伙计们，这就是我最喜欢的2000年代电影。 再次感谢经常阅读本网站的所有人，我将一如既往地在电影中见到你！ —尼克
30. 玛莎·马西·梅·马琳。 在过去的几年中，有关邪教和非传统信仰结构的电影出现了某种复兴，包括保罗·托马斯·安德森（Paul Thomas Anderson）的“大师”（几乎入选该榜单）和今年由葫芦制作的电视剧“女仆的故事”获得批评界和艺术界的一致好评。 因此，奇怪的是，肖恩·杜尔金（Sean Durkin）令人不快的处女作《玛莎·马西·梅·马琳（Martha Marcy May Marlene）》根本不是一部真正的电影。 当然，电影的对白中有一位特权的年轻女子，玛莎·玛茜（Martha Marcy）的头衔（伊丽莎白·奥尔森（Elizabeth Olsen），使她成为明星）逃离了她在纽约州北部隐居的生活，加入了由真相信徒领导的险恶契约。具有超凡魅力的查尔斯·曼森（John Manes）型扮演约翰·霍克斯（John Hawkes）具有令人震撼的权威。 然而，使杜金的电影如此原始和令人沮丧的是，其真实意图很难解析。 “玛莎·玛西·梅·玛琳”（Martha Marcy May Marlene）讲述了身份本身的模糊性质，以及命运的一些残酷转折，一个人如何可以故意转变成一个完全不同的存在。 杜金的叙事是华丽的，有目的的，脱节的，在霍克斯咆哮的骗子的拇指下勾勒出我们女主人公所度过的时间的锯齿状的倒叙，以及她如今试图（和失败）适应平民生活的场景。 这部电影对沉默和消极空间的坚持几乎就像哈内克一样，而且场景大约占三分之二，其中霍克斯和他的亲人闯入一个无辜的人的家，只是让他在他们的令人毛骨悚然的中途醒来-艰巨的任务-这是我见过的最令人不安的电影场景之一。 杜尔金（Durkin）尚未对他的初次登台做后续工作（尽管他曾帮助制作过诸如《西蒙·杀手》（Simon Killer）和《詹姆斯·怀特》（James White）之类的现代独立电影），但如果他的突破性电影能说明他背后的才能和野心，相机，大二的努力还不够。
29. 零暗三十。 2012年，《零黑暗的三十岁》（Zero Dark Thirty）引起了极大的愤怒，因为它刻画了美国军队为追赶乌萨马·本·拉登而制定的酷刑方法。 毫无疑问，影片中所展示的暴力是丑陋的东西，而且很难不相信凯瑟琳·比格洛（Kathryn Bigelow）的巨著在今天无处不在的微侵略性气候和触发警告中所遭受的命运甚至会更加宽容。 虽然有些投诉涉及“零黑暗三十岁”渲染美国认可的暴行 确实具有优点，比奇洛（Bigelow）对9/11后美国生活的偏执狂马赛克是新千年最重要的电影之一，恰恰是因为它恳求观众为这些不便的真相所困扰。 比格洛（Bigelow）在这部电影之前的几十年里一直是一名惊险动作电影制片人，最终以2008年令人不安的军事惊悚片《受伤的储物柜》（The Hurt Locker）告终。 “零黑暗的三十度”最令人印象深刻的是它的范围。 这是一部可能有十几个演讲角色，在世界各地拍摄地点以及叙事野心的电影，其雄伟的地缘政治意义非凡。 然而，从本质上讲，《零黑暗的三十岁》还是一个人性化的故事，讲述了一个女人对正义的不懈追求以及对她的思想和灵魂的伤害。 这是发光的杰西卡·查斯顿（Jessica Chastain）的第一个真正杰出的角色，他以前只出现在特伦斯·马里克（Terrence Malick）的水tone诗《生命之树》和约翰·希尔考特（John Hillcoat）的愚蠢的乡巴佬流氓电影《没头绪》中。 在此，Chastain放弃了任何关于她应该成为温和和screen的银幕形象的想法，并为我们描绘了一个因痴迷和执着的责任感而激昂的女人的痛苦肖像。 她得到了最近记忆中最出色的支持演员之一的帮助，其中包括坚强的下属从来没有更好的杰森·克拉克（Jason Clarke），前中情局局长莱昂·潘尼塔（Leon Panetta）担任詹姆斯·甘多尔菲尼（James Gandolfini），无话不说情报分析师马克·斯特朗（Joe Edgerton）和克里斯·普拉特（Chris Pratt）地面部队的咕gr声，嘿，那是美国国家安全局控制室的马克·杜普拉斯吗？ 无论如何，“零黑暗的三十岁”都不容易看清，但它是在我们慌乱，激动的时代的惊慌，激动的电影，如今它比发行时更加预言。
28. 华尔街之狼。 也许当尘埃落定并清除烟雾，并且如果在2020年还有人要居住的地方时，马丁·斯科塞斯（Martin Scorsese）的《华尔街之狼》将帮助我们了解特朗普的崛起，以及这位有毒，自恋的自信男人到底有多认真他那帮不道德的亲戚们集体贬低了美国文明的思想。 的确，“华尔街之狼”的中心人物乔丹·贝尔福特（Leonardo Dicaprio是迄今为止他职业生涯中最自由的转变），曾任华尔街骗子，通过“一分钱一分货”计划将无辜的投资者骗了数百万人。他和他的合伙人以前常常排着口袋，这是一个特朗普式的人物，因为他是一个公然的，毫无歉意的骗子，完全不惧怕更大的审查。 后果？ 那东西是给失败者的，朋克。 有一个事实说明，贝尔福特的下层显然是在第三世界无产者的热烈欢迎下向一个霸凌的独裁者鞠躬敬拜他的。 任何一部兼具突飞猛进的竞赛和飞机狂欢的电影都将引起轰动，而斯科塞斯疯狂的黑色喜剧引起的强烈抗议与他1990年的杰作《 Goodfellas》引起的轩然大波（仍然是最伟大的犯罪电影） ），导演被指控将自己的低龄英雄风格化至偶像崇拜的程度。 实际上，斯科塞斯先生的真正目标是更加细微的差别（伙计们，我们决不能将描述与认可相混淆）。 《华尔街之狼》显然知道其主要角色是卑鄙的人，但通过粗笔半刻画来评判这些角色却少了些，而对吸引观众以虚伪的吸引力吸引其生活方式更感兴趣。这些精神病性的笨蛋都可以买到。 在努力抵抗观众动手的过程中，斯科塞斯先生成功地将“华尔街之狼”变成了特朗普时代电影中举起的中指……尽管，尽管那是配备了Quaalude燃料的闹剧的插曲，类似于物理上没有挑战的X级Laurel＆Hardy例程。
27. 潘的迷宫。 这些天来，很容易理解为什么硬化的电影不总是像吉列尔莫·德尔·托罗（Guillermo del Toro）的电影那样热起来。 像《环太平洋》这样的电影，墨西哥导演荒谬的《怪兽大战》-梅斯史诗，甚至他那富丽堂皇的哥特式鬼故事《深红色的山峰》，都因他们自己的惊人发明而喝醉了。 在德尔·托罗（Del Toro）的拜物教对他最黑暗的迷恋的再现中，不乏令人叹为观止的视觉细节，但是最近，感觉好像导演已经忽略了将观众包括在应该共享的经历中。 这绝对不是您可以抱怨的“潘的迷宫”，德尔·托罗（Del Toro）令人陶醉的童话时代，背景是法西斯统治了多个世纪的西班牙。 说法西斯主义以弗达尔船长的面貌来体现，弗达尔船长是法国人的蛮横，酷刑和恐吓任何不幸走过他路的人。 但是，由于这是吉列尔莫·德尔·托罗的电影，所以邪恶存在的地方也很纯真。 伊凡娜·巴克罗（Ivana Baquero）表现出与奥菲莉亚（Ofelia）一样的出色表现：一个做白日梦和流浪的好奇孩子，开始接受异国有角生物的拜访（道格·琼斯（Doug Jones），他也曾在德尔·托罗（Del Toro）的《地狱男》（Hellboy）电影中做过榜样）告诉她她是一个遥远王国的公主的转世。 叙述内容包含了儿童故事的所有内容，但按照他的习俗，德尔·托罗（Del Toro）用血腥，华丽的风格装点了他的电影。 电影中臭名昭著的“苍白的人”是我永远不会消失的景象：这是一种难以想象的图像，只会在噩梦中出现。 德尔·托罗（Del Toro）理解如何利用我们从青春期到成年所维持的这些私人恐惧之源，而《潘的迷宫》则运用了诸如《克罗诺斯》和《魔鬼的骨干》等早期电影的残酷想象，并赋予了诉讼以灵魂的灵魂。经典的文学悲剧。 他的新电影是科克托式的浪漫幻想电影，名为《水的形状》，似乎是对他在《潘的迷宫》中攀登到的令人眼花height乱的高度的回归，而我（一个人）对此前景并不满意。
