌曲，然后在一年后的“ Eleanor Rigby”和一年后的“ She’s Leaving Home”中再次注入古典巴洛克风格。其他还包括用大键琴改变钢琴的声音，用于“我的生活”，“固定孔”和“因为”。聆听“ Penny Lane”中的短笛/小号或“ Blackbird”中使用的巴赫衍生的和声吉他泛音。他们在“让您进入我的生活”和“早安，早安”中使用了沉重的铜管乐器，并在经典的《我是海象》中使用了高雅的琴弦和铜管乐器。 “没有人”是其他很好的例子。仔细聆听民谣吉他“自然之子”上使用的辅助乐器的雅致和丰富的赏金。最重要的是，他们证明，他们不担心会稀释摇滚乐的根源或形象，以创造出突破性的新音乐品牌。结果，他们的歌曲引起了广泛的共鸣。

到1968年，这些种子已照常种植给其他艺术家/制作人，以效仿他们的领导。同时，甲壳虫乐队继续采用更具吸引力的声音，而业界则结合传统的弦乐和铜管乐器（如猫王Elvis Presley（“可疑头脑”），Roots Roots（“ Midnight Confession”），Bee Gees（“ I” ve Gotta得到信息给您”，Neil Diamond（“甜美的卡罗琳”），Glen Campbell（“ Rhinestone牛仔”）和螺旋楼梯（“我比昨天更爱你”）等等。甚至是大门，一个反建制乐队（“ Touch Me”）也跟随他们。几乎所有音乐流派都在使用这种“更复杂”的方法。一些唱片公司将其称为“豪华”制作。甲壳虫乐队对于60年代后期这种编曲的dis贬不一，最好的体现是他们决定于2003年发行Let It Be…Naked专辑。原始的Let It Be专辑于1970年发行，由Phil Spector（并没有所有作曲家在场），并说明了这种过分的schmaltzy方法。

8.披头士乐队出现之前，所有音乐都与一个共同主题相关联的概念专辑。但是，这些专辑很少见并且是一维的。 1930年代移民劳工的苦恼（伍迪·古思里）和深夜轿车的孤独感（弗兰克·辛纳屈）等主题就是微不足道的例子。可以肯定地说，当时概念专辑还没有被视为商业上的赌注或艺术信誉要求。

但是，甲壳虫乐队通过Sgt的发布将概念专辑重新定义为概念专辑 。 1967年，佩珀（Pepper）的寂寞之心俱乐部乐队（Lonely Hearts Club Band）。不仅所有曲目都松散地与一个中心思想联系在一起-甲壳虫乐队将其带到了一个新的，更全面的水平。例如，歌曲是无缝播放的，而曲目之间没有传统的长而安静的间隔。开头的歌曲向您介绍了下一首“动作” [歌曲]，倒数第二首是对开头歌曲的重新播放-感谢“听众” [听众]，并提醒他们“歌曲即将到来”。结束”。就像电视综艺节目一样，甲壳虫乐队为听众提供了广泛的音乐影响力选择，包括以马戏团为基础的音乐，印度古典音乐，杂耍表演，传统摇滚，迷幻摇滚和甜美的民谣。甲壳虫乐队创作了所有歌曲，并且所有歌曲都截然不同（例如，“在没有您的情况下”，“我的朋友的一点帮助”，“为风筝先生造福”和“当我时”） ‘m 64”）。

相册的包装以及照片的装束，都通过原始艺术品和促销性广告宣传来支持图像。首次将歌词添加到唱片套中。以前，乐谱行业控制着这个领域。有趣的是，[甲壳虫乐队]并没有发行专辑的任何歌曲。就像在艺术中一样，您不会将绘画分开。伴随专辑的巨大成功发行，不要停留在当之无愧的荣誉上，仅仅30天后，他们发行了下一张单曲“ All You Need Is Love”，这为1967年的“夏日爱情”蛋糕锦上添花。他们的第二张概念专辑是Magical Mystery Tour 。许多艺术家迅速跟随他们的脚步，包括《谁是汤米》 ，《穆迪·布鲁斯的未来过去了》和平克·弗洛伊德的《墙》 。现在，该概念专辑充满了可靠的录制选项的艺术组合。

9.音乐界传统上开始制作一张专辑，其中包含艺术家最近的热门单曲[或两首]作为绝对必备。甲壳虫乐队将他们的专辑视为谨慎的创意产品。 他们的哲学从一开始就是给买家更多的价值。他们的意见基于简单的逻辑-为什么要发行两次歌曲？结果，由于他们对英格兰（相对于美国）的唱片公司（EMI）拥有更多的控制权，因此他们的流行歌曲通常不是专辑的中心。这是另一个第一。

另一方面，他们的美国唱片公司（由EMI拥有的Capitol Records）尽可能以传统的美国方式制作了甲壳虫乐队的LP唱片，并且总是包括热门单曲。这就解释了为什么从1963年到1966年相同名称的专辑中的歌曲列表存在众多差异。1966年底，他们在英国的唱片发行了《甲壳虫乐队的歌集》 ，该专辑旨在为听众提供一首流行歌曲 ，其中包括流行单曲。国会唱片公司选择从不在美国发行唱片，但最终承认，从1967年的Sgt发行开始，停止篡改甲壳虫乐队的专辑歌曲清单。 Pepper的寂寞心灵俱乐部乐队 。该乐队早些时候在英国发行的LP的接收者显然正在获得纯净的聆听体验，就像甲壳虫乐队所期望的那样。

10.甲壳虫乐队喜欢黑人美国人的音乐，他们在1963-65年初的专辑中录制了许多翻唱歌曲。著名的封面包括The Marvelettes的“ Please Mr. Postman”，Chuck Berry的“ Roll Over Beethoven”和“ Rock and Roll Music”，Smokey Robinson和The Miracles的“ You Really Got Hold Me Me”，Barrett Strong的“ Money”。 ”，小理查德（Little Richard）的“长高莎莉（Long Tall Sally）”，雪雷尔（Sireles）的“男孩”（Boys）和“宝贝是你的宝贝（Baby It’s You）”，曲奇（Cookies）的“链条”（Chains）和伊斯利兄弟（Islandy Brothers）的“麻瓜和喊叫”（Twist and Shout）。除了《 Twist and Shout》（在美国Billboard流行榜上排名第2位）外，这些封面都没有作为单曲发行。甲壳虫乐队的这些歌曲版本与原始唱片极具竞争力。实际上，有些更好。而且，与甲壳虫乐队不同，歌手表演了大多数这些歌曲。他们在写歌或演奏任何乐器方面都没有作用。

甲壳虫乐队在“金钱”，“长高的莎莉”和“请邮递员先生”上的精力和音乐才能最能说明我的观点。自己比较一下。他们的表演确实将他们“踢出了球场”。披头士乐队发行的“ Twist and Shout”和“ Rock and Roll Music”这两个版本在今天的体育赛事中仍是标准配置，距发行后已有50多年了。 没有其他白人艺术家如此可信地越过这一种族界限。 甲壳虫乐队没有尝试像原始录音一样唱歌或演奏。在许多听众看来，由于不幸的是，原始唱片收到的广播时间不足，黑人美国艺术家歌曲的甲壳虫乐队翻唱对他们来说是“新的”。因此，甲壳虫乐队通过这些翻唱歌曲获得的成功为各方带来了积极的好处，因为原始的歌曲作者获得了增加的和意外的版税收入。有人猜测甲壳虫乐队对这种音乐的真正敬意增加了甲壳虫乐队对美国黑人听众的吸引力。但是，它当然没有伤害。

由于有些读者可能会争辩说猫王埃尔维斯·普雷斯利（Elvis Presley）在1950年代就做到了这一点，因此值得在这里进行快速比较。唱片公司唱片公司的创始人山姆·菲利普斯（Sam Phillips）曾使用猫王（Elvis）向白人观众公开介绍美国黑人音乐，这已不是什么秘密。但是，在大多数情况下，他没有报道美国黑人艺术家的著名歌曲。相反，他早期的大部分热门唱片都是专业歌曲作者提供给他的原创歌曲，或者是白人艺术家的歌曲翻唱，例如“蓝麂皮鞋”，由他的一位录音室同伴卡尔·珀金斯（Carl Perkins）创作。

关于甲壳虫乐队翻唱歌曲活动和卡尔·珀金斯的另一个有趣且相关的观点值得注意。甲壳虫乐队（Th Beatles）非常欣赏他的音乐，并在他们的早期音乐中涵盖了大部分音乐。 1964年，他们是地球上最炙手可热的艺人，并且专辑内容有很多选择。但是，显然他们的原创作品是当务之急。

填写歌曲列表的传统行业惯例是包括一些其他专业歌曲作者创作的原创歌曲。这种做法被完全抛弃，以表彰卡尔·珀金斯的音乐。此外，甲壳虫乐队完全不屑于从专业歌曲作者那里采购资料。因此，这个炙手可热的乐队选择在两张1964年单独的专辑中翻唱Perkins的三首歌。

直到1965年，他们才继续翻唱美国音乐。他们最终翻唱的唱片是巴克·欧文（Buck Owen）于1963年在乡村发行的热门歌曲“ Act Naturally”，于1965年在他们的单曲“ Yesterday”的B面结束。乡村音乐在六十年代中期并不是一种流行的主流音乐流派，尤其是对于年轻的听众而言。这表明了他们乐于始终具有不可预测性和非传统性的意愿。

11.甲壳虫乐队为巧妙构造的谐波设定了黄金标准 ，这增加了额外的技术元素，从而增强了其创新领导力。他们最被忽视的优势之一是他们精心制作了和声背景音乐。在乔治·马丁（George Martin）的大量可能投入下，他们本能地知道何时以及如何以和谐的方式完善已完成的曲目。并且，它采取了多种形式。例如，在许多歌曲中，他们的声音模仿了弦乐合奏，例如“在这里，到处都有”，“她要离开家”，“让它成为”和“米歇尔”。试着听那些曲目，然后想象一下，那些小艺术家会如何创作它们。他们可能会用真实的弦乐与人声进行录制，结果将使歌曲的纹理变得平坦并且使主唱看上去更像是在舞台上独自唱歌。然后，他们的许多曲目都充满了节奏感和节奏感，使原本很普通的歌曲变得更加高贵。例子包括“你不会看见我”，“无处可人”，“请，请我”，“你要失去那个女孩”，“你不能那样做”，“幸福就是一把温暖的枪” ，“回到苏联”和“在我的朋友的帮助下”。最后，有很多例子将两部分和三部分旋律紧密地结合在一起，例如“ If I Fell”，“ Baby’s In Black”，“ This Boy”，“ Yes It Is”，“ The Word”，“ Roberts”等。 “因为”和“有一个地方”。他们非常关注Everly兄弟在早期谐波发展中所发挥的影响。但是，到了1965年，它们已经发展到一个全新的创作水平。

12.甲壳虫乐队向全世界的主流观众介绍了印度音乐的影响 。锡塔琴的首次出现是在“挪威木材”中，后来小组非常有选择性地使用了它。哈里森（Harrison）的“在没有你的情况下，在你里面”探究了精神领域。列侬（Lennon）在“ Tomorrow Never Knows”上创作了一种创新的单弦印度摇滚氛围，展示了与仅使用印度乐器相比，该影响如何应用于和弦结构。由此产生的超现实主义氛围是基于约翰的灵感，而达赖喇嘛是西藏的精神领袖，佛教僧侣达赖喇嘛，在山顶上高呼。

甲壳虫乐队对印度的兴趣是真诚的。从1966年开始，哈里森与印度音乐人拉维·香卡（Ravi Shankar）建立了终身关系。他们一起发行了几首披头士乐队的专辑。哈里森最初对先验冥想的兴趣激发了其他人亲身体验。 1968年，甲壳虫乐队几次单独或成组地前往印度，在那里他们作为印度大师Maharishi Mahesh Yogi的客人度过了很多时间。

