在古斯塔夫，我们以我们团队的多样性和知识渊博而自豪。 这就是为什么我们几个月前决定介绍“星期五的思想美食”的原因。每三周一次，我们在午餐时间坐下来听一听我们团队成员的介绍。 主题范围从框架和开发工具之类的技术主题到关于我们的路线图和许多其他事情的集思广益。
几周前，巴特接受了谈论古典音乐历史的挑战。 有人会说这是一个不可能完成的任务，并且诚然，在两个小时内列出十多个世纪的所有音乐发展是相当雄心勃勃的;-)。 不可能为每个作曲家提供最重要的内容，但这是我们试图在一篇大型博客文章中汇编最相关的信息。
时代的开始
活页乐谱大约在9世纪出现，但是音乐本身早就出现了。 仪式，庆典和宗教传统始终伴随着节奏模式和人声。 可悲的是，由于我们没有活页乐谱或其他来源，因此没有人能够再现这些声音。 尽管如此，不同的音乐学家还是做出了一个猜测，如果您有兴趣了解更多信息，我们邀请您阅读BBC的这篇文章“古希腊音乐的声音如何”。
随着岁月的流逝，旋律开始成形，节奏结构变得更加精致。 直到大约1100年，大多数音乐都是一致演唱的-这意味着您一次只能听到一个声音。 可以肯定的是，在整个中世纪，作曲家开始慢慢地增加声音—一开始是两个声音，过了一会儿，标准变成了四六个声音。 在这一点上，伴奏仍然仅限于琵琶或其他弹拨乐器以及录音机的早期版本。
不同的声音
与视觉艺术，文学和哲学并行的是，文艺复兴时期（1400至1600年）是创新和实验的时期。 那个时代的音乐是用小提琴般的乐器，最早的铜管乐器，风琴等制成的。尽管如此，但别忘了，重点一直放在声音上，这一时期大量的声乐证实了这一点。 规模也扩大了。 合唱团变得更大，抒情旋律变得更加复杂。 托马斯·塔利斯（Thomas Tallis）的这一罕见而又非同寻常的作品以不少于四十种声音（1570）发出，应该使您对听起来的感觉有所了解！
在17世纪，音乐终于从纯粹的宗教场合转移了。 巴洛克这个新时代迎来了不同的流派，例如歌剧和交响曲，还探索了除小提琴和风琴之外的其他各种乐器（您好，竖琴和大提琴！），并重视了声乐和声乐。 这是第一次，没有歌手，没有歌词的作品。 这并没有影响音乐的音量或宏伟程度。 与巴洛克式建筑相似，音乐充满轰动，宏伟且非常精致。 像巴赫（Bach），汉德尔（Händel）和维瓦尔第（Vivaldi）这样的作曲家都是密集而复杂的作品的忠实拥护者，它们之间有许多反差-大声到柔和，小到大，快到慢，都在几秒钟之内。
短暂的稳定
当巴赫（Bach）在1750年去世时，巴洛克时代随他而去。 新一代已准备好接管。 古典时代带来了更多的稳定性。 乐团在不断扩大，音乐的种类也有所不同，但是在和声，音调，节奏模式方面，作曲家开始遵循明确的规则和结构。 不久之后，音乐学成为一门学术学科，因此，它是Zeitgeist的一部分，希望坚持一些准则并更好地了解音乐。 莫扎特，海顿和贝多芬（或经常被称为维也纳学派 ）及其同事倡导简化风格，动态变化，不像巴洛克前辈那样突然。
线外着色
当然，作曲家是艺术家，这意味着他们注定要叛逆。 古典规则很快变得无关紧要，并为新的艺术家腾出了空间。 在浪漫时代（大约在19世纪），音乐被创作为作曲家表达自我的一种方式。 音乐作品通常是基于文学，视觉艺术或反抗该机构的绝对必要性。 被折磨的灵魂的想法，孤独而又天才，几乎像上帝一样，与作曲家的观念密不可分。 舒伯特（Schubert），勃拉姆斯（Brahms），马勒（Mahler）和瓦格纳（Wagner）–他们都具有在线条外着色，对传统流派和风格进行新改造以及探索诸如死亡，永生，灵性和哲学等主题的诀窍。
……这使我们进入了20世纪。
从现在开始，放弃规则并创建自己的规则是公平的游戏。 既定的和谐或调性规则被抛在了脑后，而画布则被新的思想和标准所覆盖。 当时的作曲家，例如凯奇（Cage），费尼霍夫（Ferneyhough），梅赛恩（Messiaen）和舍恩伯格（Schönberg），发明了新乐器，取笑传统，基于数学算法写音乐，而不是“听起来不错”（因为谁在乎）。 这是电子音乐和音乐符号的诞生，它似乎比实际价值更具艺术性：
我们已经做出有意识的决定，不将这个时代的音乐放到我们的Spotify播放列表中 ，并且我们将不会详细介绍这些创新背后的过程，因为几乎不可能在一篇博客文章中做到这一点。 也许将来我们会尝试一下，但是绝对值得拥有它自己的博客文章。 如果您想听到过去100多年的更多音乐，请告诉我们，我们将制作另一个播放列表！
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