26. 移民。 也许这是电影的误导和错误的营销活动。 也许是制片人哈维·温斯坦（Harvey Weinstein）威胁要重新剪辑这部电影，并涉嫌残酷的结局。 也许是电影将后现代的情感与电影的古典主义不羁地融合在一起的原因：这种类型的情感可能在原本制作精美的照片中引起不和谐和破裂。 无论是什么情况，无可否认，观众对2014年春季到达美国剧院的詹姆斯·格雷（James Gray）绘画时期的悲剧“移民”（The Immigrant）并不完全友善。戏剧-认为是贝内特·米勒（Bennett Miller）的“捕狐器”（Foxcatcher）或JC钱多（JC Chandor）的“最暴力的一年”-对美国梦的诅咒责备烂了。 在这部非正式的三部曲中，我怀疑是格雷的电影将真正经受住时间的考验。 格雷可能仍然是我们最有耐心的美国导演，在这个时代，注意力跨度逐渐减少，导演似乎不敢在镜头上停留超过几秒钟（以免观众开始看手机），格雷的表现有些挑衅。我发现老式电影对模拟电影的承诺令人钦佩。 在“院子”和“两个恋人”之类的图片中，格雷采用了熟悉的模板-犯罪故事，浪漫史，情节剧等-并使他们充满了激动而混乱的情感生活。 缺乏可预测性的人比在“移民”中逮捕马里昂·歌迪亚德（Marion Cotillard）和华金·菲尼克斯（Joaquin Phoenix）的双重表演更为人性化。 科迪拉德女士和菲尼克斯先生分别扮演一个雄心勃勃的波兰移民和一个受压抑的外皮条客皮条客：同一枚美国硬币的两个二元面。 格雷对今年英俊的冒险史诗片《失落的Z城》的接受程度大大提高，虽然这部电影让我想到的越多，但在我脑海中开花的越多，但如果我说我不愿意，那我会撒谎想要导演导演另一部幅员辽阔，精致，令人不自在的个人电影，例如“移民”，至少在他决定永久吊死自己的衣钵之前。
25. 日落之前。 您是否曾经进行过如此充实，如此有益，如此轻松的对话，并且持续了整整一天？ 这个看似简单的前提是理查德·林克莱特（Richard Linklater）的当之无愧的“之前”三部曲的基础，该三部曲考察了三个独立的日子，跨越了两个名叫杰西和席琳的跨星恋人的生活。 第一部电影“日出之前”具有令人陶醉的真诚的聚会氛围，而且内心充满热情，即使它的过时日期可能比其歌迷想像的要早。 然而，林克莱特在该系列的第一部作品中没有续集《日落之前》，这实际上是伊桑·霍克和朱莉·德尔皮仅88分钟的路程，漫步在巴黎繁华的大道上，谈论着梦想，性，爱，孩子，食物，以及未来对他们的影响。 与原作相比，这是一部更精简，精简的电影，看到这些演员（他们在制作第一部电影时年轻又健壮，并在早期风风雨雨中成长至中年）时，会有些惊险的动静。这些完美实现的角色，仿佛没有时间过去。 Linklater一直很喜欢重温电影中的角色并与他们一起度过很长的时间，无论是跨越数十年的“ Boyhood”实验性chutzpah还是时光倒流回到他最伟大的电影“ Dazed and Confused”的笨拙的大学环境中”在去年的“每个人都想要一些！”中。 他还是一位不寻常的慷慨导演，他在电影中对人们的爱是无限的。 “日出之前”看上去像是表面上的友好涂鸦，但它拥有真正的心痛和向往的暗流，比导演轻轻松松的“摇滚学校”更深。 就像埃里克·罗默（Eric Rohmer）一样，忙碌的谈话风格显然对林克莱特（Linklater）产生了影响，这位出生于得克萨斯州的导演并不相信幸福的结局仅仅是为了吸引观众。 换句话说，他宁愿花一天时间与他的角色简单地射击狗屎，然后提出令人难以置信的理由让他们坠入爱河，从此终生幸福地生活。 叫我疯了，但我认为其中有很多完整性。
24. 砖头。 作家兼导演赖安·约翰逊（Rian Johnson）仅拥有三部电影，就迅速将自己确立为当今流派电影界最独特的才能之一。 乍看之下，他的三部长片彼此之间几乎没有什么共同之处，除了那种喘不过气来，电影迷的机灵和聪明的流派重建技巧。 否则，您是否可以将受韦斯·安德森启发的“兄弟绽放”的螺丝钉骗术与坚韧不拔，扎根的科幻小说相提并论？ 这两部电影都很令人愉悦-特别是您幻想欧洲的刺山柑，Paul Verhoeven电影和Philip K. Dick的书目更加流利-但导演的处女作“ Brick”至今仍是他最放心和最具吸引力的作品。 展示年轻领头人约瑟夫·戈登·莱维特（Joseph Gordon-Levitt）的敏感礼物（在菲利普·马洛（Philip Marlowe）原型上扮演皮皮舞的变奏曲），“砖头”是一种催眠的，煮沸的新黑人，被翻译成平淡无奇的加利福尼亚郊区的丘陵。 我们的英雄四处寻觅像萨姆·斯派德（Sam Spade）这样的以集团为主导的高中的大厅，他们在狭窄的街道上梳理骨头，以捡拾骨头，然后从一个狡猾的，戴着眼镜的告密者（称为“大脑”）获取情报。 读过“大睡眠”的任何人都将熟悉基本成分：失踪的女孩，恶毒的暴徒，古怪的主销等。然而，故事片的首次亮相很少像“砖头”那样自信或富于创造力。首次导演将雷蒙德·钱德勒（Raymond Chandler）的刑警鞋适应了痤疮疤痕青少年的领域，同时着重强调了将经典的黑色文学与高中电影联系起来的情节感。 如果说“砖头”仅仅是一种风格上的演习，它将仍然是新千年最令人愉悦的电影之一，但约翰逊出道的令人震惊的是它在情感上的强大。 您开始关心戈登·莱维特（Gordon-Levitt）悲哀的孤独者的命运，甚至可能会在他的孤独困境中看到一些自己。 即使您不这样做，“砖头”仍然是一部重塑电影电影和穿着酷小孩衣服的令人垂涎的神秘事物的清晰作品。 如果约翰逊能在即将上映的《星球大战》电影《最后的绝地武士》中带来同样的不可掩饰的怪异，那么我全都可以参加。