13.主流的舞蹈音乐在1930年代至1950年代初期的摇摆乐队中得到了极大的提升。不幸的是，这些10到15名成员的乐队受制于笨拙的经济状况，最终导致了他们的灭亡-太多的人付不起钱，嘴巴太多了。从1950年代中期开始，乐队的规模和乐器内容变化很大。没有标准的频段大小。

披头士乐队取得了令人难以置信的成功，他们用鼓和三把吉他（例如：节奏，主音和贝斯）将流行/摇滚乐队的四件套镀锌 。经典的立式低音广泛用于电气化前的时代，并受到众多流派的欢迎，包括1950年代的流行乐队（例如Elvis Presley，Buddy Holly）和1960年代的Motown录制会议。但这是与贝司吉他截然不同的乐器。甲壳虫乐队紧紧的，四件套的新外观成为大多数新乐队的开始配置。

14.甲壳虫乐队将12弦吉他引入了流行/摇滚主流。 12弦琴只限于民间音乐和蓝调音乐，直到甲壳虫乐队从1964年初开始一直使用到1965年，才被广泛使用。

“ A Hard Days Night”的开场和弦向世界介绍了12弦琴强劲的声音。其他乐队很快将其添加到他们的曲目中。例如，海滩男孩乐队（Beach Boys）于1964年晚些时候在诸如“ Dance，Dance，Dance”之类的曲目中购买了12弦吉他，这成为了1965年Byrd乐队的叮当响叮当声的实质，而在诸如“ Mr. 在70年代，吉米·佩奇（Jimmy Page）演奏的《通往天堂的阶梯》（Stairway To Heaven）声音大而饱满，在80年代，汤姆·佩蒂（Tom Petty）在“自由落体”（Free Falling）等曲目中使用。

15.甲壳虫乐队将贝司吉他提升为更受艺术界欢迎的流行/摇滚乐器，由于麦卡尼的影响，贝司手现在可以成为乐队的负责人。以前，贝司手通常不是很有创造力，往往是乐队中最弱的乐器演奏家。当然，除了备份人声，他们中没有人唱歌。

麦卡特尼仍然是最著名的左手贝斯演奏主唱。对于有抱负的贝斯手，麦卡特尼被视为基准。尝试在“ All My Loving”之类的早期流行歌曲中弹奏主音的同时演唱主唱。祝您好运。听听他在“平装书作家”或“别失望”上的沉重演奏。或者在“东西”上他柔和但非常旋律的演奏。麦卡特尼独特，旋律甚至爵士风格的贝斯风格的其他例子确实冗长。。在1960年代，他一直被《花花公子》杂志评选为（当时）年度最佳音乐家调查的最佳贝斯手。 1973年下半年， 《花花公子》以他的贝斯演奏而获得他的全明星爵士和流行民意测验的冠军。 McCartney单枪匹马地提高了低音吉他的作用。

有关更多技术性和专业性的说明，请访问YouTube并搜索《低音传奇》第1和2部分-Paul McCartney 。他选择的定义性示例非常有趣。而且，不要犯减少Paul的才华的错误，因为当今的一些贝司手表现出相似的身体创造力。这就是本文的重点-他影响了所有后代有抱负的贝斯手。

16. 1964年，甲壳虫乐队将吉他反馈引入主流（“ I Feel Fine”）。当吉他麦克风[或拾音器]与放大器上的扬声器相互作用而引起响亮的嗡嗡声时，就会出现这种技术，这已被许多吉他手广泛使用。两年之内，Who，Grateful Dead，Jefferson Airplane和Jimi Hendrix采纳了它。吉他反馈继续被其他艺术家使用，并最终成为常规吉他技术的主流。

17.从Lennon / McCartney歌曲创作合作伙伴关系的早期阶段，两人就已经熟练地运用了歌词，传达了变相的双重含义和歧义。 他们有意识地设计了一些歌曲，使其具有秘密，在许多情况下，只有他们才能理解。这是20世纪初期的美国黑人蓝调的一种普遍做法，但在主流流行音乐中却不常见。一些例子包括：在“挪威森林”中报复性烧毁女孩公寓……在“黑鸟”中象征美国黑人女性的困境……在“ Baby You Can Drive My Car”中，主角没有车…… “ Day Tripper”的性暗示……他们与“ I Am The Walrus”一起玩的受刘易斯·卡洛尔影响的智力游戏……过分的，上瘾的自毒自白“除了我和我的猴子，每个人都隐藏了东西” …在“让您进入我的生活”中歌颂他们对大麻的新爱……在“麦当娜夫人”中向工薪阶层的妇女致敬……在“性感的萨迪”中印度宗师玛哈里希·玛希什·瑜伽士的隐蔽穿着……挑衅性我很乐意在《人生的一天》中转机 ……开场嘉年华的叫喊声叫roll起来，指的是“魔术之旅”中的大麻关节……反巴基斯坦移民模仿“取回”。

做您自己的研究-其他示例几乎无穷无尽。就像甲壳虫乐队的成功一样，许多未来的艺术家受到启发，更创造性地使用自己的歌词。这种艺术形式最好用1960年的表达“您在脑海中迷住”来概括。

18.他们早在1964年的“我爱她”就成功地证明了非正统歌曲结构的使用 。音调变化的调制绝大多数将从低到高进行-唯一的变量是歌曲增加到的音调数量。在这首歌中，他们按下了三个琴键，并且在最后的和弦上以非常安静，没有戏剧性的方式完成了这首歌。与其他歌曲作者不同，他们很少使用键更改。这种类型的键更改调制可以添加强大的注入效果，以提高情绪，但是在许多情况下，这是一种懒惰的技术，可以在歌词和/或乐器都不存在的情况下创造能量。这是关于他们整个音乐包的力量的另一个支持性例子。

他们打破传统音乐结构的两个最值得注意的例子是“生活中的一天”和Abbey Road上16分钟的B侧混合泳。第一个示例融合了两首完全不同的歌曲，并使用了引人入胜的24巴管弦乐队连接器来完成作品。然后，他们在结尾处无缝地返回到开始的歌曲。成功融合不同音轨的另一个类似示例是“幸福是一把暖手枪”，其中集成了四个谨慎的音轨。

以Abbey Road混合曲为例，将八首短歌和完全脱节的歌曲混合成一个无休止的杰作。没有唱片公司会允许他们的客户以这种纯粹的艺术方式利用宝贵的录音室时间。毕竟，目标是制作无线电友好的歌曲，这可以为每个参与其中的人带来理论上的利益。 16分钟的混合泳将永远不会播出时间，从而浪费了录音室时间，也失去了更多商业材料的销售，而这些材料本来可以填补相同的B边空间。幸运的是，甲壳虫乐队在其职业生涯的这一阶段对工作室时间使用的决定没有受到质疑。 Abbey Road继续获得巨大的商业成功，在全球№1首次亮相，在英国连续81周，美国连续83周，日本连续298周蝉联前100名。在美国，这张专辑花了12周的时间排名第一。它是1969年全国唱片销售商协会（NARM）的最畅销专辑，并且在Billboard杂志的1970年底排行榜中排名第四。 艾比路 （ Abbey Road ）获得12倍铂金认证。在2011年（原始发行的42年之后），它在iTunes首次亮相一周后就成为下载量排名第九的iTunes。因此，艺术性是正确的。

19.甲壳虫乐队开创了1962年被称为利物浦的“默西之声”，这是著名的“英国入侵”的最早版本。在短短的2-3年中，南部（伦敦）的传统音乐国会大厦被北部的现象所掩盖。 Gerry和The Pacemakers，Billy J. Kramer和Dakota’s和Searchers是其他知名团体推广它的例子，但甲壳虫乐队激发了它。不幸的是，像其他艺术形式一样，关于默西之声的确切特征并未达成广泛共识。对我而言，与众不同的原因在于其回弹和不寻常的吉他和弦的频繁使用。在许多情况下，后拍是由沉重的4/4节奏定义的。一个很好的例子就是“我所有的爱”。聆听低音吉他和鼓的4/4同步。此外，班卓琴般的弹奏是上世纪50年代后期英国“混洗”时期重叠的衍生形式，并且在某种程度上被认为是默西音乐的特征。

专门讲和弦的用法，例子包括一致的从大到小的变化以及增加和暂停的和弦。这些和弦以前曾被成功使用过，但没有达到使用这种新声音的程度或使用位置。例如，公认的行业歌曲创作惯例通常会避免在欢乐的快乐爱情歌曲中使用较小的和弦-本质上，它们支持更黑暗，更令人不安的信息。甲壳虫乐队早期的成功是作曲家，这给了他们空前的自由，使他们能够走到音乐带给他们的地方。而且，录音室主管避免尝试教他们传统的作曲技巧。例如“如果我跌倒”，“她爱你”，“不能被我爱”，“米歇尔”和“她是女人”。在许多情况下，他们增加了温暖的人声和声，使小和弦可以被接受。一旦他们成功演示了这些和弦更改的正确用法，该行业就会紧随其后。

20. 他们的大多数歌曲传达了积极的信息 。像大多数词曲作者一样，爱情主题主导了他们的大部分唱片。他们从许多不同的角度对其进行了探索，每个角度都提供了许多示例。这是每个类别中的代表歌曲，包括保密性 （“ You’t Got Hide隐藏您的爱”）；沮丧（“我沮丧 ”）； 伸出手 （“我们可以解决”）；肯定（“在这里，到处都是”）； 为人父母 （“她要离开家”）；社区（“您所需要的就是爱”）；产妇（“朱莉娅”）；向往（“蜂蜜派”）；渴望（“漫长而曲折的道路”）；丢弃（“没有人”）；沮丧（“女孩”）；发现（“我刚刚看到一张脸”）；嫉妒（“为您的生活而奔波”）；恳求（“不要让我失望”）。

他们还写了许多歌曲，涉及其他领域，包括抑郁症 （“我是失败者”）；欢乐（“太阳来了”）；政治（“纳税人”）；回忆（“ Penny Lane”）；友谊（“在朋友的一点帮助下”）； 年轻的图像 （“麦克斯韦的银锤”）； 成人图像 （“明天永远不知道”）； 唯物主义 （“我是我的”）和嘲讽的幽默 （“前苏联”）。我可能忽略了一些类别，但希望该列表能说明我的观点。他们的信息是广泛的，深刻的，压倒性的。

最后，值得注意的是，在美国的种族冲突和越战的焦虑之中，甲壳虫乐队显然是地球上影响最大的艺术家。考虑到他们在文化和行业中的崇高地位，他们选择走上了一条高路，并提出了“革命”，这完全与多数支持者的想法背道而驰。他们提出一个成熟而和平的信息，这是一种胆怯的举动。

流行文化

甲壳虫乐队定义60年代酷 。真正有礼貌（但非常明显）的无礼是他们的招牌方式，以扩大他们对反文化主义者（例如滚石乐队迷）及其对立的“直系”的吸引力，这些直对立的“直系”代表着更老牌，受人尊敬的群体。他们对媒体采访的信心和控制提供了新鲜，前卫的机智和讽刺。他们甚至引入了新的词典。像fab（很棒），grotty（怪诞）和齿轮（cool）这样的词对英国球迷的影响可能比对美国球迷的影响更大。但是像披头士乐队（Beatlemania），披头士乐队（Beatlesque），拖把和披头士乐队披头士乐队（Beatle cut）之类的词（在发型中）已被广泛使用。诸如约翰的“我们比耶稣更受欢迎”或保罗承认他们都使用LSD之类的言论推高了社会接受度。但是，即使存在争议，他们也努力对听众诚实。

2.这四位音乐家通过普及男性的长发外观和较小程度的女性短发风格，一手改变了全球风格。他们的“拖把式”发型要求四面八方增加头发的长度，因此前额和耳朵被遮盖了。夸大其对男性发型长度的全球影响几乎是不可能的。 1964年，无论年龄大小，男人的头发都很短。看一下1960年代的照片，您会注意到甲壳虫乐队的出现与群众之间的突然对比。

