想到在1969年发行了两张单独的改变游戏/改变未来的爵士专辑，真是太疯狂了……直到今天，它们仍然听起来很现代。 这些帅哥在下一个级别的东西上。 核实：
恼人的免责声明：该乐队以埃及河女神而不是恐怖组织的名字命名。 我只提到那是因为他们因将乐队命名为不良品而受到死亡威胁……
继续：
我第一次听到ISIS 2002版“ Oceanic ”的开头轨迹栏时，我的音乐世界发生了变化。 这就是我希望金属成为一种流派。 对我而言， 这是万物的未来。 它沉重，华丽，缓慢而神秘。 虽然我仍然很喜欢Oceanic ，并且会一直珍惜它的影响力，但我觉得Panopticon完善了最美味的食谱。 凹槽更平滑，动态变化的混乱程度更小，并且整体起搏效果更好，而不会损害乐队已经建立的压碎重量。
“我们做到了吗”以一脸冲刺的即兴演奏和一些粗糙的嗓音冲破起跑门，尽管这些声音被深深地埋在了混音中，但确实产生了影响。 这种侵略性很快又回到了岩石之后的反射中，它沿着奇怪的断断续续的鼓形图案滚动，并且在建立另一个雷鸣通道之前转移了时间特征。 轻快的节奏吉他和轻轻挑选的高准引线之间的平衡对我来说确实可以做到这一点（对整张专辑而言，也是如此）。
即将来临的爵士乐的形状以低音和鼓声之间的喜怒无常的对话开头，然后奥内特·科尔曼和唐·切里 （黄铜器乐器的天才，而不是穿着怪异的西装和丑陋的狗的曲棍球人……）带着寂寞的二重奏进入。 尽管“寂寞的女人”的形状和长度很奇怪，但它的旋律立刻让人回味无穷，部分原因是它在整首曲子中反复出现并变形。 鼓的速度和低音线条的简洁性（多数只是一两个音符被反复弹奏）在音速和时间上创造了大量的空间，供萨克斯管和短号即兴演奏。这使他们可以在演奏期间改变琴键他们的独奏而不会引起不适当的音乐共鸣-我们的大脑很困惑，但是我们的耳朵没有被滥用。
我觉得我在努力传达这张唱片的令人回味。 每个乐句都超越自己的音符。 感觉沉重而有意义，每一个音符都是一种情感表达，但是演奏的自由和开放消除了过度计划或对细节的乏味关注。 这是一个非凡的平衡，并且此规则打破记录上的每个轨道都以全新的方式实现了它。
最喜欢的曲目 ：“寂寞的女人”，“专注于理智”
最不喜欢的曲目 ：“年代学”
除了《 Perfect From Now On》被认为是90年代的独立经典之外，我对《 Built to Spill》一无所知，他们对Cutie的Death Cab产生了巨大的影响，而这张专辑令人震惊。 迷幻摇滚，DIY独立dgaf心态和后摇滚的奇妙合成充满了美好的善意。
开幕曲目“ Randy Described Eternity”以巨大的空间开头。 在吉他的墙壁长大并包住它们之前，所有音符和对位符都会响起。 然后开始了对永恒的描述：
每千年
这个金属球
木星大小的十倍
漂浮在距离地球仅几码远的地方……
然后，永恒被描述为用一根羽毛挥舞一千年就破坏该球体需要多长时间……而这在永恒的范围内只是眨眼。 听到此消息后，这位歌手宣称：“从现在起我将变得完美！”以避免在某些恶劣的地方出现永恒。 同时，大量的噪音和不断增加的节奏增加了整个乐器的能量。 荒诞与真诚的交织相结合，使专辑充满张力。
我首先在我的堂兄丹尼尔（Daniel）令人发指的混音带上听到伦纳德·科恩 （ Leonard Cohen） 。 这首单曲是《 房间里的歌 》中的“以撒故事”，老实说，我认为那是沉闷的。 随着年龄的增长，我开始沉迷于“ Akedah”（也被称为“以撒的绑定”）-我什至在大学里也写过一篇论文。 我也深深地迷恋故事，讲述了性别，暴力和圣经之间的界限（因此，我对汤姆·怀特斯 ， 山羊等的喜爱）。如果您对伦纳德·科恩一无所知，您会知道他是一个专家。