23. 在爱的心情中 。 美国浪漫史常常错过了使爱情成为我们一生中如此强大动力的重要组成部分：对事物的暗示。 许多现代浪漫主义戏剧和喜剧都因对情感的崇拜而成为痴迷的顶点，以至于他们似乎忘记了在相同情况下采用哪种有效的扣缴手段。 黄家卫的近乎完美的《花样年华》是一部充满暗示，暗示和停顿的电影。 影片的迷幻色彩（最近Nicolas Winding Refn试图在复仇惊悚片《 Only God Forgives》中模仿）将其角色描绘成致命的深红色和经典黑色的闷热黄色。 然而，这部电影中没有（人为的）暴力，也没有什么总的奥秘可言。 取而代之的是完美地唤起一个特定的环境，以及两个人的困境，这两个人既不被爱，又都习惯于独自一人。 张曼玉（Maggie Cheung）和梁朝伟（Tony Leung）身着一身衣着雅致的新闻记者和一个忧郁的秘书，都住在同一个公寓楼，令人着迷。 这个地方是香港。 那年是1960年。由于两个角色在整个工作周的大部分时间里都由配偶留在家中，所以他们最终开始了谨慎的友谊（比其他任何事情都更加无聊），这很快就表明了自己是一个更加艰难和复杂的事物。 在像这样的电影和他精湛的“重庆快车”中，黄光裕仍然对赤裸裸的需求冲突和我们固有的人类防御机制着迷。 这是对当今电影产生不可估量影响的电影之一，而且无疑也要归功于它的影响：梁朝伟被困扰的主人公有时会回忆起詹姆斯·斯图尔特在阿尔弗雷德·希区柯克的《维蒂戈》中扮演的反英雄，而电影对性爱的戏弄感很明显。对索非亚·科波拉（Sofia Coppola）不太成功的“翻译失落”的影响。 然而，由于他一次又一次地被证明，没有人能像王家卫一样。 他能够将我们的共同愿望编织成幻觉的电影寓言，以形象和沉默说话，而不是含泪的第三幕独白。
22. 鱼缸 。 我想不可否认的是：安德里亚·阿诺德（Andrea Arnold）已成为当今在独立电影院工作的最重要的电影人之一。 在她对去年的野外电影《美国蜂蜜》的真实，真实感的拍摄中，如《呼啸山庄》（Wuthering Heights）和她在《透明》和《我爱迪克》中的启示性作品之间，阿诺德的作品捕捉到了一种内在的，随处可见的自从约翰·卡萨维茨（John Cassavetes）的黄金时代以来，我认为我从未见过如此纯洁的翻译。 我个人最喜欢Arnold的影片是“鱼缸”，这是一个成年故事的最罕见的例子，完全不受繁琐的角力和不协调的感性戏剧的影响。 与“美国蜂蜜”一样，“鱼缸”从技术上讲不是音乐剧。 然而，几乎每个场景都受到帮派说唱，污垢和家庭音乐的强烈刺激。 “鱼缸”也是阿诺德对那些生活在社会底层的人进行的人文主义检查中的另一种：有人告诉我，电影的多变的主角，15岁的米娅（凯蒂·贾维斯（Katie Jarvis））会与贫穷的纹身流浪者相处融洽“美国亲爱的”，也许对得克萨斯州的智识渊博的知识分子“我爱迪克”不那么感兴趣。 在Mia与母亲英俊而又勇敢的新男友（Michael Fassbender，可以认为是他的突围角色）的互动中，有一种调情和情绪化的愉悦感，但“鱼缸”太复杂了，以至于不能仅仅描述为吸引力的故事。 这部电影可以看做是写实超现实主义时刻的挂毯，但是这位导演从未像我们传统上定义的那样对“情节”感兴趣。 取而代之的是，阿诺德（Arnold）的电影残酷诚实，经常邪恶地滑稽地看着我们挡住其他人的墙壁，以及当两个这样的自我保护的灵魂相互碰撞时美丽而残酷的混乱。 这是从导演那里捕捉原创性和外来电影的真正宝藏的工作，我们将在未来一段时间内听到很多这样的消息。
21. 上帝之城。 追溯上个世纪中叶到今天的黑帮图片的全过程将是一件有趣的事情。 弗朗西斯·福特·科波拉（Francis Ford Coppola）的“教父”三部曲在古老的乡村悲剧中闪闪发光，距离斯科塞斯（Scorsese）的“好家伙”（Goodfellas）粗鲁，虚张声势的虚张声势相去甚远，后者甚至没有考虑到像澳大利亚家庭开膛手“动物王国”这样的次要经典。深深的不情愿的“ Gomorrah”，以及Abel Ferrara的“ Bad Lieutenant”和“ New York King”的一拳两击。 费尔南多·梅雷莱斯（Fernando Meirelles）令人震惊的“上帝之城”（City of God），描绘了里约热内卢一群武装少年在恐怖组织的统治下掠夺的贫民窟，它比2000年代的几乎任何其他电影更能帮助从电影的成分中塑造一种新型的电影语言。标准的爬梯犯罪电影。 毫不奇怪，从那时起，美国黑帮电影就一直在模仿它。 从它充满动感的鸟瞰图开始顺序中-一只准备在烤架上的鸡肉设法逃脱了绑架者，照相机喘不过气来，穿过熙熙C的Cidade de Deus（直译为“上帝之城”）自治市镇作为电影的标称背景-爆炸性的结局，电影再也不会像虎钳一样失去对观众的控制。 “上帝之城”的主要“英雄”是个叫火箭的善良小偷，他从摄影，毒品和1960年代的政治革命中的野蛮生活中逃脱出来。 他用相机作为武器，而他的朋友们在携带的火炮上更传统。 “上帝之城”最恐怖的创作是一个微笑着，用口语pe绕的杀手，叫莉尔·泽（Lil’Ze），在电影中最令人沮丧的场景中，他用脚射击了他最年轻的新兵，当男孩慢慢流血致死时，残忍地笑了。 这些角色居住在一个生病，邪恶的世界中，但是电影的风格是如此明显，以至于有时看起来几乎很诱人-这也许正是关键所在。 就像“好家伙”一样，“上帝之城”既亲密又广阔：这部电影跨越了数十年的角色，却几乎深入地了解了他们。 观看并不总是那么容易，尤其是对于那些吱吱作响或容易惊骇的人来说，但是就绝对的影响力而言，没有多少电影可以与梅雷莱斯对濒临崩溃的贫困年轻人的燃烧描写相媲美。
20. 钢琴家。 罗曼·波兰斯基（Roman Polanski）的电影通常都带有一种令人毛骨悚然的恐惧感，以及对人的本质善良的内在不信任。 早期的杰作，例如《水中的刀》和《 Cul-de-Sac》，都是黑色漫画，描绘了被压抑的愤怒和沸腾的邪恶，以及他在1960年代和70年代更受称赞的主流作品（“唐人街”，“罗斯玛丽的宝贝” ““苔丝”）只是对导演的商标悲观主义的更为详尽的变化。 几十年后，波兰斯基（Polanski）成为电影界最讨厌的人之一，而且并非没有充分的理由。 导演在“钢琴家”之前还没有做过一个真正的经典之作-他之前的最后一个伟大的作品可能是人们对精神病狂的偏见“苦涩的月亮”-但波兰斯基在第二次世界大战期间对波兰生活的灼热刻画是他最个性和最在情感上狂喜的工作。 当然，大量的“钢琴家”感到自传。 波兰斯基本人是集中营的一个孩子，在奥斯威辛集中营失去了母亲。 党卫军在“钢琴家”中对犹太人实施的残酷对待的描述确实是令人痛苦的，而不是在委员会批准的“辛德勒名单”中，这是我们在二战戏剧中习以为常的方式。 当然，还有Adrien Brody作为Wladyslaw Szpilman出演的明星表演：波兰犹太钢琴家，第一次看到华沙广播电台的弹幕轰炸时，他在华沙广播电台演奏精美的钢琴协奏曲。 “钢琴家”以导演标志性的可怕肢体点缀了对奥斯卡更友好的时刻，这一点在瞬间表现得淋漓尽致，纳粹步行士兵将坐轮椅的犹太人从阳台屋顶上摔下来，或者后来，引人入胜的编剧，其中一个逃亡者弗拉德（Wlad）完美无瑕地演绎了肖邦（Chopin）的《 G小调舞会》（Ballade in G Minor），使一名国防军官沉迷。 看起来像波兰斯基这样的不人道行为的人可能会拍一部像《钢琴家》那样令人痛苦的电影。 尽管我们可能永远不会原谅他的行为，但他的艺术将经久不衰-这就是大电影的悖论。 像它的角色一样，“钢琴演奏家”也可以忍受。