最终的较长款式花了好几年的时间才能在所有年龄段的人群中获得文化立足点。到1970年代，这种趋势不再只是流行，而是成为一种规范。但是，这是一个绝对的事实-甲壳虫乐队是原始的兴奋剂。他们还影响了全球成千上万的男性以增加面部毛发。在60年代初期，胡子并没有被认为是流行的主流选择。当甲壳虫乐队在1967年首次出现并带有长side角和胡须时，人们为子孙后代打开了接受之门。麦卡特尼（McCartney）在1964年的电影《艰辛的夜晚 》（ A Hard Days Night）中穿着经典的三件套西装，此后多年流行起来。

与左轮手枪和中士。 Pepper的Lonely Hearts Club Band乐队为后来的迷幻爱情之恋奠定了基础 1960年代的思想探索。

他们不仅为您提供了到达目的地的音乐，而且还向您展示了穿什么衣服，如何造型胡子以及推广了新的眼镜设计。中士的专辑封面。 Pepper的Lonely Hearts Club Band定义了迷幻运动，并以其外观和Nehru夹克为特色，这成为非常热门的男女通用时尚。甲壳虫乐队引领了这场时尚革命，为男士穿上更时尚，更时尚的服装敞开了大门。而且，列侬（Lennon）的标志性金属丝眼镜风格今天以他的名字命名。

3.在印度音乐的影响下，甲壳虫乐队将精神主义引入了1960年代的主流文化。 通过与印度大师Maharishi Mahesh Yogi的合作，他们极大地激发了人们对先验冥想的兴趣。甚至服饰也受到印度风格影响力的图案和颜色的添加的影响。

4.甲壳虫乐队到哪儿，大地都会震动！他们使临时的人群歇斯底里症激增，这在世界范围内被称为Beatlemania。是的，秋千之王本尼·古德曼（Benny Goodman）在1930年代后期引起了第一次观众喷发，而1940年代的鲍比索克斯装扮成法兰克·辛纳屈（Frank Sinatra）和宾·克罗斯比（Bing Crosby）。埃尔维斯（Elvis）的1950年代“ teenybopper”粉丝也很狂热。但是，甲壳虫乐队的粉丝把它带到了前所未有的水平。与先前提到的那些艺术家不同，披头士乐队并没有被视为一个整体。相反，他们是四个截然不同的人物，他们不仅表演音乐，还创作音乐 。他们独特的音乐和紧密的和声具有感染力。他们是英国人，这进一步吸引了听众-从历史上看，流行音乐仅起源于美国。而且，他们的表演非常吸引人，直到歌曲结尾的标志性蝴蝶结。这些因素的综合说明了它们对现场人群的影响。有多个消息来源声称，甲壳虫乐队的表演以表演后的尿味而闻名。值得注意的是，甲壳虫乐队在美国场地的所有者的儿子告诉《华盛顿邮报》 ，演出结束后，音乐厅闻起来像是过度兴奋女孩的尿尿。根据许多其他记载，他的观察并非唯一。

值得一提的另一点是，他们在任何演出中的地面布线都是众所周知的，而且安全性很高。在所有城市中，正常的后勤步骤都是相似的，从他们到达机场/火车站开始，他们的运输和到达旅馆开始，运输到他们的会场，然后颠倒所有先前的步骤。本地广播/电视台不仅为收听者提供了路由信息，而且还提供了大概的时间安排。从他们到达的那一刻起，他们一直是主要故事直到他们离开。球迷聚集在任何可以欣赏风景的地方。 这是披头士乐队 从1963年至1966年末，由于声名fa起，他们很快成为了名副其实的囚犯。

结束的唯一原因是他们决定停止现场表演。没有其他演艺人员能够创造这种水平的歇斯底里。不幸的是，无论是在街上还是在实际的音乐会场地上，录制的歇斯底里狂热者的录像被许多电影制片人合法地用来虚假修饰其他1960年代的表演者。例如，未来的埃德·沙利文（Ed Sullivan）演出中尖叫的歌迷很吵，但通常不像披头士乐队表演时那样自发。观众已经成为有条件的表演者。他们知道摄像机在上面，所以他们扮演了自己的角色。随着时间的流逝，预计观众会很吵闹，并且在预展期间有意识地激起了演出制作人的这种感知需求。甲壳虫乐队的演出不需要任何提示。

5.甲壳虫乐队对全世界大约1亿早期到中期的婴儿潮一代的直接影响，给婴儿潮一代的后代造成了雪球效应。如今，超过50年后，他们的孙子们意识到甲壳虫乐队的音乐及其带给每个人的显而易见的欢乐。他们的音乐为如今的十亿听众创造了独特的，多代人的幸福纽带 。我相信这种音乐上的快乐将继续得到回报。乐观而持久的信息通常是积极的，并且以爱为基础，这使得甲壳虫乐队的歌曲易于在任何年龄段被认可和采用。诸如“生日”和“当我六十四岁”之类的永恒歌曲不太可能失去其未来的意义。

6.当时，艺术家录制他们的热门单曲的外语版本是惯例。由于它们在全球范围内的成功，甲壳虫乐队能够影响这一标准做法的最终灭亡。例如，该乐队在德国的唱片发行商说，德国人只会对以他们的母语录制的甲壳虫音乐感兴趣。

甲壳虫乐队在1964年初无奈地发行了德语版本的“她爱你”和“我想握住你的手”。但是，在许多非英语国家/地区，由于甲壳虫乐队的全球销量迅猛增长，该乐队最后一次屈服于这样的。甲壳虫乐队在使英语成为大多数流行音乐类型的官方全球语言中发挥了重要作用。

7.制片人继续将他们的歌曲包含在电影和电视音轨中 ，这将有助于使甲壳虫乐队的传奇故事为子孙后代保留。他们的电影学分的简短样本包括洗发水 （1975），回家（1978）， 根据加尔普的世界 （1982）， 从前在美国 （1984），面具（1985）， 摩天轮 （1986）， Rainman （1988）， Bronx Tale （1993）， Mad Dogs and Englishmen （1995）， I Know You You Summer Summer （1997）， Pleasantville （1998）， Armageddon （1998）， American Beauty （1999）， I Am Sam （2001）， Royal Tenenbaums （2001）， Cat In The Hat （2003）， Radio （2003）， Across the Universe （2007）， American Gangster （2007）， Benjamin Button的Curious Case （2008）， The Social网络 （2010）和不衰（2012）。

也有许多独立的纪录片，包括《完整的甲壳虫》 （1984年），《 幻想》 （1988年），《 甲壳虫：旅程》 （2003年）， 甲壳虫的最大秘密 （2004年）， 甲壳虫的爆炸事件 （2007年），《 稀有与看不见》； 甲壳虫乐队 （2008）和乔治·哈里森：生活在物质世界中 （2011）。

8.他们在美国的成功被证明是外国音乐艺术家以全音乐形式进行的无可辩驳的分水岭活动 。除歌剧和古典音乐外，美国艺术家几乎锁定了美国音乐界。有时候，像安东尼·纽利（Anthony Newley）这样的艺术家也取得了一些成功（例如：他曾在百老汇工作）。但是，许多非常成功的国际艺术家在美国遭到炸弹袭击，许多人因此而离开。甲壳虫乐队敏锐地意识到了这一现象，并发誓不同意参加美国巡回演出，直到他们在美国排行榜上创下纪录。当他们在1964年2月到达时，“我想握住你的手”是№1，“她爱你”紧随其后在№7，此后不久便排名第一。 1964年底，甲壳虫乐队在№1乐队度过了令人震惊的35％，其他三个英国乐队加起来，使畅销书的外国总份额增加到46％。

音乐业务

甲壳虫乐队在全球范围内取得了巨大的成功，从而结束了另一种管理流行音乐的古老商业模式。从历史上看，原始歌曲来自在纽约市和伦敦的制歌厂（例如，丹麦街，田潘巷，纽约的布里尔大厦）工作的专业作曲家。表演者和作家之间存在公认的且几乎是必需的鸿沟。这个模型产生了很多好歌和坏歌。相比之下， 甲壳虫乐队则组成并表演。 在取得巨大成功之后，旧模型很快就过时了。在美国和英国经营音乐业务的这种拥有70年历史的歌曲工厂的商业模式悄悄地永远消失了。

顺带一提，甲壳虫乐队最初创作自己歌曲的原因部分是由年轻时的正常创造力所驱动，以及确保他们在试镜当地演出时表现出非竞争性的原创音乐。他们已经经历了被之前的举动所落后的许多次，而这些行为会执行他们原本打算使用的相同材料。结果，他们失去了试镜和急需的收入。因此，创造性和商业动机都在起作用。请记住，包括Elvis Presley，Little Richard和Everly Brothers在内的大多数重要的早期摇滚影响者几乎都没有写下他们的热门歌曲。另一方面，查克·贝里（Chuck Berry），卡尔·珀金斯（Carl Perkins）和巴迪·霍莉（Buddy Holly）都是多产的词曲作者，这为他们提供了尝试的灵感。结果还不错！

一经确立为称职的作曲家，他们的创造力便受到众多影响，其中包括早期流行时期的Smokey Robinson，1965年开始的更加内省的Bob Dylan和1967年开始的非巡演工作室时期的Beach Boys复杂和声旋律。和保罗（Paul）非常赞赏父母那代人的主要旋律。特定歌曲的影响力几乎没有引起注意。例如，Smokey影响了诸如“ Ask Me Why ”， “ This Boy”和“ In My Life”之类的歌曲。除了《 Rubber Soul》专辑更具声学平衡之外，Dylan的影响几乎没有引起注意，但他们在创作歌曲时将他视为背景思想。沙滩男孩的优美歌曲“只有上帝知道”影响了保罗的歌曲“ Penny Lane”。 即使是顽固的Beach Boys粉丝，也很难听到这种联系。

2.传统上，艺术家是由唱片公司管理的，必须对其类型进行限制，以最大程度地提高其成功率。甲壳虫乐队通过多种形式的创作和表演打破了这种做法。其中包括流行音乐（“昨天”），摇滚乐（“生日”），民间音乐（“我刚刚看到一张脸”，民谣（“洋房条例草案的延续故事”），国家/地区（“发生了什么”），布鲁斯，摇篮曲（“晚安”），印度音乐（“ Within You Without You”），脏话（“ Honey Pie”），牛仔音乐（“ Rocky Raccoon”）和百老汇演出曲调（“ Till There Was You”）。这也有助于解释其大众吸引力。由于类型多样，成年人发现他们的某些音乐很吸引人。如今，任何有抱负的新艺术家都可以在受到启发的情况下走入各种流派。

3.甲壳虫乐队打破了“美国制造”的模式。 美国人喜欢的美国音乐。外国艺术家的流行音乐从未在美国工作过。甲壳虫乐队单手为所有即将到来的英国乐队/艺术家打开了大门。但是，与以前的“新”表演者不同，甲壳虫乐队以两个非常新的№1Billboard热门歌曲（“她爱你”和“我想握住你的手”）登陆美国。两个月后，他们占据了Billboard排行榜前五名的位置，这一壮举再也没有任何艺术家达到过。而且，他们渗出了舞台上的信心，这对于四岁的四十多岁的年轻人来说，获得这种自信是非同寻常的。在踏上美国之路之前，他们已经花了五年的时间精心设计自己的表演。他们作为乐队并没有什么“新”。马尔科姆·格拉德威尔（ Malcolm Gladwell）在其2008年的《 离群的人：成功的故事》一书中提出了一个令人信服的案例，即精通[在任何努力领域]都需要至少10,000小时的练习，并使用甲壳虫乐队作为他的例子之一。读一读。用他自己的话说：“到1964年，他们在国际舞台上爆出的那一年，甲壳虫乐队共演出了1,200多场音乐会。例如，在1964年的第二次美国/加拿大之旅中，他们在27天的时间内在26个地点演出了26场音乐会！相比之下，当今大多数乐队在其整个职业生涯中没有演出1200次。”

