这是作品的大幅扩展和编辑版本，最初与LOW的成立40周年以及BLACKSTAR的1周年挂钩。
1977年1月的LOW（低价销售）是重新振作的事业的新灵魂，也是a毒的David Bowie的终结。 从精神分裂性的夸张/低俗的STATION TO STATION ，是《落入地球的男人》中银幕的调情，以及1976年的宿醉，录音的过程是难以想象的。 最初，美国人组成了乐队，带来了现场鼓声和对STATION和YOUNG AMERICANS的灵魂影响。 布赖恩·伊诺（Brian Eno）通过引入电子元素充当缪斯女神。 鲍伊本人在巴黎与律师打架，并在不断破裂的婚姻中不断来回传唤。 所有公司都被装进了法国南部据称闹鬼的城堡，并在毗邻柏林墙的Hansa Studios结束了。 专辑分为两门课程。 B面是对STATION的最大谴责，将共产主义欧洲几乎视为一个参照对象：通过极简主义和秩序来抵制可口可乐，法西斯主义的过剩堡垒。 先前记录的预期字符研究让位给需要新的栖息地而不是要隐藏的新皮肤的艺术家，进行大气世界的构建，并且它包含了迄今为止对新事物的最大希望。 A面是对这种现状的折射，由作家街区的玻璃碎片不断变化而来，与观众的期望甚至自己的期望息息相关。 他的同名作品ZIGGY和已经很不错的作品已经消失了，他年轻的眼睛中闪烁的星星也消失了，剩下的就是残破的模仿。 总体而言， LOW是对Bowie所做的艺术的重新考虑，并且可以通过观察到的超然来同样地处理罪恶和成功。 为此，鲍伊（Bowie）创造了20世纪最好的专辑，并标志着自我感知能力的改变和恢复。
上半部的每一首歌都是吸引人的，无论是“声音和视觉的礼物”还是“灰色眼睛的女孩”的触感。鲍伊正在抽象地进行重建。 这是坐在电蓝色火坑旁的倾听效果，聆听一个人试图拼凑自己的新彩色玻璃影像的尝试。 最初是通过直接和野蛮的固执。 鲍伊可能会恳求自己，甚至是听众，但最终还是集中注意力。 尽管有目的的分裂和开始，他在整个唱片中建立的信心促进了他的更新，并使歌曲融为一体。
“生活的速度”是单色的序曲，将生命带入了上半年提出的想法。 耀眼而又闪闪发光的合成器线条将整齐切碎的简单即兴重复段显示出来，分别引入了新旧之间的冲突。 两者目前仍是自己的青少年版本，但是LOW的基本原理的简单性使其可以从根本上反映出来。 “ Speed”以某种乐器的方式预定专辑，使人声在“ Breaking Glass”上出现时受到更多欢迎。在那儿，Bowie发出紧缩和不一致的歌词，以防止重复的贝司和和弦变化，甚至没有出现。被Eno的异步合成器打乱了。 歌手和后备乐队之间缺乏可靠性，造成了A面的抽象感和节奏节奏的混乱。“ What In The World”的合成音像粗暴的爆米花，可以抵御玻璃化的吉他即兴演奏和混响鼓，从而掩盖了大部分节奏。 此处和“玻璃”上的人声与乐器一样在内部分离。 鲍伊从承认过去和现在的错误开始，通过“玻璃”中的童趣形象，从蜡笔在地毯上打到被棒球砸碎的窗户，然后在关于爱情，恐惧和焦虑的句中反复无常。 LOW达到躁狂的顶峰时，话题逐行变化，甚至逐个音节变化。 伸出援助之手，锁定被锁定的灰眼睛女孩，保持原貌的“你”正在尝试解锁和重新连接因毒品，隔离和过度放纵而炸毁的创意电路。 Bowie只能管理因挫折感和原始的，本能的基础知识而带来的方法，例如圆形，完整吉他谱系中的方形合成器。 局面以“真实的我”为前提，但一开始就没有完整的我，只有一个支离破碎，挣扎的人为目的而奔波。
简化，分散的片段和粗略的人声让“声音和视觉”感官和理性让位。这是令人沮丧的专辑中最快乐的歌曲。 以前有意冲突的乐队成员会努力创作一首统一的歌曲； 这些构建块可以组合在一起。 这种变化的最大标志是Eno的合成器和效果，在前瞻性吉他的顶部充当含糖的声音，或者在经典的现在柔韧的萨克斯谱线上进行处理，而不是以前用作干扰器和烟幕。 乐队的和谐随着时间的流逝而建立，逐步引入新作品。 建筑师进入施工过程需要整整一分钟的时间，现在清醒且具有自我意识。 放在一起的鲍伊从一个任务到另一个任务，单调地反映和重构了抒情倾向。 他知道，尽管他的缺陷不完善，但过去十年来弥漫于他的产出的“礼物”仍会回来。 他愿意练习整理和整理房间并铺好床单以便返回。 他是最应该照顾自己的人，在工作时会吹口哨。