19. 热绒毛。 当埃德加·怀特（Edgar Wright）离开漫威漫画冒险电影《蚂蚁人》时，事实证明这是他的歌迷们所希望的最好的事情。 赖特对漫威现在已经疲倦的公式的无耻拒绝，不仅使他能够制作出今年令人惊叹的自动点唱机抢劫影片“ Baby Driver”，而且还证明了赖特（如果需要的话）是一个顽固的原创电影制片人，能够塑造有趣且动人的人类故事脱离了流行的文化浮游生物和流派的电影怪胎。 因为如果不是伪装成僵尸rom-com的令人震惊的关于被捕发展的故事，那么“死者肖恩”是什么？ 而“世界的尽头”也一样，这是对男性脆弱性的一种讽刺讽刺，而与蓝眼睛的外星入侵者和在伦敦酒吧里上演的激烈的功夫斗争无关。 不过，“热绒毛”是赖特最无缝，最自信的作品：英国被动侵略的尖叫滑稽地摘下，伪装成写给约翰·伍和托尼·斯科特的子弹的情书。 西蒙·佩格（Simon Pegg）扮演军士。 尼古拉斯·安吉尔（Nicholas Angel），一个无幽默的警官，擅长工作，以至于上司最终将他安置在英国乡村的一个昏昏欲睡的村庄。 当尼古拉斯收拾行装并为平淡无奇的桑德福德格洛斯特（Sandford Gloucester）自治市镇着装时，赖特的电影转向了达里奥·阿根托（Dario Argento）领土，充满了诡异的诡异，残酷的侍应生，伦敦便利店的枪战，以及来自曾任詹姆斯·邦德（James Bond），蒂莫西·道尔顿（Timothy Dalton）的客串。 “热绒毛”就像赖特前夕制作的那样动感十足，令人激动，这证明他是这一代最富有活力的动作导演之一，也许是自昆汀·塔伦蒂诺（Quentin Tarantino）（对不起，洛德·米勒）以来最有才华的电影化模仿艺术家。 但是，与Wright的其他作品一样，“ Hot Fuzz”也确实受到了影响。 佩格的方形律师与尼克·弗罗斯特（怀特作品的另一位守护神）饰演的嗜好喝酒，喜欢“坏男孩II”的傻瓜之间形成了温柔的，几乎兄弟般的联系，就像导演所拥有的柏拉图式关系一样甜蜜曾经描绘过。 ，如果这一切听起来让您感到无聊，“ Hot Fuzz”仍然会像纯粹的声音和灯光秀一样呈现：至少，请留着for脚的奶奶。
18. 碎花。 对于比尔·默里（Bill Murray）而言，2000年代是重塑时期，随着非官方的默里抑郁三部曲的发行达到顶峰。 所说的三部曲包括索非亚·科波拉（Sofia Coppola）郁郁葱葱的东京遐想小说《迷失翻译》，韦斯·安德森（Wes Anderson）古怪的航海浮雕画《与史蒂夫·齐苏（Steve Zissou）一起生活的水生生物》和吉姆·贾木许（Jim Jarmusch）的《断花》。 “断花”是我最喜欢的一类：它是我刚才提到的三部电影中风格最差的电影，但其表面下出现的电影最多。 乍看之下，它可能看起来像是另一个愚蠢的贾尔穆契式怪人：一个中年人唐·胡安（Don Juan）的故事，他听到一个以前不知道的疏远儿子的消息，便乘坐一辆埃塞俄比亚爵士乐在公路上漫游。租了金牛座与他的一些前恋人团聚。 尽管Jarmusch面对扑克的人类喜剧以及人们对生活和交流方式的好奇心丝毫不在这里供不应求，但《断花》对于著名的嘻哈导演来说却像是一部奇怪的个人电影。 在去年可爱而轻描淡写的“帕特森”之前，贾木许的电影都以不可磨灭的态度和哲学上的点睛之处占据主导地位：我想到了Beatnik的“ Down by Law”，“ Hip-hop / Samurai”融合了“ Ghost Dog”或吸血鬼夜间狂欢，“只有恋人活着”。 这些电影的方式都很棒，它们在导演的正典中都占有一席之地。 《断花》之所以如此神奇，是因为它有多么真诚和亲切，却从未损害过导演明确的愿景。 贾木许（Jarmusch）通过他多次浪漫的相遇构成一个破碎男人一生的壁画时，正恳求我们从更大的角度看待自己的生活，这是使他成为无价艺术家的众多因素之一。 Murray在这里真的是非凡的，获得了一种禅宗般的悲伤，并暗示着，如果对这个过山车的Don Juan有希望，对我们也有希望。
17. 奴隶十二年。 我和许多人一样，从来没有想到史蒂夫·麦奎因的《奴隶十二年》会带回家2013年奥斯卡最佳影片奖。 这部电影的正式严谨和技术上的善意是不可否认的。 但是，我忍不住想知道，学院-一个著名的愚蠢和过时的人，是否真的像像McQueen这样真正不妥协的视觉艺术家更像“模仿游戏”导演Morten Tyldum那样获得熟练黑客的称赞？为这部电影对美国奴隶制的坚定描绘做好准备。 《奴隶十二年》是一部影片，描写的暴行没有任何让步或道歉。 其目的不是暗示，而是暗示。 这是一部幸运地失去白色救世主角色的电影（保存给制片人布拉德·皮特（Brad Pitt）的奇异的第三幕客串）。 这也是一部真正的过时电影，几乎在任何时候都抵制历史修正主义。 那么，为什么麦奎因对美国无知的有力而令人沮丧的起诉如今却像四年前一样至关重要？ 在讲述所罗门·诺斯鲁普（Solomon Northrup）的故事时-一位受过教育的受人尊敬的非裔美国人，但他却沦为奴役，被迫忍受白人绅士之手的一连串难以言语的残酷虐待-麦昆没有选择讲述他的“整个故事”美国奴隶制，好像有可能发生。 相反，在一个非凡的耐心表现中，“十二年”是一个男人的故事，尽管他代表着几个世纪的电影院，但这些电影中的色彩角色已被减少，残酷，边缘化或完全被忽略。 这是一次无与伦比的视觉创新者的猛烈呼唤（McQueen在前卫艺术界的背景应该使看到过“饥饿”或“耻辱”之类的人毫不奇怪。）演出内容包括Chiwetel Ejiofor，Lupita N’yongo的职业生涯最佳表演，以及从未感到恐惧的Michael Fassbender，他是Northrup的最虐待狂大师。 虚伪的自由派观众争辩说，他们不想让自己暴露于电影所描绘的恐怖之中（除非他们的泡沫破裂了），只是在自欺欺人。 “奴隶十二年”是一门愤怒而必不可少的美国艺术品，其影响力只是随着岁月的流逝而增长。
16. 亡者。 从表面上看，可以将马丁·斯科塞斯（Martin Scorsese）的《无家可归者》与他精打细算的纪录片暴民经典（《好家伙》（Goodfellas），《赌场》（Casino））区分开来，其依据是2006年香港演员“内政”的重制。至少有好人。 但是这些好人到底有多好？ 斯科塞斯的创伤，冲刺，警惕的警察和强盗的戏剧-莫名其妙的是，在他凭借“纽约帮派”和“飞行员”向学校请愿后，他赢得了他早该应得的最佳导演奥斯卡奖。警察表现得像堕落的罪犯一样，骗子们像冲突的律师一样自欺欺人，在美国9/11后生活的每个烂角落和裂缝中都藏着老鼠。 在Beantown黑帮电影开始趋向于更加笨拙的倾向（看着您，“黑色弥撒”）之前，“无家可归的人”以令人着迷的力量捕捉了波士顿长期以来令人生厌的钝力部落主义感，然后巧妙地将其颠倒成一个故事斯科塞斯本人称其为“道德基础为零”。 尽管在2000年代导演曾涉足各种折衷方案，如一部梦幻般的儿童电影，一部关于滚石的纪录片，一部怪异的丹尼斯·莱汉改编本，但不可否认的是，导演最自在，并且在讲述硬汉的故事中和天主教徒的头巾，而《无家可归者》则为导演的顽固粉丝们检查了所有箱子。 然而，这部电影还是关于仇外心理，罪恶感和恐惧所笼罩的美国文化的令人不安的寓言。 您会在较小的场景中看到它，例如两个普罗维登斯硬汉威吓一个穆斯林酒类店员的场景（在Leo Dicaprio的Billy Costigan迅速将它们交给他们的唯一可怕的Scorsesean屁股殴打他们的麻烦之前），或令人eye目结舌的仓库枪战最后是杰克·尼科尔森（Jack Nicholson）的怀特·博尔格（Whitey Bulger）代理人弗兰克·科斯特洛（Frank Costello）放下脚步，暗示基督在十字架上。 《无间行者》可能不是斯科塞斯先生制作过的最复杂的电影，但是这个残酷的现代里程碑在发行十年后，几乎没有丝毫刺激性的影响。