4.甲壳虫乐队保留其出版权的一部分 。同样，这是1960年代初年轻的“非专业”词曲作者的一项重大发展。不幸的是，基于他们经理的糟糕但善意的建议，他们最初的发行合同对他们来说是一个糟糕的合同。他们获得了法律保护，但是却放弃了大部分特许权。结果是列侬和麦卡特尼最终损失了数亿美元的收入。即使这样，该小组仍为未来的艺术家铺平了道路，使他们认识到控制自己的出版权的价值。到60年代中后期，它已成为其他词曲作者公认的商业惯例。

1985年，迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）在甲壳虫乐队的歌曲列表发行权中占多数，超过了麦卡尼（McCartney）。结果，原始作者仅获得许可使用费的一半。由于杰克逊（Jackson）在2009年去世后的财产严重欠债，索尼音乐最终购买了发行权。至少，1976年的《版权法》将使甲壳虫乐队在2026年收回其歌曲版权。

5.甲壳虫乐队是针对以年轻人为中心的电视节目的爆炸式增长。 1963年下半年，由于对基于青年的音乐节目越来越感兴趣，在英国电视上开播了Ready，Steady，Go 。

披头士乐队已经在英国肆虐。 1964年1月， 《 The Top of The Pops》发行。在美国，甲壳虫乐队历史性的三场演出在1964年2月的埃德·沙利文秀上的影响提供了无可辩驳的证据，表明存在着以青年表演为重点的以现场表演为重点的电视节目制作的新的沃机（相对于美国乐队的立场-synched格式）。已有40年历史的仅限收音机的促销业务模式永远死了。在短暂的时间内， 埃德·沙利文秀（Ed Sullivan Show）占据了垄断地位，并充分利用了这一优势。沙利文经常介绍许多英国艺术家（例如英国入侵），并平衡了美国的才华。在甲壳虫乐队2月份的露面仅仅三个月之后，他就已经向人们展示了戴夫·克拉克五世，搜寻者，格里和起搏器，史蒂夫·旺德，达斯蒂·斯普林菲尔德以及比利·J·克莱默和达科他州。在1965年的同一三个月中， 埃德·沙利文表演（Ed Sullivan Show）进行了14场类似的青年表演，而1964年仅为6场。1966年，这一数字上升到19场。

显然，电视网络的力量已经找到了反应迅速的受众作为目标。新节目在1964年发生了爆炸。4月播放了英国电视特别节目《披头士乐队》 。

9月，首次在美国黄金时段播出的节目是Shindig，随后又在同月举行了全国联合放学后的节目Lloyd Thaxton Show 。 1965年，随着其他国家联合计划的启动，闸门进一步打开，包括Hullabaloo，Hollywood A Go-Go，Shiveree和The Action Is。 9月，英国电视特别节目《列侬和麦卡特尼的音乐》播出。今天清楚的是，1964年2月9日是电视和音乐史上一个重要的分水岭。

6. 1965年，甲壳虫乐队引入了一种新的商业模式： 户外音乐会体育场 ，这是一个可行的表演场地，可将观众人数扩大2到3倍。当时，任何类型的表演者/艺术家都无法填补纽约市崭新的棒球场Shea Stadium。将55,000名付费粉丝带入体育场（音乐会在17分钟内售罄！）看一个乐队/表演者是不可想象的。花了7年的时间，但最终户外音乐会体育场的行业经济将永远改变。

在Shea体育场放大乐器和声音的技术能力是业余的-声音质量太差了。但是，甲壳虫乐队在退出现场表演之前的最后一年里，在大型室外场地反复玩耍，证明了这种商业模式的可行性。

顺便提一句，三年后，音乐行业开始尝试风险较小的户外节日概念（相对于单幕音乐会）。 1967年成功举办的蒙特利流行音乐节（Monterey Pop Festival）在三天三夜的演出中演出了33场大型演出。它吸引了25,000–90,0000人，其中大多数人付出并迎来了爱情之夏。一年后的7月，亚特兰大国际音乐节以22场大型演出拉开序幕，估计吸引了15万人。八月，传奇的伍德斯托克音乐节吸引了惊人的40万名粉丝（大多数没有付费）来观看32种不同的表演。几个月后，在加利福尼亚举行的灾难性的免费Altamont Speedway Free音乐会上，有六支非常受欢迎的反文化乐队，包括滚石乐队和几支资深伍德斯托克乐队，吸引了30万名。不幸的是，为了安全而受雇的地狱天使变成了暴力。出于安全考虑，感恩死者离开；杰斐逊飞机的一名成员被撞昏迷。当音乐会演奏者在离舞台仅几英尺的地方被杀死时，一切都变得混乱了。混战在不知不觉中被滚石乐队演奏的“ Under My Thumb”所震撼。但是，即使遇到了这种不幸的挫折，户外音乐会场地在整个1970年代仍在继续完善和选择性使用。

到80年代，各种大型，大型体育场的户外音乐活动（又名Arena Rock）开始证明了该场地的可行性。在Shea体育场举办活动大约40年之后，由于基于Internet的音乐共享/流媒体网站的普及，购买音乐的大多数表演者/音乐家收入受到了负面影响。结果，超级成功艺术家的商业模式已经演变为依靠大型室内和室外体育场馆的组合。

7.甲壳虫乐队打破了流行电台中歌曲时长的规定，将标准的2到3分钟增加到了7分钟（“ Hey Jude”）。令无线电行业大为震惊的是，“ Hey Jude”在1968年的100强排行榜上花了创纪录的23周。甲壳虫乐队的非凡力量迫使这一行业发生了变化。在短短的几年内，艺术家，广播电台和唱片公司终于以著名人物认可了这个想法，例如理查德·哈里斯（Richard Harris）的“麦克阿瑟公园”（MacArthur’s Park）（7:21），唐麦克莱恩（Don McLean）的“美国派”（American Pie）（8:33），齐柏林飞艇（Led Zeppelin） “通往天堂的阶梯”（8:02），谁是“我们不会再傻了”（8:32），老鹰的“加利福尼亚旅馆”（6:30）和女王的“波西米亚狂想曲”（5:55）。

8.甲壳虫乐队是第一批突然放弃现场表演的主要艺术家（1966年8月），转而仅依靠工作室制作。 而且，正如人们自然会怀疑的那样，他们做出决定的时机并不意味着他们已经走到了职业生涯的劣势。相反，从他们的第一张№1英国单曲（“ Please，Please Me，”，1963年1月）到最后一张№1美国单曲（“ The Long And Winding Road”，1970年6月），乐队只进入了乐队时间表的一半。。换句话说，他们花了一半的职业生涯没有表演。在此期间，他们制作了8张№1单曲和5张№1专辑。除了甲壳虫乐队，没有人能做到这一点。 50年后，没有人尝试过。

9. 1966年，甲壳虫乐队利用在Ed Edullivan Show中的受欢迎程度， 引入了 音乐录影带 的概念 。为了更有效地响应1966年全球对个人露面的要求，他们发布了带有宣传视频的“平装作家”和“雨”。这是另一个甲壳虫乐队。并且，由于他们于同年8月决定停止现场演出，因此他们于次年宣传了“草莓田”和“竹enny巷”的视频。

第二回合无疑是更具艺术创造力和受欢迎的。他们总共发布了十个宣传视频。十四年后，MTV（原始的音乐有线电视频道）开播，为艺术家提供了全新的展示作品的选择。

10.他们创造了一场全面的艺术革命 ，几乎触及了音乐界的每个专业，并且可以说是自引入电力以来最戏剧性的分水岭。其中包括作曲家，表演者，制作人，工程师，艺术设计师，市场营销/公共关系顾问和唱片公司高管等各种角色。例如，我在本文前面提到的乔治·马丁（George Martin）为所有音乐人的所有制作人提高了门槛。他成功地展示了工作室所有人员（包括艺术家，工程师和其他技术人员）之间的协作过程如何产生一致的创纪录成果。

没有哪个制片人像他那样抛弃录音室的传统。当甲壳虫乐队的工作室成熟到足以给他们更多的自由时，他敏锐地感觉到了。随着这种独特且不断增加的责任转移的结果继续创造了创纪录的销售额，他给了他们越来越多的艺术自主权。从1965年的Rubber Soul专辑开始，他们积极参与了创意作品的各个方面。例如，有关专辑封面的创意设计思想的起源迅速演变为他们的专长。最终决定权归他们所有，但现在的主意也是如此。成功的表演者和歌手/作曲家开始期望在所有这些级别的创作过程中能有更多的投入，因此所有参与方都必须重新考虑其在现有行业范例中的作用。

在讨论甲壳虫乐队的真正影响时，他们工作方式的这种极其重要且几乎是意想不到的结果很少引起注意。但是，在我看来，它可能已经接近我列表的顶部。

11.甲壳虫乐队改变了唱片公司及其艺术家之间专辑封面开发的创作过程。 专辑封面传统上是唱片公司的领域。行业标准并非旨在激发人们的兴趣-封面通常是为微笑的艺术家设计的，可能带有他们的乐器，或在适当的位置贴上图片。甲壳虫乐队慢慢接管了创作过程，并于1965年完全控制了创作过程，这是另一个行业首创。他们的第一张美国专辑《 遇见披头士》以其昏暗的半开光头像，是一个简单而引人注目的开始。乐队被描绘为反思性和认真的，而不是一张介绍性专辑中常见的。

他们在“艰苦的一天之夜”中使用黑白幻灯片显示的方式是新颖，有趣且富有创造力的。 Rubber Soul上扭曲的，带皮夹克的照片和预先迷幻的字体风格传达了双重含义。 左轮手枪是屡获殊荣的封面。中士 Pepper的Lonely Heart Club Band可能是音乐史上最具标志性的专辑封面之一。对比中士的多方面技巧。 Pepper以披头士乐队 （也被称为白色专辑 ）的简单性而著称。

Abbey Road的封面变得非常具有标志性，后来被称为EMI Studio（该集团的录音棚），更名为Abbey Road。其他示例是值得的，但对我来说是多余的。

甲壳虫乐队了解封面艺术如何增强乐队和乐队音乐的意象，态度和信息。创建专辑的封面应与专辑中所包含的原始音乐付出相同的创造力。

12.甲壳虫乐队只有27岁到30岁， 在他们的巅峰时期解散了 。从来没有聚会。有趣的是，他们在最终专辑中的最后一首歌说明了一切-“最终，您所接受的爱等于您所做出的爱。”披头士乐队只是在最后一章中关闭了这本书。多么经典的故事书结局。

13.甲壳虫乐队为Rickenbacker，Epiphone，Gretsch，Ludwig和Hofner等旧乐器品牌 注入了新的活力 。有时，他们在工作室中演奏了各种品牌，包括最著名的（例如Fender，Gibson，Martin等）。

但是，四个老品牌的标志性舞台形象成为甲壳虫乐队的代名词。附带一提的是，各种类型的吉他在The Ed Sullivan Show上露面后销量便激增。这主要是男性现象，似乎还没有消退。例如，2014年，仅在美国，该行业就销售了260万把吉他。 2005年是美国乐器销量最高的年份，吉他以14亿美元的销售额排名第一。可以断定，在几代人的经历中，甲壳虫乐队直接或间接地影响了数百万自制吉他手的诞生。 他们是休闲娱乐者的最初刺激，他们中的99.9％从不从事专业比赛。

14. 甲壳虫乐队由于与英国一家年轻的新兴吉他放大器制造商Vox的早期独家关系， 彻底改变了现场演奏技术 。随着他们所玩的观众人数的显着增加以及人群热情的分贝水平，该小组需要加强音量控制。