对“声音”的回顾和放松的理解落入“总是在同一辆车上撞车”。这首歌与专辑中的其他歌曲不同，属于重复形式，而不是先前的断断续续，躁狂或对比鲜明的焦点。 这是人声的静态业力循环，对“声音和视觉”的变化犹豫不决，威胁要回到清晰表达的“玻璃”隔离状态，而在发展中的乐器背景下则静止不动。 与“声音”搭配使用时，“崩溃”与专心致志的思考相抵触，以延误，暂定性和恐惧来强化冥想，所有这些仅通过鲍伊来表达。 乐队继续前进，不为所动。 尽管它的设计师很警惕，但歌曲清晰地定义了器乐的弧度和膨胀度，而且与LOW上半年的其他内容不同，它是合乎逻辑的结论而不是淡出。 即使生活一动不动，也可能会终结生活的低落。
Side A可以用蓝调摇滚乐“ Be My Wife”作为结尾。这首歌赋予了电吉他自由的统治权，并引入了奇异的钢琴，这进一步使人声与乐器分离。 鲍伊恢复到接近单调的状态，半心半意地希望在令人窒息的嗓音范围内与激情联系起来。 引诱生活中真正的饥饿和欲望的温柔尝试弥漫在这首歌中。 对新婚妻子，新唱片，旨在带来幸福的新概念重复相同的方式和方法的故意无知和深感冷漠的循环导致了这种情况。 自我破坏的拒绝进化使之成为可能。 一位全神贯注的歌手的现有观众图像想要更多但感觉更少，证明了这一点是合理的。 实现“声音和视觉的礼物”需要付出更多的努力，而不是悲观的鲍伊所投入的。心歌中的怜悯来自怀旧的电子和琴键下的寂寞和无意义的真相，这更像是一种警告和提醒自己，如果他不粉碎自己已经变成的东西，就会等着黑洞。
A面的实际最后一首歌是最直白的标题“新城里的新职业”。 最初的意图是具有人声，而抒情的动力是由口琴产生的。 这是一个非常简单，谦虚的指导，它通过一个融合了乐队和合成线的新背景引导听众。 在鲍伊的口琴作为指挥的基础上，铺设了新的铁轨，这是由两者的先前冲突造成的。 专辑使用唱片的翻转作为鞭打，从美国的节奏和布鲁斯到新的，明显是欧洲的创作。 鲍伊（Bowie）从合成器，古典乐器和他本人的成功拼凑中跳板，开始肯定他以可乐为燃料的好莱坞山（Hollywood Hills）的前世对于向前迈进是很有用的，这在他返回或逃脱到欧洲录制这张专辑时很明显也一样 “ Warszawa”是乙方阴郁，不确定但差异巨大的最好代表。一个想象中的原型欧洲社区，其自身最近从第二次世界大战中重建，形成了集体冲突和希望中的点点滴滴。 与A面不同，下半部全部配音并在Hansa Studios中完成。 哭泣的柏林墙在这里隐约可见，但与“英雄”的紧张焦虑相呼应 。 这使鲍伊保持警惕，因为他们各自的战后，可卡因后的重建工作既复杂又内部分裂。 67-77年的“艺术十年”结束了，对1980年代的犹豫不决是一个沉重的理想。 尽管如此，其余曲目的现在统一的气氛为整个职业生涯奠定了基础。
“ Warszawa”及其构成，语音上的歌声让位于“ Art Decade”中令人垂涎三尺的搅动，导致“ Weeping Wall”上的振动。每一首歌都被投入到分离唱片的两侧，与之相比，第一首的缺乏稳固的步伐，进行黑暗的俯冲，结束了鲍伊过去的回忆。 “地下”中令人痛苦的萨克斯管独奏与他的唱片中的其他唱片完全不同。 作为过去的象征，它会警惕地点亮通往未知世界的道路。 在它与钝角之间的权衡取舍，暗示着浪漫高呼的歌词将二重奏带回家； 正如鲍伊（Bowie）在一次采访中所说，这首歌对那些在分离期间被困在东柏林的人们来说是一种挽歌。 他和他们的怀旧情绪在黑暗中散发出去。 LOW的周围环境是一面拜占庭式墙，用于上半场的躁狂性破裂，以每秒24帧的速度快速发光。 然而，无论悲剧或有害，对过去的记忆和对过去的荣誉的接受，都为投影机升空之际提供了前进的道路。
用LOW经受了40多年的批评，享受和检查，可以很容易地说出所有这些。 什么 专辑 制作的作品对Bowie和观众而言都是无价之宝：在个人结构性墙壁倒塌之后，拾起作品的灰色阴影现实。 令人沮丧的，似乎徒劳的跟随环境的希望将其推向了个人专辑之外。 在我看来， LOW是让我在夏季开车中途与Bowie保持联系的源泉，并且不断地，令人鼓舞地重复介绍“ Breaking Glass”的鼓声。 这是为了使它跌至历史最低点，并且变得更好。