15. 适应。 有没有比Spike Jonze的“改编”更准确的电影，其中尼古拉斯·凯奇（Nicolas Cage）扮演查理·考夫曼（Charlie Kaufman）和他的虚构双胞胎兄弟唐纳德（Donald McDonald），梅丽尔·斯特里普（Meryl Streep）写了一本关于花卉的书，克里斯·库珀（Chris Cooper）尽力而为。他的职业，是一个循环的，棘齿的兰花偷猎者吗？ 仅仅阅读这部电影的情节摘要可以使您旋转，但是没有什么等于坐下观看它的过程。 乔恩泽（Jonze）和超级小丑的查理·考夫曼（Charlie Kaufman）在一起时最好的时光，是对生活中任性难题的典型另类和华丽庆祝，也是关于将自己的生活视为故事素材的危险的寓言。 这部电影采用了真正的考夫曼显然无济于事的追求，以改编苏珊·奥尔良的非小说作品《兰花小偷》，并让每一个痛苦的时刻都出现在现代洛杉矶那种疯狂的疯人院版本中。 关于演艺行业内部元素的故事可能会疏远（考夫曼的剧本被刺痛的，刺眼的好莱坞电影所包围），但“适应”最终揭示了自己是一个普遍而有趣的故事，它讲述了当我们存在本身似乎没有目的。 斯特里普（Streep）和库珀（Cooper）都像我们期望的那样出色，但是这部电影最出色的表演（或者我应该说表演）只不过是尼古拉斯·凯奇（Nicolas Cage）。 在新千年的第二个十年中，凯奇已不再是演员，而已成为模因，而他在桶底动作电影中无处不在的存在并不能帮助他的事业。 然而，凯奇（Cage）在《适应》（Adaptation）中是他最脆弱，最具有毁灭性的人。在那一刻，他以令人心碎的细节传达了艺术家的艰苦奋斗。
14. 抵押品。 没有人像迈克尔·曼那样在夜间拍摄洛杉矶。 不是Quentin Tarantino，不是David Lynch，不是Nicolas Winding Refn-没有人。 曼恩（Mann）对洛杉矶的印象是烟雾弥漫，催眠的夜间失眠症。 他是现代都市经验的大师，将城市的景点，声音，气味和超感官色彩变成了一种迷惑而又完全辉煌的景象。 “抵押品”不仅是过去二十至三十年间最出色的动作片之一，尽管我认为这比曼恩被公正称赞的抢劫史诗《热》还要好，甚至更好。 这是洛杉矶最伟大的电影之一。 这部电影毫不费力地捕捉了这座城市长期居民的守卫天性，以及那种困扰着黑社会居民灵魂的生存腐烂感。 本质上，“抵押”是一种”啪作响的猫捉老鼠惊悚片，介于杰米·福克斯（Jamie Foxx）精明的出租车司机马克斯（Max）和一个致命，无误的精准杀手文森特（汤姆·克鲁斯（Vincent））之间，后者聘请了这位卑鄙的小轮车司机为他谋杀他在Southland地区完成了一系列合同工作。 就像曼恩（Mann）的处女作《小偷》（Thief）中詹姆士·坎恩（James Cann）的放屁手弗兰克（Frank）或罗伯特·德尼罗（Robert Deniro）硬朗的船员尼尔·麦考利（Neil McCauley）在《热火》中一样，“抵押”的文森特（Vincent）在所有方面都极为残酷：致力于手头的任务，但也准备如果他感到自己的安全受到损害，立即消失。 这说明现代洛杉矶最出色的犯罪电影之一大约有60％实际上发生在黄色出租车的狭窄区域内（很早于Uber时代），但曼恩是那种可以将油漆烘干并转向的导演。它变成了数字化抽象的诱人混合物。 “附带”是曼恩的困扰和无情娱乐性的反击：声音和动作的乐团精心编排，只能在天使之城举行。
13. 生命之树。 似乎是一段遥远的记忆，但有一段时间，特伦斯·马里克（Terrence Malick）的新发现风格似乎并不像是对他以前的伟人的放纵模仿。 再说一次，隐居的德克萨斯神秘主义者最近几天一直在以非同寻常的快速剪辑工作（2017年将发行两部Malick电影，一部辛辣的音乐剧《哭泣的歌曲》和即将上映的第二次世界大战电影《 Radegund》）和有时，在两次发行之间跨越几十年的时间，使每个人都感觉像是一次重要的艺术陈述。 “生命之树”是著名的不可知导演最自传性的电影，它的独特之处在于他在职业生涯中期罕见的Malick作品具有抒情的宏伟感。 这部电影也是修正主义时期的第一章，构成了导演最近的创作重心，但是《生命之树》的元素力量仍然令人振奋：充满了我们大多数人都是凡人的图像和情感。不能希望在我们最好的一天里发生变化。 这部电影是女演员杰西卡·查斯顿（Jessica Chastain）的发源地，后者在1950年代的得克萨斯州扮演一位仁慈的女族长，主要与布拉德·皮特（Brad Pitt）（他最坚强，最开放）搭档，并与一群少年男孩（包括当时不知名的年轻人）搭wide Tye Sheridan）。 电影《去奇观》和《杯形骑士》等电影中的演员似乎迷失了方向或不确定该怎么做，但值得注意的是，《生命之树》中的表演者在不诉诸于公开的对话的情况下设法交流了多少。 出色的摄影师伊曼纽尔·“契沃”·卢贝兹基（Emmanuel“ Chivo” Lubezki）的技术贡献以及亚历山大·德斯普拉特（Alexandre Desplat）原始得分的空灵嗡嗡声给导演无可估量的帮助，两者都营造了一种持续超越的氛围。 马利克（Malick）高耸的，亲密的杰作无异于一幅宇宙，上帝的眼光看待着我们从美国20世纪中叶到今天的生活。 这是不折不扣的艺术清晰度的悔作品，令人耳目一新，让人回想起现在这种残酷的电影流氓的能力。
12. 几乎成名。 卡梅隆·克罗（Cameron Crowe）的电影在2017年意味着什么？ 它曾经意味着什么，该死。 它曾经意味着标志性的配乐，音调完美的漫画对话，以及通常与无休止的夏日相关的那种迷人，青春的浪漫。 不幸的是，克劳（Crowe）近年来因“断断续续”的不当失误（如“我们买了动物园”）和2015年灾难性的“阿罗哈”（Aloha）而屈服于他更加自嘲的倾向。 可是，克劳曾经有一段时间不仅仅是膝关节真诚的简单举报。 他是青春期欲望的诗人-永远不会忘记，这是为《里奇蒙特高地的快报》（Fast Times at Ridgemont High）编剧的人，这部电影仍然是有关青少年制作的最伟大的电影，而不是《 400击》。 那么，可以肯定的是，克劳的杰作是关于一个少年的。 他们说没有完美的电影，但是作为一个一生都看过很多电影的人，我会说“几乎成名”已经接近了。 这部电影既是对本世纪中期美国对摇滚乐的痴迷的庆祝活动，又是对这部电影的剖析，这是通过一个毛茸茸的梦想家的眼睛看到的。梦想家是一个胆大妄为的孩子，他绝对是一个很酷的孩子，帕特里克·福吉特（Patrick Fugit）表现得非常敏感。跟随他最喜欢的乐队，虚构的布鲁斯摇滚乐队Stillwater进行全国巡回演出。 