到1960年代中期，他们的超大舞台放大器在美国被称为Super Beatle。这代表了技术性能的飞跃（例如30安培至100安培）。许多1960年代的乐队，包括滚石乐队，扭结乐队和Yardbirds乐队，都迅速过渡到这些放大器中。二十年后，Queen和U2等艺术家也使用了这种设备。

号码

以下所有信息均来自Google，尼尔森，维基百科，美国唱片业协会（RIAA）以及许多其他网站和书籍。由于以下因素，对这些声明进行事实核实具有挑战性：

· 在美国的单位和美元销售额（与全球相比）。 就美元销售而言，该数字并未针对通货膨胀进行一致调整。 在1960年代，黑胶唱片的45rpm单张唱片的价格为1美元，而33rpm唱片的价格在3美元至3.50美元之间。 经通货膨胀因素调整后，这些相同的产品价格分别为$ 5.60和$ 16.80- $ 17.50。 但是，以2015年的实际美元计算，下载单首A侧歌曲的费用仍为$ 1- $ 1.29，而发行专辑则为$ 12- $ 15。 资料来源： www.bbhq.com/prices.com 。

使用另一种度量标准，1965年的最低工资为每小时1.25美元，略高于45rpm的单条记录的成本。 一个小时的工作时间和一个45rpm的单次记录大致相当。 2015年的最低工资为7.25美元，这将为您购买七张已下载的单身！ 这项简单的练习说明了与1965年相比，2015年音乐的可承受性惊人。

· 在早期，甲壳虫乐队在英国和美国发行的许多专辑都包含不同的歌曲。 例如，遇见披头士乐队因购买地点的不同而有所不同。 （请参阅他们的音乐作品＃8）而且，为了进一步增加复杂性，他们的工作室发行版本也有所不同，具体取决于发行国家/地区。 例如，在1963年到1970年之间，他们发行了13张英国专辑，在美国发行了17张专辑。

·跟踪实物销售与数字下载之间也很棘手。 显然，从最近的10到15年开始，下载音乐的便捷性和可负担性就吸引了新的艺术家。 例如，从2011年到2014年，最畅销的数字单曲每年销量超过500万台。 相比之下，从1992年到2004年，[13年中]只有一年的实物销售额超过了该数额。

就在今年，蕾哈娜（Rihanna）成为销量最高的单身艺术家，拥有1亿个作品。 从历史上讲，数字时代使单位比较非常具有挑战性。

·广告牌图表的碎片化为老年艺术家创造了不平衡的竞争环境。 与后来的年份相比，在1960年代获得1首流行歌曲的得分更具竞争力。 从1989年开始，年度广告牌音乐奖节目在国家电视台播出。 结果，创建了许多新图表。 例如，到2014年，仅流行音乐就有30个不同的Billboard列表（来源： www.Billboard.com）。 更多名单等于更多赢家。

·从2010年左右开始，已有100年历史的向买家出售音乐的商业模式被打破，转而通过流数据源为听众提供访问权限。 在2000年代初期之前，消费者在零售店或Internet站点上购买了音乐-并且他们拥有音乐。 到2013年，流媒体音乐达到了创纪录的1181亿个流媒体。 流媒体音乐和购买的音乐在单位销售和美元销售中均被平均计入。

·从60年代中期开始，美国人口增长了65％，从1.95亿增长到今天的3.2亿。 假设主要的人口统计群体仍然大致相称，那么这意味着潜在购买力增加了65％。 假设，可以将1965年的指标提高65％，以使1965年的指标等于2015年的水平。 例如，当一个热门的新表演者在2015年发行歌曲时，与甲壳虫乐队的黄金时代相比，还有1.25亿潜在购买者。 记录下来，我随后提出的任何主张均未使用该公式处理。

1.根据Billboard的报道，甲壳虫乐队在风格划分分裂之前的那个时代有20张№1单身唱片 ，当时只有一张重要的Billboard流行音乐排行榜很重要。他们的记录仍然存在。并且，许多这些A侧单曲（1）的单曲都很棒（例如“ Penny Lane” 在旁边; “永远的草莓田” B面）。他们还保持了23位最多的№1金牌单打的记录。如果您组合他们的甲壳虫乐队的№1单打，则合计为36№1 ！其中包括McCartney＆Wings（9），Harrison（3），Lennon（2）和Starr（2）。

以下是其他著名人物的№1单身排名：玛丽亚·凯里（18），猫王（17），迈克尔·杰克逊（13），杰克逊5（4），蕾哈娜（13），麦当娜（12），埃尔顿·约翰（9）），滚石乐队（8），四个季节（5），王子（5），老鹰乐队（5），海滩男孩（3），弗兰克·辛纳屈（Frank Sinatra）（3是独奏者； 7是多个1940年代大乐队的歌手），但他是（不是头条新闻），泰勒·斯威夫特（3）和弗兰基·瓦利（2）。即使是像Burt Bacharach这样多产的词曲作者（大多数歌曲是与Hal David共同创作的）也只有6分。

2.仅在美国，甲壳虫乐队就售出了创纪录的16亿个单位。其中包括在iTunes上的280万次下载，（来源：Infoplease.com，RIAA，Apple Records和EMI）

3. 1964年，甲壳虫乐队同时在Billboard的Hot 100榜单中有12首单曲 ，并在美国Billboard Top 40单曲中排名前五位 。两项成就都是历史悠久的首创，从未受到挑战（来源：www.Beatlebible.com）。据报道，在1964年的前几个月中，他们还创造了全部唱片销量的60％。

4.截至2014年，甲壳虫乐队以创纪录的23亿张专辑销量排名第一。这个数字包括585,000个下载的专辑。加思·布鲁克斯（Garth Brooks）位居第二，售出了1.35亿张专辑，其次是《猫王》第3名，售出1.2亿张。（来源：Statisticbrain.com，RIAA，Apple Records和EMI）

5.甲壳虫乐队是多产的专辑制作者。在英国（出于上述原因提供了最纯粹的比较）， 他们在8年内发行了13张专辑，除两张专辑外，其他专辑均未能达到№1。那是85％的成功率！ 黄色潜水艇 （№4）和甲壳虫乐队的旧歌集（№4）除外，它们都不为听众提供许多新材料。在美国，他们在短短8年内发行了20张专辑。在1960年代的发行中，有14个成为№1畅销书，有四个成为№2。这相当于美国成功率达到70％！这说明了他们原创作品无与伦比的品质。

上面提到的比较仅适用于1960年代的活跃表演者。在这个时代之外，他们的唱片销量进一步扩大了比较范围，他们仍然以19岁的身价一直排名第一。接下来最接近的歌手是Jay Z（13），Bruce Springsteen（10），Elvis Presley（10），Barbra Streisand（10）），加思·布鲁克斯（9），滚石（9），麦当娜（8）…弗兰克·辛纳屈（5）。

6.根据Billboard的报道， 甲壳虫乐队是有史以来最经常出现的十大艺术家之一（1958–2013），其次是麦当娜，艾尔顿·约翰，猫王，玛丽亚·凯里，史蒂夫·旺德，珍妮·杰克逊，迈克尔杰克逊，惠特尼·休斯顿和滚石乐队。这意味着在此期间，他们排在前十名的歌曲数量超过了其他任何表演者。而且，在这10位最高排名的艺术家中，没有人的职业生涯少于20年以上，而披头士乐队则只有8年。

7.与其他主要艺术家不同，他们专辑的单位销量从未减少 。以下是他们在美国发行的一些唱片的快速样本。 1964年，他们的第一张专辑《 见面的披头士》（ MET）保持了11周的排名。而且，其中没有该乐队的前两首№1歌曲-“我想握住你的手”和“她爱你”！几个月后，他们发行了《艰苦的夜晚》 ，连续14周位居榜首。 1967年，中士 Pepper的Lonely Hearts Club Band保持了15周的冠军宝座，而Magical Mystery Tour则保持了1周的八周冠军。 1968年，《 白色专辑 》以惊人的30周排名№1！而且，在1969年，甲壳虫乐队的最终唱片专辑《 修道院路 》（ Abbey Road）连续11周位居榜首。

8.甲壳虫乐队有1 张专辑比历史上其他任何歌手都多：美国有19张，英国有15张。在美国，这与杰伊·Z（13），布鲁斯·斯普林斯汀（10），猫王（10），芭芭拉·史翠珊（10），加思·布鲁克斯（9）和滚石（9）相比。这些总数包括分手后发生的释放。注意，第5点仅代表其1960年代的活动。（来源：广告牌）

9.根据Nielsen SoundScan的报道，甲壳虫乐队在№1连续六个星期录制了六个或更多星期的专辑 -从甲壳虫乐队’65 （在1965年2月在№1度过了第六个星期）到1969年12月的修道院路 。艺术家是金斯敦三重奏（4），泰勒·斯威夫特（4）和加思·布鲁克斯（3）。

10.乐队的专辑中没有一张是哑曲的（根据Billboard，有14张为№1，三张为№2 ）。甲壳虫乐队是唯一拥有六张钻石专辑（1000万张）的表演者。

11. 1995年电视纪录片《甲壳虫乐队选集》在甲壳虫乐队解散 25年后发行。在美国，ABC估计有2000万观众收看了整集选集的六个小时。

12.根据Billboard 200的统计，甲壳虫乐队拥有“最大的№1跃升”最畅销专辑。 “最大跳跃”的定义是从№1到歌曲的前一周排名之间的数值差异。他们在前10名中有3名，其他艺术家最多只有一名。

13.根据Billboard 200的统计，甲壳虫乐队在№1的记录为132个最累积周，而相比之下，猫王（埃尔维斯·普雷斯利（67），迈克尔·杰克逊（51），加思·布鲁克斯（51），惠特尼·休斯顿（46）……王子（24）。

14.截至2015年，甲壳虫乐队参与了前十名，最有价值的可收藏专辑中的三张 ：《 昨天和今天 》（所谓的“屠夫封面”），最初于1966年授权制造，但于1966年发行。由于立即引起公众的强烈抗议以及对令人反感的封面艺术的负面回应，国会唱片在商业发行之前迅速被禁止；

1958年，Quarrymen用醋酸纤维制成的唱片录制了“那将是一天” /“尽管有所有危险” ，其中包括除Starr之外的所有乐队成员。列侬（Lennon）于1980年创作的Double Fantasy专辑，在列侬被暗杀前几个小时，列侬为他的凶手签名。

（来源：www.entertainment.howstuffworks.com）。

15.甲壳虫乐队获得的几项格莱美奖令人困惑。从1965年到1971年，该小组获得了18次不同类别的提名。但是在那段时间里，他们只赢得了五个格莱美奖。是的，您没看错- 五。相比之下，迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）在一年内赢得了八座格莱美奖！考虑一下：提名类别的数量可能至少为八个：年度歌曲，最佳当代歌曲，年度专辑，声乐团体表演，电影原声最佳配乐，当代声乐团体，最佳器乐编排例如，伴奏歌手，最佳流行表演。甲壳虫乐队有可能在七年内获得约56场胜利。相反， 他们赢了5个 。甲壳虫乐队赢得的格莱美奖很少，这与乐队的其他杰出成就难以置信。到2014年，甲壳虫乐队仍仅获得11项格莱美奖，其中包括终身成就奖（2014年）。 其他上世纪60年代的团体，例如“沙滩男孩”，“名人”，“弗兰克·扎帕”和“感恩的死者”，在职业生涯中比披头士乐队更早获得终身成就奖！

我的意见-格莱美委员会做出了有意的决定，以避免“与众不同”。鉴于他们的奖励计划只有几年的历史（始于1959年），委员会认为他们可以忽略关于甲壳虫乐队，从而从自我创造的争议中受益。该委员会似乎不会受到大众歇斯底里症的影响，而更多地关注艺术。这是我可以提供的唯一合乎逻辑的解释。