我花了很多年才真正欣赏到《以撒的故事》作为抗议歌曲。 它不仅以适当的黑暗和险恶的光辉重绘了故事，而且还与权力上的其他人进行了比较，使年轻一代参加战争是另一种牺牲。 我不得不花更多的时间与Dylan和Ochs呆在一起，才使Cohen富有诗意的天赋使我惊叹不已。
这是早期的科恩（Cohen），之后他才接受了声音范围的绝对深度。 取而代之的是他的嗓音带有一种淡淡的，平淡的气质。 我认为他从某种程度上说，他相当朴实的表演和稀疏的音乐安排（稍后会详细介绍）给他的话语更多的空间，可以将他们的利爪挖入我的心灵并在那里定居。
吸引我回到这张专辑的台词来自于开场曲目“ Bird on the Wire”。在其中，他传达了一条绝对毁灭性的台词：
像婴儿一样，死胎
像有角的野兽
我已经撕毁了所有为我伸出援手的人
吓到我了 就我而言，这句话是诗意的。
我如何谈论有史以来最著名的爵士专辑之一？ 我可以谈论打破爵士乐规则的“模态”，也可以谈论它的持续影响，或者这个令人难以置信的合奏团的成员如何继续自己改变爵士乐的思维方式- 约翰·科特拉恩，保罗·钱伯斯，坎农鲍尔·阿德利 ，和比尔·埃文斯在一个房间里！ 你在跟我开玩笑吗？！ -但我想谈谈音乐本身。
“那么怎么办”与迈尔斯·戴维斯的坚强内幕根源相去甚远。 它始于Evans和Chambers在彼此之间即兴演奏之前，那标志性的低音线条开始出现并永远停留在您的大脑中。 那八个音符，然后是那两个降序和弦。 永远。 然后，戴维斯（Davis）以最流畅，最酷，最轻松，最无关紧要的独奏摇摆起来，而埃文斯（Evans）则在后台挑选奇怪的和弦进行演奏。 当Coltrane和Adderley独奏时，每种风格都有着截然不同的风格和方法，这种情况还在继续。 这是各种样式和方法的一个很好的例子，这种新样式可以保持并且仍然感觉同质。
“ Freddie the Freeloader”似乎准确地找到了“ So What”的结尾，但是Wynton Kelly在这首单曲上取代了Evans，并为唱片带来了更直接的摇摆蓝调风格。 这对我来说具有将专辑扎根于传统爵士乐标准的影响，而专辑的其余部分则突破了界限。 相比之下，“蓝绿色”感觉几乎没有结构感，就像漂浮在湖上一样，后来预示了Miles的一些印象派作品（例如，《 In A Silent Way 》中标题曲的前奏中丰富的声音纹理）。
第二方面以“ All Blues”开始，仅此而已-您可以获得的最佳蓝调爵士乐中将近12分钟。 然后专辑以“ Flamenco Sketches”结束，听起来像是“ So What”和“ Blue in Green”的完美结合。再次感觉，我们正在经历一种自发的创作，而不是录制先前安排的作品，然而有一个重点明确的方向，可以使它避免从我们的思想所能理解的范围内弯曲得太远。 几乎是新古典主义的钢琴演奏，轻柔的笔触和低音上重复的五分音符，使这个梦想成为了梦想，而号角演奏者们则在这一切之上摇摆不定。
有时我认为爵士乐之所以存在是因为语言使我们无法接受，在这里我试图描述这张专辑为何令我感动。 坦率地说，如此平静与和平的事物在其方法上如何具有革命性是具有挑战性的。 如果需要，这可以是背景音乐。 耳朵上既光滑又容易。 但是如果集中精力，是否尝试了解这些爵士乐大师的实际工作以及他们的工作方式？ 他们互相倾听多近，以创造出无缝的事物？ 这会让你大吃一惊。 这就是为什么我喜欢这张唱片。 人们可以从多种角度接近“ 种类蓝色” ，而所有角度都将继续有益。
最喜欢的曲目： “那又怎样”，“弗拉门戈素描”，“全蓝”
最不喜欢： “弗雷迪的免费下载器”……如果需要的话，我猜呢？