从杰森·李（Jason Lee）的狗屎主唱到比利·克鲁德普（Billy Crudup）充满灵魂，自嘲的吉他手，乐队的每个成员都具有不可磨灭的个性。 即使是决定在危及生命的灾难现场离开壁橱的鼓手，也可以得到完全实现的表征。 至于潘妮·莱恩（Penny Lane），这个角色象征着某种麻烦的隐喻，在过去十年间克劳（Crowe）的电影中就开始出现这种隐喻，但是凯特·哈德森（Kate Hudson）有趣而慷慨的转身让我们直视角色受损灵魂的核心，而不是为克鲁（Crowe）辩护幼稚，有时狭narrow的实现愿望的意识。 这是一部充满瞬间经典场景的电影（比利·克鲁德普（Billy Crudup）的郊区酸之旅，伴随着“小舞者”（Tiny Dancer）的旅游巴士），不朽的台词（“这个破产世界中唯一的真实货币就是你与他人分享的东西”）。当您感到不爽时”），弗朗西斯·麦克道曼（Frances McDormand），菲利普·西摩·霍夫曼（Philip Seymour Hoffman）和诺亚·泰勒（Noah Taylor）等人将提供无与伦比的支持服务。 为“几乎成名”投掷打火机：这是现代美国的里程碑，已经获得了光荣不酷的权利。
11. 梦想的安息。 达伦·阿罗诺夫斯基（Darren Aronofsky）的“梦的安魂曲”的最后部分是我见过的最纯净电影片段之一。 这是一部无情的性爱和残酷的堕落的压倒性的视觉交响曲，感觉就像是在经历了特别令人眼花high乱的高潮之后的史诗般的倒台。 在这些时刻，我们正在观看人物天鹅被遗忘的时刻，不难看出为什么电影的评论家指责阿罗诺夫斯基因痛苦而陷入悲惨境地。 尽管“ Trainspotting”（1990年代最烂的电影）经常以嗡嗡的快感来回荡，这已经成为导演丹尼·博伊尔（Danny Boyle）和“ Heaven Know What”（2010年后最烂的电影）的代名词。乔希（Josh）和本尼·萨夫迪（Benny Safdie）出于对针头魔鬼的同情而挖掘出富有同情心的黑色喜剧，“安魂曲”是故意惩罚的事情。 除其他事项外，它也是一部出色的，毫不妥协的艺术电影。 这部电影以不屈不挠的准确性描绘了四个人被垃圾吞噬并最终被摧毁的生命。 当“安魂曲”首次冲入美国电影界时，阿罗诺夫斯基的运动过度，嘻哈风格影响了视觉语言，这已经超出了创新范围，此后才逐渐发展壮大。 导演似乎从根本上了解原始资料（电影改编自前用户的硬朗小说和《最后的布鲁克林出口》作者休伯特·塞尔比小），这是瘾君子生活方式的周期性徒劳：每天如何它以一种真空的形式存在，在这种真空中，需要购买，摄入和再购买药物，直到普通的生活只是过去的记忆。 “梦的安魂曲”也理解成瘾是如何超越诸如海洛因之类的表面吸引力的。 We see it in Ellen Burstyn’s painful and masterful turn as a Brighton Beach mother dependent on diet pills and living in the perpetual glow of banal daytime TV, as well as Jared Leto and Marlon Wayans as two boyhood friends propelled by memories of summers past and living with a desperate need to escape the mundane routine of their lives in the present day. It is Jennifer Connolly, however, who gives the film’s most fearless turn as a woman whose sense of self ultimately corrodes and dissolves — like burning skag in a dirty spoon.
10. The Squid and the Whale. There have been many films made about divorce, but with the exception of Ingmar Bergman’s peerless “Scenes from a Marriage,” almost none of them are as painful and funny as Noah Baumbach’s breakthrough feature “The Squid and the Whale”. Mr. Baumbach has since graduated to making snappy, witty big-city farces like “Frances Ha” and “Mistress America,” but “The Squid and the Whale” offers evidence of a restless, fearsomely talented young writer/director with something to prove. Every frame of his breakthrough film is confrontational, serrated, and engineered to draw blood. Loosely based on Baumbach’s own childhood — he grew up the eldest child of two esteemed writers, Jonathan Baumbach and Georgia Brown, in Park Slope, New York — “The Squid and the Whale” imagines the 20th-century separation ritual as a kind of ruthless emotional warzone, one where no man, woman or child is safe. Jesse Eisenberg and Owen Kline star as Walt and Frank Berkman, who find themselves pitted against one another when Walt — a wannabe intellectual who unironically describes “The Metamorphosis” as “Kafkaesque” — sides with his failing writer father, Bernard (Jeff Daniels), while young Frank gravitates towards the embraces of his good-hearted but ultimately self-centered mother Joan (Laura Linney). All