16.在甲壳虫分手30年后的2000年，甲壳虫乐队发行了合辑1，在超过35个国家/地区达到№1。根据Nielsen SoundScan的统计，这张专辑成为2000年销量最高的专辑，并且在整个十年中一直保持这种状态，销量达3100万张。这项成就使甲壳虫乐队成为第一位也是唯一的一位拥有十年两次最畅销专辑的艺术家，因为他们还拥有1960年代最畅销的专辑（ Sgt。Pepper’s ）。截至2015年，他们在四个连续的十年（1960年代，1970年代，1990年代和2000年代）在美国拥有№1专辑。

17.甲壳虫乐队1964年2月1日首次出现在埃德·沙利文秀上，吸引了创纪录的7370万观众，电视收视率也达到了创纪录的45.3％ 。根据尼尔森（Nielsen）分级服务机构的说法，它是“有史以来录制过最多美国电视节目的最大观众”。

从角度来看，当时的《埃德·沙利文节目》平均有1400万观众，是美国电视上收视率第八高的节目。甲壳虫乐队的首次露面使沙利文本已令人印象深刻的观众人数增加了五倍以上。在为期14天的旅行中，甲壳虫乐队参加了另一场Ed Sullivan节目的现场直播（第三场节目被录音），并保持了令人发指的收视率-这两场节目的收视率均达到43％。他们的表演仅获得了$ 75,000（2015美元）的酬劳。

18.根据吉尼斯世界纪录大全， 历史上最广为人知的歌曲是“昨天”，超过3000名艺术家。著名的表演权组织BMI估计，这首歌在20世纪已被表演超过700万次！

19.甲壳虫乐队是他们庞大的8年歌曲目录中大多数的作曲家：他们录制了240首原创歌曲和72 首翻唱。

20.他们早期的现场音乐会巡回演出安排很疯狂 。例如，根据raarbeatles.com的报道，他们于1964年夏季进行的首次长期北美巡演在32天之内覆盖了26个城市，并在6个地点进行了2场音乐会，总共演出43场。他们在超过45万名粉丝面前表演，平均观众为14,000，平均门票价格为5美元，相当于2015年的40美元。与今天的平均门票价格相比，这与见证甲壳虫乐队无法相比生活。总共在1964年至1966年间，他们在北美进行了75场音乐会。他们前往其他国家的旅行包括英格兰，威尔士，西德，瑞典，爱尔兰，法国，丹麦，荷兰，香港，澳大利亚，新西兰，意大利，西班牙，日本和菲律宾。他们疯狂的工作节奏的另一个例子是，他们从1964年的北美巡回演唱会回家不到一个月，就开始了为期29天，27场英国巡回演出。根据Setlist的资料，他们在1962年进行了39场现场表演，在1963年进行了332场表演，在1964年进行了230场表演。到1965年，他们开始将节奏放慢到只有85个约会，并且在1966年结束的巡回演出只有35场表演。

根据Beatlesource.com的报道，在1963年至1966年的主要巡回演出期间，该节目在许多国家的98个电视节目中进行了直播。在所有这些活动中，他们正在写作和录制音乐，发行9张专辑，拍摄2部电影，制作2部宣传片，进行无休止的媒体采访，撰写2本书（约翰·列侬），2场婚礼（Ringo，George），2儿子（朱利安·列侬（Julian Lennon），扎克·斯塔尔（Zach Starr）），否则在4岁以下或20多岁时就过着正常的生活。

20.截止到2011年，已经售出了超过300万个名为“甲壳虫乐队：摇滚乐队”的视频游戏。该游戏推出后，被多个游戏网站评为“最佳音乐/节奏游戏”，并被“游戏评论家奖”提名为“最佳音乐/节奏游戏”。。资料来源：维基百科）

21.确立谁是最有影响力的作曲家的最重要基准可能是某位歌手的歌曲被其他著名歌手翻唱的次数。甲壳虫乐队是有史以来最有名的艺术家 。根据www.whosampled.com的报道，甲壳虫乐队的歌曲已被录制2848次。最受欢迎的2位艺术家是鲍勃·迪伦（Bob Dylan）（575次）。乐队的录制歌曲几乎被您想到的任何人都可以欣赏，包括Aerosmith，Beach Boys，Elvis Presley，Bob Dylan，Jimi Hendrix，Bee Gees，Billy Joel，Bon Jovi，James Taylor，U2，Judy等艺术家柯林斯（Collins），戴夫·马修斯（Dave Matthews），感恩之死（Grateful Dead）和涅rv乐队（Nirvana）至托尼·贝内特（Tony Bennett），乔治·本森（George Benson），约翰尼·卡什（Johnny Cash），雷·查尔斯（Ray Charles），佩里·科莫（Perry Como），伯西（Basie），萨米·戴维斯（Sammy Davis），埃拉·菲茨杰拉德（Ella Fitzgerald），拉姆西·刘易斯（Lamace Lewis），自由派，辛纳屈（Sinatra）（弗兰克和南希）和萨拉·沃恩（Sara Vaughn） … 而这样的例子不胜枚举。

22.甲壳虫乐队在鼎盛时期为包括Peter＆Gordon在内的众多艺术家创作了热门歌曲 （美国前20大广告牌热门歌曲中有四首-排名第二），

Billy J. Kramer和Dakotas（美国广告牌排名前30名中的三首），滚石乐队（英国广告牌排名第12），乔·科克（英国广告牌排名第1）以及许多其他主要是英国演员。甲壳虫乐队没有录制过乐队为其他表演者创作的其他歌曲，除了可卡的《在朋友的一点帮助下》和滚石乐队的《我想成为你的男人》。相反，这些歌曲是在考虑其他艺术家的情况下创作的。

苹果唱片公司是他们的全资唱片公司，成立于1968年，目的是使甲壳虫乐队更好地控制自己的音乐，并为他们提供与其他有抱负的艺术家合作的机会。例如，麦卡特尼（McCartney）于1969年创作并制作了Badfinger的前10首热门单曲“ Come and Get It”。同年晚些时候，乔治·哈里森（George Harrison）为同一支乐队制作了“日复一日”。公众没有意识到甲壳虫乐队与乐队的联系。另一个例子是麦卡尼与一位年轻的不知名演员玛丽·霍普金斯（Mary Hopkins）的合作。 1968年，她为他创作的全球№1热门单曲《那些日子》打了分。 1969年，他撰写了她的后继十大单曲“ Goodbye”，并制作了她的第一张专辑，该专辑在英国排名第二。他们与其他众多新兴艺术家合作，其中最著名的是James Taylor和Billy Preston。

23.甲壳虫的收入比较起来很复杂 ，原因如下：1）货币通胀； 2）严重夸大的行业经济学（2015年与1960年代）； 3）税收变化。公平地说，他们[及其经理]天真地为他们前所未有的全球成功所淹没。 甲壳虫乐队没有商业模式 。而且，当他们签署最重要的长期合同时，他们没有得到法律建议！ 2014年，据估计，他们在1964年的年收入为2500万美元，今天就相当于1.88亿美元。虽然令人印象深刻，但这并不能说明整个故事。英国的税收制度使甲壳虫乐队的税率达到了98％，这是哈里森的《纳税人》的灵感来源（例如：“一个给你，十九个给我……。”）。因此，与后代音乐家相比，他们的收入大大减少了。

此外，他们的经理布莱恩·爱泼斯坦（Brian Epstein）犯了许多错误，这些错误虽然是故意的，但会对他们的收入造成负面影响。例如，在1963年，接受爱泼斯坦的建议让他们控制自己的出版权并没有很好。该组织使许多人认为是整个职业生涯中最大的业务失误-他们将歌曲版权的多数利益签给了一家没有相关往绩的苦苦挣扎的音乐发行商-对此几乎没有任何好处。他和一个沉默的伙伴最终获得了其出版收入的51％。这两个“商业伙伴”不仅获得了比歌曲作者更多的收入（两者均各自仅获得20％的收入），他们还获得了有关甲壳虫乐队音乐使用方式的任何重要决定的多数票。

同样，他们与Brian Epstein的商业合同也同样糟糕。布赖恩（Brian）收取了他们全部收入的25％的代理费（10％是代理商的标准），甲壳虫乐队还另外支付了他们自己的所有费用，其中也包括布赖恩（Brian）的费用。四支乐队成员获得了剩余的平等份额。经理们代表他们进行的电影，音乐会和促销商品的许多谈判都是灾难。例如，据估计甲壳虫乐队仅在1964年就售出了价值5000万美元的商品，但他们一无所获。是的-没事！他从未确信这些产品会产生任何有意义的收入。另一个非常有说服力的例子-布赖恩（Brian）在不研究行业收费标准的情况下，盲目地与联合艺术家（United Artists）商讨了甲壳虫乐队在《辛苦的一天之夜》中所获电影收益的份额。联合艺术家加入会议的意图是开始以甲壳虫乐队25％的起点开始谈判。天真地，布莱恩笨拙地先出示了自己的牌，然后坚决声明自己不会接受低于7.5％的任何东西，因此愚蠢地翻了翻。显然，United Artists迅速而愉快地同意了。

1967年，布莱恩（Brian）死前与甲壳虫重新谈判了一份新的10年管理合同。这些条款虽然对甲壳虫乐队有利，但存在一个重大缺陷-无论从何而来，它们在法律上对任何音乐收入均在财务上相互约束。这意味着，他们必须平等分享甲壳虫乐队和非甲壳虫乐队个人的收入。在分手之后，律师们花了很多赚钱的年限，试图达成双方都可以接受的解散合同，因为这显然使生产力最低的乐队成员受益，却以赚钱者为代价。

最后，事实证明，Apple Records的创新形式在他们职业生涯的后期（作为乐队）和分手后都浪费了大量金钱。不能怪这是1967年去世的布莱恩·爱泼斯坦（Brian Epstein）。没有与苹果相关的损失的合理估计，但可以肯定地认为这是数百万美元。只能想象一个真正的商业计划会给集团的净资产带来什么好处。当然，他们仍然发了财，但试想一下，在1960年代，他们在英国的收入中，每1美元赚2美分。

最后一项相关的收入项目是1960年代与2015年的票面价值。甲壳虫乐队是1964年无可争议的最热门演唱会票。请进行自己的Google搜索以确认我的观点。您可以花5美元或以下的价格参加大小规模的音乐会，在2015年，过高的美元价格为38美元。与此相比，泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）宣传她的1989年专辑的世界巡回演唱会的美国平均票价为380美元。简而言之，甲壳虫乐队的报酬是当今热门艺术家的10％。而且，相当于2015年的美元价值。

24.拉斯维加斯和音乐家总是很容易达到简单的资格要求，即音乐家在场并表演音乐。 2006年， 太阳剧团 （ Cirque du Soleil）创作了一种独一无二的戏剧作品，名为《甲壳虫之恋 》（ The Beatles Love），专注于该集团1960年代的图像和音乐遗产。这家定制的可容纳2000多个座位的剧院具有360度观看效果，28台投影仪和6,341个扬声器，据说耗资1亿美元。据马戏团的报道，该节目的平均票价为200美元，每年平均票房为6000万美元。该节目还发行了独特的30首歌曲配乐和纪录片。截至2015年，它仍然是排名前五位的节目（来源：Trip Advisor），已接待了430万人 。

25.甲壳虫乐队和修道院路录音棚永远联系在一起，将其牢牢固定在地图上，成为（可能是） 世界上最著名的录音设施 。当然，还有其他传奇工作室也有类似考虑。例子包括Hitsville（Motown），Chess Records（Chicago），Sun Records（Memphis），Electric Lady Studios（NYC），Muscle Shoals Sound Studios（Alabama），Studio One（Jamaica），Trident Sound Studios（London）和Capitol Studios（洛杉矶）等最突出的例子。

甲壳虫乐队在这里录制了大约90％的音乐，最畅销的专辑《 修道院路 》（ Abbey Road ）则是乐队跨工作室外斑马线的著名翻唱。数以百万计的游客模仿了专辑的拍摄，并以装饰艺术的篱笆装饰艺术的涂鸦形式分享了他们的热爱（真正包括您的个人）。