four performers give soul-exposing turns– particularly Daniels, effortlessly embodying a man who, like so many of Baumbach’s characters, was great in his youth and has spent his entire adult life trying to play catch-up to that one, fleeting moment. The film’s 1980’s Park Slope production design is also remarkably lived-in, lending the proceedings a true air of autobiography (Baumbach apparently even lent Daniels some of his father’s old clothes to play the role). The movie’s soundtrack is also eclectic and indelible — ranging from Lou Reed and The Feelies to Blossom Dearie and the beguiling orchestral work of onetime Galaxie 500 frontman Dean Wareham, who has popped up as an actor in a few recent Baumbach films — signifying the writer/director’s impeccable taste, as well as his adroit ear for how pop songs can trigger hurtful memories. Baumbach has since enhanced his funny-sad human comedies with a newfound sense of polish and economy, but “The Squid and the Whale,” from its opening moments, which evoke the messy slice-of-life melodrama of Louis Malle, to its heart-crushing final shot, remains the director’s most heartbreaking effort to date.
9. Cache. The terror in the films of director Michael Haneke often lies in what is unseen: the invisible, omnipotent evil at the heart of his WWI-era masterwork “The White Ribbon,” for instance, or the specter of terrible permanence that hangs over the proceedings of his otherwise fairly languid (dare I say, even kindhearted) Oscar-winner “Amour”. In “Cache,” the German master’s unsettling examination of privacy and its limits, the film’s true horror exists literally right behind the camera. Daniel Auteuil and Juliette Binoche anchor the film with grave, reserved turns, playing a bourgeois French couple whose sense of normalcy slowly begins to erode when anonymous videotapes begin to arrive on their doorstep. Haneke spikes the narrative with his typically detached depictions of barbarism — some disturbing crayon doodles, an on-screen suicide that has to be seen to be believed — and yet the contents of the tapes themselves are often mundane and routine. They mostly depict Auteuil and Binoche’s characters lounging about their spacious abode (every inch of which is stacked with academic texts and, yes, videotapes), going about their day-to-day, and interacting with their well-meaning neighbors. In these scenes, Haneke is suggesting the presence of evil rather than opting to show it outright, taking commonplace daily tasks and rendering them rotten and wrong by flipping the audience’s perspective on its head. David Lynch borrowed the same essential gimmick (sexy strangers being videotaped by an unseen voyeur, that is) in “Lost Highway,” but Haneke has no interest in dream logic. Instead, “Cache” is a characteristically severe and formally dazzling allegory about suppressed trauma, collective guilt, and the lies we tell ourselves in order to survive. Try not to watch this one right before you go to bed.