最初于1930年代开放，这里记录了许多著名的艺术家，包括保罗·罗伯逊，平克·弗洛伊德，绿洲和约翰·威廉姆斯和伦敦交响乐团，但在这里录制的数千名艺术家中只有极少数。后者获得了四次《星球大战》和三部《三部曲》电影配乐。 2010年，英国政府将录音室和人行横道列为英国文化遗产2级，2015年，谷歌推出了名为“ Inside Abbey Road”的设施的首次在线视频游览。

26. 1965年，伊丽莎白女王授予披头士乐队杰出的大英帝国最高勋章（MBE），这在先前的获奖者中引起了争议。 MBE通常是为取得显著成就或杰出的社区服务而颁发的。 MBE的先前接收者年龄大得多，通常在军队中。将MBE授予甲壳虫乐队的决定是一次真正的离开。

后甲壳虫时代

约翰·列侬（John Lennon）： 1971年，列侬（Lennon）发行了他最畅销的歌曲“ Imagine” 。RollingStone杂志将其列为“有史以来最伟大的500首歌曲”中的第3位。多个奥运会开幕式和闭幕式，并在纽约市除夕投球仪式之前举行。令人惊讶的是，该单曲在美国Billboard流行榜上仅达到№3。他的最后一张专辑《 Double Fantasy 》于1980年发行，就在列侬被疯狂的粉丝谋杀前三周。专辑是全球№1畅销书，并最终获得白金唱片。这是列侬五年来的第一张专辑，清楚地表明他重新发现了他的艺术才能。在一次为时两个小时的广播采访中（可从网上轻松访问），这是他被谋杀前两天的最后一次采访，可见列侬对创作音乐的重新热情和激情。毫无疑问，他会为子孙后代带来出色的音乐。根据最近发行的几部电影，列侬去世45年后仍然是一个着迷的人物。他在1963年与披头士乐队经理布莱恩·爱泼斯坦（Brian Epstein）一起引起争议的假期被虚构在1992年的电影《时报》中 。 John和Paul在2000年的电影《我们两个 》中讲述了“埋葬斧头”的故事。 2009年，他在电影《无处男孩》中记录了他的少年时代，而他已故的甲壳虫时期则是2010年电视传记电影《 裸体列侬》的焦点。他的音乐是2015年电影丹尼·柯林斯 （ Danny Collins）电影配乐的唯一重点。根据Wikipedia的说法，列侬发行了31张专辑（11张工作室专辑，2张现场专辑，14张合辑专辑和4张盒装专辑）和21张单身歌手。他于1988年与甲壳虫乐队一起入选摇滚名人堂，并于1994年死后成为独奏艺术家。他的独奏专辑销量截至2012年已超过1400万张。他在美国Billboard Hot 100上有25张№1单曲作为作家，合著者或表演者的图表。这使他排在队友保罗·麦卡特尼之后，位居第二。
2. 保罗·麦卡特尼（Paul McCartney） ：1970年4月，麦卡特尼发行了他的第一张个人专辑《 麦卡特尼》，与甲壳虫乐队正式分手的时间颇有争议。它在美国广告牌榜上排名№1，代表了另一个重大的第一。麦卡特尼不仅创作了所有音乐，还演奏了所有乐器并演奏了大多数人声（他的妻子琳达·麦卡特尼（Linda McCartney）做了一些背景人声）。麦卡特尼（McCartney）演奏的乐器清单包括风琴，钢琴，原声和电吉他，低音吉他，鼓和Mellotron，以及在酒杯和其他物体上演奏时产生的异常声音。专辑曲目“也许我很惊讶”直到1977年才作为单曲发行，在美国Billboard流行榜上排名第10位。麦卡特尼（McCartney）为1973年詹姆士·邦德（James Bond）的电影《 Live and Let Die》创作并表演了主题曲。

这首歌在美国广告牌榜上排名第2位，是第一部获得奥斯卡最佳原创歌曲奖提名的詹姆斯·邦德主题曲。这是他第二次获得奥斯卡金像奖提名。 1971年，甲壳虫乐队获得纪录片电影和歌曲《 让它成为》的最佳原创或改编得分。 2001年，他第三次入围“ Vanilla Sky”最佳原创歌曲提名。 1984年，他撰写并出演了电影《向广泛的街道致敬》。

麦卡特尼（McCartney）于1973年与Wings组成了几支成功的乐队。 1977年，他与乐队伴侣丹尼·莱恩（Denny Laine）共同撰写了《金蒂尔之恋》。这首歌成为英国第一首卖出200万张单曲的单曲。

他与迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）和史蒂夫·旺德（Stevie Wonder）一起获得了№1热门广告牌排行榜的冠军，今年，他与坎耶·韦斯特（Kanye West）和蕾哈娜（Rihanna）并列了№4。自甲壳虫乐队分手以来，麦卡特尼已巡回演出29次并播放了748场音乐会（截至2018年12月）。他1990年的世界巡回赛访问了49个城市，在里约热内卢，在两个晚上里为世界纪录的180,000球迷演奏。

1991年，他的首场主要作曲生涯，就是保罗·麦卡特尼（Paul McCartney）的《利物浦演说家 》 （Liverpool Oratorio），进入古典音乐，排名№1。演出纪念利物浦皇家爱乐乐团成立150周年，约有500名音乐家，歌手和演员参加。

根据2014年《 华盛顿邮报》的文章“感谢甲壳虫分手了”。 没有其他的歌曲作者/表演者能够接近数字记录。仅麦卡尼（McCartney）就获得了吉尼斯（Guinness）有史以来最成功的歌曲作者奖 ，与披头士乐队（Beatles）和独奏艺术家一起获得了60条金唱片。他撰写或合作撰写了129首歌曲，跻身Billboard Hot 100榜单，其中91首进入了前10名。截至2018年，他仅在美国就已单曲32次位居单曲榜第一位，他唯一的比赛是约翰·列侬（John Lennon），享年30岁。麦卡特尼（McCartney）还获得了18项格莱美奖，分别是他的个人和甲壳虫乐队生涯，并且是甲壳虫乐队的一员获得奥斯卡金像奖。在英国，他排行了188次并获得了91首十大甲壳虫歌曲和非甲壳虫。 1988年与甲壳虫乐队一起入选摇滚名人堂，并于1999年作为独奏艺术家入选。 保罗·麦卡特尼爵士于1997年被封为爵士。

他还是享有极高声望的Ivor Novello奖的五次获奖者，该奖仍然是唯一不受出版商和唱片公司影响，而是由写作界评判和颁奖的颁奖典礼。截至2018年，他已发行了61张专辑（包括25张录音室专辑，8张现场专辑，3张合辑专辑，7张古典专辑，13张视频专辑和5张电子专辑），77张单曲和55张音乐视频作为独奏艺术家。

3. 乔治·哈里森（George Harrison） ：1970年，哈里森（Harrison）发行了三张专辑《 All Things Must Pass》， 在美国和欧洲排名第一。其中包含№1热门歌曲“ My Sweet Lord”和前10名热门歌曲“ What Is Life”。

1971年，他开创了有史以来的首场公益音乐会 使人们意识到孟加拉人民的困境。这场音乐会在麦迪逊广场花园举行了两场40,000观众热销的音乐会，并吸引了众多知名人士。通过儿童基金会筹集和分发了数百万美元。从1980年代开始，以慈善为基础的商业模式开始流行起来，其中包括Live Aid，Farm Aid，Live 8和The Wall等。他在1972年的年度专辑中获得了格莱美奖。

哈里森继续成功地从事表演，作曲家和制作人的第二职业。 1987年，他发行了双白金唱片Cloud Nine ，专辑名为 “ Got My Mind Set On You”，在美国排名第一。 1988年，他在Traveling Wilburys上也取得了巨大的合作成功，两张专辑的销售均达到了白金级。

他与许多艺术家的作品进行了声乐和乐器合作，包括埃里克·克拉普顿，拉维·香卡，汤姆·佩蒂，德尔·香农，杜安·埃迪，米克·弗利特伍德，保罗·西蒙，鲍勃·迪伦，卡尔·珀金斯和罗伊·奥比森。

哈里森总共发行了23张专辑（包括12张录音室专辑，2张现场专辑，4张合辑专辑，2张视频专辑，3张盒装专辑）和35张单身歌手。他于1988年与甲壳虫乐队一起入选摇滚名人堂，并于2004年追随他成为独奏演员。他于2001年因肺癌去世。

4. 林戈·斯塔尔（Ringo Starr）：到1974年，史塔尔（Starr）连续七次荣登美国广告牌排行榜前5名，包括“ It Do n’t Come Easy”，“ Back Bugaloo”，“ Photograph”，“ Oh My My”，“ Only You”和“ You” “十六岁。”对于一个不喜欢唱歌的家伙来说，还不错。斯塔尔作为表演者和作曲家的职业生涯很长。从1989年开始，他成立了林戈·斯塔尔（Ringo Starr）和他的全明星乐队（All-Starr Band），该乐队轮流汇集了各种表演者。

斯塔尔的团队每年大约进行一次世界巡回演出，演出者的组合略有不同。他还参与了所有前甲壳虫乐队的工作室工作。

截至2015年，斯塔尔已发行37张专辑（19张录音室专辑，10张现场专辑，6张合辑专辑和另外2张专辑），22张音乐视频，31张其他艺术家专辑的客席演出和32张单身歌手作品。 1988年，他与甲壳虫乐队一起入选摇滚名人堂，并于2015年进入个人生涯。自2004年以来，他撰写了三本书。

正如我在开头几段所述，在艺术上宣布任何人为“最佳”是愚人的行为。 但是，如果将最佳定义为最具影响力 ，我将甲壳虫乐队宣布为有史以来最好的音乐家。 希望我提出了一个清楚的案例来支持我的发言。 在一个人的青少年时期吸收的令人难忘的事件往往会给人留下深刻而深刻的印象。 Certainly, on this topic, it’s true for me. Seen through a youthful prism, an event’s importance may be magnified beyond its reality. On the other hand, contrasting my memory (real or hyped) against the backdrop of 40-to-50 years of cultural advancement in music and entertainment always reminds me of my great fortune to have experienced it all in real-time. The Beatles have had more multi-generational staying power than of any artists for which I’m aware.

At the beginning of my thesis, I mentioned the importance of the introduction and global accessibility of electricity in making my case regarding the Beatles as being the most impactful . Thomas Edison deserves much credit for his contribution to music development and its successful commercialization. In the 1960s music industry, the ubiquitous by-products of the invention of electricity included the radio, television, musical-recording techniques, listening devices, and instrumentation options. Musicians greatly benefited from the new technologies electricity spawned. Thank you Mr. Edison.

The Beatles’ ability to quickly impact hundreds of millions of people globally was undeniably dependent upon technology. But, technology has provided every musician/performer with the same exploitive opportunity for 40-to-50 years, and no one else has come close to eclipsing the Beatles’ impact. The breadth and depth of their extraordinary creative innovations, when leveraged with the available technology, combined to create an explosive synergistic/multiplier effect for which [I believe] explains their unparalleled historic impact.

And one final thought about the role of technology — the Beatles’ phenomenal accomplishments all occurred prior to the existence of social media (Facebook, YouTube, Google, Twitter, etc.), where anything today, no matter how inconsequential, can go “viral” and attract millions of viewers and fans. Many in this new generation of performers/musicians — who have entered the business after 2000 — can claim numbers that are easily hyped, due to social media’s revolutionary platforms, as compared to previous generations who had much less to work with.

But that said, the numbers say it all. Whether you measure the Beatles’ impact based on their music, the music industry and/or pop culture, I stand firmly on my claim about their superiority. In the world of 2015, could any artist succeed in surpassing them? In my opinion, the answer is a very firm no, primarily because of viral nature of social media. The Beatles were a ticking time bomb who had years to shape them selves into the seasoned professional act that we first witnessed in 1964.

If you’re not convinced after you have reviewed this paper, take a shot at naming your choice for the most impactful musical group or performer. Personally, I found it to be an enjoyable and therapeutic exercise. In the end, it only solidified my original opinion. That may sound like circuitous self-justification, but it’s the truth. My truth.

I would also be remiss to not recognize the outstanding contributions of George Martin, who produced virtually all of their Beatle-era songs. I’m convinced that his consistent studio presence and leadership was second to none in creating their music.

Finally, during the Beatles’ very early years, when times weren’t great (1958–62), John Lennon would rhetorically ask his depressed band mates, “Where are we goin’ to, fellas?” In unison, they would respond: “We’re going to the toppermost of the poppermost, Johnny!”

This cheerleading exercise was intended as a playful lift to their spirits, and as a team builder. It also reminded the group of the lofty career goal they had set for their band — to be THE BEST. I think it worked.

谢谢你的时间。

关于作者

Rick Margin is retired, having spent 33 years in a variety of businesses where he was fortunate to have travelled extensively throughout Europe, Asia and the US meeting many great people along the way. He served as the senior marketing executive in two global consumer product companies and several years in the real estate business.

He is a self-taught recreational musician and songwriter. As of 2015, he’s composed over 100 songs. His song “The Faces Of Thousands” was inspired by the events surrounding 2001 World Trade Center attacks and his slideshow is featured on the official 9/11 Memorial Museum site. Additionally, he composed the music and produced several other slideshows including “Better Than Before” inspired by the events of Superstorm Sandy and “Poets And Their Simple Songs” which deals with musicians who died too soon. These slideshows can be viewed on YouTube.

In 1965, he acquired his first instrument, a $35 Sears Silvertone acoustic f-hole guitar — the first of several guitars he has owned. Several years later, he added piano to his repertoire. In 1972, as the result of a serious car accident, he lost the ability to continue playing the guitar right-handed — so he re-learned as a lefty. In 1990 he acquired and totally refurbished a beautiful 1901 6′ 2” Knabe grand piano.

An unabashed lifelong Beatle fan, he was one of three final bidders for the acoustic guitar John Lennon was playing the day he met Paul McCartney in 1957.

The Gallotone Champion, which Sotheby’s billed as the earliest Beatles-related guitar to come to market, was Lennon’s first and sold for $260,000 in 1999. Regrettably, Rick’s bid fell slightly short.

He and his wife of 40+ years are residents of St. James Plantation in North Carolina. They enjoy traveling anywhere where it’s warm! The couple has twin sons, both of whom are excellent musicians.

Author’s Notes:

It is my wish that any future attempt to compare a candidate as most impactful vs. the Beatles be appreciative of the need to establish an objective case based on three critical points — longevity, depth, and breadth . Perspective really matters. Keep in mind that the Beatles performed for just eight years and only produced 13 discreet UK studio albums during those years. James Brown had 71, Sinatra had 59, Johnny Cash had 55, Miles Davis had 48, Pete Seeger had 52, Ray Charles had 55, Prince had 39, Bob Dylan has 36, and the Rolling Stones have 36. And, all of these musicians with the exception of Davis have/has performed for more than 50 years.

The criteria that I applied in defining impact should be the starting point for any future claims for the most-impactful musician. For instance, a single performer who posts record downloads/sales numbers without having been the songwriter doesn’t make my cut.

And yes, by this measure, great singers like Ella Fitzgerald, Elvis Presley, Frank Sinatra, Luciano Pavarotti and Barbra Streisand are less relevant. And, great instrumentalists like Art Tatum, Vladimir Horowitz, Duke Ellington, Sergei Rachmaninov, Louie Armstrong, and Yo-Yo Ma heavily impacted their musical genre(s) and future generations of similar instrumentalists, but they lacked the required impactful breadth and depth as detailed in my essay.

Les Paul meets many of the criteria. He was a highly honored singer/songwriter, an instrumental and engineering [genius] inventor, and he performed in multiple musical genres. But in many other areas I have previously outlined, his achievement comparisons vs. the Beatles are not either significant enough or simply inapplicable.

On the other hand, Benny Goodman exhibited many of the required attributes. He had huge record sales; wrote much of his own music; was the centerpiece of one of the iconic concerts in music history (1938 Carnegie Hall); had worldwide success in multiple musical genres (eg Jazz, Bebop, Swing, Classical, and Pop) — so much so that he earned the well-deserved title of the King of Swing; performed both live and on studio albums with many notable musicians at the peak of their careers; was the bandleader in different configurations including his historic quartet; played a cameo role in a 1944 movie; he and his band appeared in eight movies; was the subject of a successful 1956 biographical movie 30 years prior to his death (Goodman was played by Steve Allen); broke the racial barrier by adding Black American musicians to his ensembles beginning in the 1930s; preformed/recorded for nearly 60 years; and was the recipient of virtually all of the relevant industry awards and honorary doctorates.

If you don’t know much about him or his music, he’s worth your time investment. Goodman exemplifies longevity, depth, and breadth .

Finding a fair, historic comparison will be challenging for all of the reasons outlined in beginning section of The Numbers. The final page of my essay outlines the qualification criteria I have used for your future consideration of other musicians. Hopefully, it will prove to be a useful comparison tool for future claims of other artists superiority to the Beatles.

It’s a safe assumption that a current and/or future musician(s) will eclipse the Beatles in numerous areas. For instance, as I write this document, Taylor Swift is demonstrating a very impressive, multi-talented résumé and appears to have potential staying power. The entertainment business always has been fickle and impatient. My point — don’t confuse impact with sales . In the relatively new digital age of more-affordable and conveniently downloaded music, the metric-based comparisons will always favor today’s musicians.

On a different subject, given that the two surviving members of the Beatles still record and perform, and that their music sales continue to add to their established industry benchmarks, I will update this document periodically.

My final piece of sage advice to future essayists: go slow and enjoy the exercise as much as I have. While the accessibility and convenience of the Internet has increased the resourcing of relevant statistics, the sources and complexity of conflicting claims takes time to unravel. And, pay little attention to blog posts. While they may stimulate a new area of research, I found their real value vs. time spent to be very low.

Have fun, but keep it tight!

Special Thanks

My long-time friend Marianne Nelson sacrificed greatly deserved free time from her duties as a full-time art director to provide me with much needed professional guidance. Her many years’ experience in print production and creative writing truly assisted in keeping me more focused and, as a hopeful result, my essay more on target.

Information Sources

The following books proved very helpful and most are highly recommended reading. This is but a short list of the available inventory of applicable Beatle related books. Like any other scholarly exercise with this many books describing the same short-lived subject, the stories, names and timelines align with an expected result. It’s only in a few rare cases, where the author had a very unique perspective on actual live events that genuine high-octane facts are unveiled. I have ranked them in their order of my perceived value.

· The Beatles by Bob Spitz

· Here, There And Everywhere by Geoff Emerick

· The Complete Beatles Chronicles by Mark Lewisohn

· The Complete Beatles Recording Sessions by Mark Lewisohn

· Paul McCartney: Many Years From Now by Barry Miles

· The Beatles by Hunter Davis

· A Cellarful Of Noise by Brian Epstein

· All The Songs by Jean-Michel Guesdon and Philippe Margotin

· All You Need Is Years by George Martin

· Last Interview: All We Were Saying by David Sheff

· Lennon Legend: An Illustrated Life of John Lennon by James Henke

· Harrison by The Editors of Rolling Stone

· The Beatles Anthology by The Beatles

· The Beatles: From Yesterday to Today by Charles Hirshberg

· The Love You Make: An Insider’s Story of the Beatles by Peter Brown and Steven Gaines

· The Beatles by Bill Yenne

· Wingspan: Paul McCartney’s Ban On The Run by Paul McCartney

· Paul McCartney: I Saw Her Standing There by Jorie B. Gracen

· The Beatles Album by Geoff Guliano

· Life Magazine: From Yesterday to Today

· The Beatles Companion by Ted Greenwald

· The Beatles — Complete Scores by Hal Leonard (For Musicians)

Additionally, these general resources were accessed:

· The Beatles Bible (Website)

· Songfacts.com (Website)

· RareBeatles.com (Website)

· NY Times (re: A Song-by-Song Look at What Made George Martin the Fifth Beatle)

· John Lennon: The Final Interview (2 Hour Radio Interview)

· Wikipedia, YouTube & Google — Hundreds of Searches…maybe more.

· All of their movies including A Hard Day’s Night, Help, Magical Mystery Tour, Yellow Submarine and Let It be.

· Numerous fictionalized movies including Nowhere Boy, Birth of The Beatles, Two of Us, Backbeat, Lennon Naked and others.

And, these documentaries:

· The Compleat Beatles

· The Beatles at Shea Stadium

· The Beatles Anthology

· The Beatles: The First US Visit

· All Together Now

· The Beatles: Eight Days A Week

Lastly, my 55+ years of directly witnessing their careers firsthand delivers the most value to this essay. All of the before mentioned video/text resources will be available to other interested writers many years from now. The defining difference of my essay — I had a front row seat and can decipher the correctness of making a case one way or the other regarding their impact. But, in the end, it’s just one man’s opinion.

The Beatles pose during their final formal photo session on Aug. 22, 1969 — two days after their last Abbey Road studio appearance with all of them present.

A month later, John Lennon quietly told his band mates of his decision to leave the group. However, the official public break-up occurred seven months later in 1970. The formal legal separation occurred in 1974.

My Qualification Criteria

( Longevity + Breadth + Depth = Impact)

Longevity

1. Very High Level Of Continuing Music Sales 40+ Years After They Broke Up

2. Most Covered Artists Of All Time

3. Composed & Performed The Most Covered Song Of All Time

4. Had All Top 5 Billboard Positions At The Same Time

5. Had 10 Song Positions In The Billboard Hot 100 At The Same Time

6. Most Frequent Artists In The Top 10 All Time

7. Had No Sales Deceleration From Their First To Their Final Album

8. Had All Time Record Album & Single Sales During Their Generation

9. Have The Most №1 Selling Albums Of All Time

10. Have The Most №1 Single Records Of All Time

11. Have The Record For Number Of Diamond Level Album Sales

12. Largest TV Audience Performance All Time (Excludes Super Bowls)

13. Have The Most Cumulative Weeks At №1 On The Billboard 200

14. Have 3 Of The Top 10 Most Collectable Albums

15. Have The Decade’s Best Selling Album In 2 Different Decades

16. Have A Very Successful Theatrical Tribute Produced By A Third Party

17. Their Music & Story Continues To Be The Subject Of And/Or Widely Featured In Movie/TV Soundtracks

18. Multiple Recipients Of All Music Industry Awards For Excellence

Breadth

1. Successfully Composed Numerous Songs In At Least 5 Musical Genres

2. Composed All Of Their Original Songs

3. All Band Members Were Credible Lead Singers

4. Stared & Assisted In The Production Of Multiple Commercially Successful Movies

5. One Band Member Authored Several Books

6. Revolutionized Fashion/Personal Styling

7. One Member Co-Composed A Soundtrack For An Independent Movie

8. Introduced An Existential Belief (re: Spiritualism) Into Mainstream Culture

9. Pioneered Live Performance Presentation Venues & Techniques

10. Introduced An Important Video/ Music Product

11. Composed Top Hits For Numerous Other Artists

深度

1. The Number of A Side & B Side Hits Of Very Recognizable Songs

2. Pioneered Numerous Important Industry Instrumentation Innovations

3. Pioneered Multiple Important Recording/Engineering Innovations

4. Created An Iconic Concept Record Album

5. They Galvanized the Basic 4-Piece Band Configuration

6. Recorded Commercially Successful Cover Songs Of Other Artists Well Known Songs

7. Introduced Other Global Musical Influences To The Industry

8. Re-defined the Role Of The Album Cover

9. Advanced The Business Model For Future Artists In Publishing