8. 联合国先知。 约克·奥迪亚德（Jacques Audiard）灼热的《乌恩·先知》（Une Prophete）的主角被问到：“你是什么人？” “先知，还是某物？”角色是马利克（法国-阿尔及利亚演员塔哈尔·拉希姆（Tahar Rahim）），在故事的这一点上，我们已经看到他从一个温顺的，没有胡子的人转变为一个被严重扭曲的抗议而被捕的人一个冷血的犯罪领主，以我们某些人订购新月形面包的方式命令死亡。 过去的20年里，《 Une Prophete》是最令人发指的犯罪电影之一，原因在于导演Audiard描写了上述变态的精确性。 “ Une Prophete”在具有最高安全性的法国监狱的动物世界中得到了极大的发展：这种达尔文式的环境只会滋养坏人的不良习惯。 最差的是塞萨尔（奥迪亚德的常规尼尔斯·阿里斯特鲁普），科西嘉的杀手，在他那片地狱的毒品交易中拥有铁据点。 塞萨尔最终委托柔和的马利克（Malik）做他的差事，当然是在不让他经历几次屈辱的审判之前。 雅克·奥迪亚德（Jacques Audiard）在漫长而令人印象深刻的职业生涯中涉猎多种流派：《我的心跳动》中的音乐旋律，《铁锈与骨头》中充满色情色彩的爱情故事，最后是暴力，有社会观念的纸浆一年的“ Dheephan”。 话虽如此，这位法国导演从来没有像《 Une Prophete》那样使电影如此刻板，无懈可击地拥有。 奥迪亚德的杰作与他的其他电影作品相结合的是，他对当普通人被迫采取不可逆转的行为时会发生什么的无误的社会学注视。 最终，一些黑帮电影因他们顽强的反英雄的神秘而流连忘返，而“ Une Prophete”则是一种令人恐惧的道德行为，使您只能站起来一点。 这部电影还包含了我以前在电影中目睹的最令人恶心的谋杀场面-并为未起步者抬起头，它涉及到策略性地隐藏在囚犯口中的剃须刀。
7. 在莱温·戴维斯（Llewyn Davis）内部。 “你是一个有趣的男孩，是吗？”这是对虚构的民谣歌手Llewyn Davis的第一个问题（由Oscar Isaac表现出令人心碎的脆弱表现），他为Joel和Ethan Coen的第十六部电影取了个名字。 当然，Llewyn的生活没有什么可笑的。 他是一个自我破坏者，永远是一文不名的民谣歌手，在这部电影1960年格林威治村的热闹娱乐中，勉强度过了另一个寒冷的冬天。 同样，即使是科恩（Coen）最热心的防守者，在“ Inside Llewyn Davis”中也没发现什么可笑的。 评论家的抱怨不胜枚举：这个故事几乎是不存在的，结局是不透明和不令人满意的，主要人物（用外行的话来说）是个混蛋。 然而，对这些古怪的抱怨之以鼻，是想念《内里·莱温·戴维斯》（Inside Llewyn Davis）也许是该兄弟迄今为止最富有同情心和情感上丰富的电影，而不是说这两个兄弟可谓是热情洋溢的人文主义者。 这是我能想到的唯一一张关于冷血绞刑架喜剧的，以角色为导向的抒情诗，这种喜剧片将电影定义为“ Fargo”，“ Barton Fink”和“ The Ladykillers”。 “莱温·戴维斯（Llewyn Davis）”通常是著名电影制作二重奏的杰出演员展示-除了艾萨克（Isaac）令人心酸的领军人物外，兄弟俩都从贾斯汀·汀布莱克（Justin Timberlake）（身为衣冠楚楚的民谣演员），亚当·Driver（Adam Driver）等人那里获得了出色的表演。 （是一位名叫Al Cody的疏远牛仔），科恩（Coen）赞助人圣约翰·古德曼（John Goodman）（是一名好斗的，吸食海洛因的爵士乐手），以及电影第三幕中一个令人费解的场景，穆勒·亚伯拉罕（F. Murray Abraham） Llewyn的音乐告诉他“我在这里看不到很多钱”。 “内里·莱温·戴维斯（Inside Llewyn Davis）”终究是对未实现的梦想的悲哀哀叹，也是对未经演唱的歌曲的非同寻常的追忆（对Coens而言）。 尽管Llewyn是那种愚蠢的混蛋，在他本该照顾的时候却打倒了别人的女友，并弄丢了邻居的猫，但在他的艺术方面，他确实是纯洁的内心……这就是这个原因，兄弟似乎在争论，他永远不会成为明星。
6. 胆小鬼罗伯特·福特（Robert Ford）暗杀杰西·詹姆斯（Jesse James）。 在这份名单上的所有电影中，安德鲁·多米尼克（Andrew Dominik）的《胆小鬼罗伯特·福特（Robert Ford）杀死杰西·詹姆斯（Jesse James）的刺杀》的区别在于，它在首次发行时可能是最被误解的。 虽然华纳兄弟可能认为他们正在接受一门老派菜，而肉类和土豆片成年的西方风味则与“不可原谅”的脉络有关，但多米尼克的预告性视觉诗在精神上更接近罗伯特·奥特曼（Robert Altman）梦dream以求的，零碎的“麦克卡贝和米勒夫人”之类的史诗。 ”，甚至还有斯坦利·库布里克（Stanley Kubrick）的“巴里·林登（Barry Lyndon）”，其标题主题也采用了类似的分离方法，甚至甚至通过讽刺，绝对是后现代的叙事来故意预示了反英雄的垮台。 最重要的是，《杰西·詹姆斯》是一部该死的奇怪电影：一部穿着古老服装的缓慢移动，令人陶醉的美丽三小时前行，可以理解的是，它喜欢自己的风格。 尽管这部电影具有西方经典制片厂的华丽饰面，但实际上更像是一段喜怒无常的犯罪史诗，讲述了一群野蛮的盗贼，在疯狂，神话的枪手杰西·詹姆斯（Jesse James）的心血来潮下，被一个又一个地逐个捡走。一直被强迫性猜疑所毒害（这会使“杰西·詹姆斯”与多米尼克的其他照片，残酷的监狱电影“斩波器”以及明确的政治黑帮喜剧“轻柔地杀死他们”处于合理的地位）。 然而，最重要的是，“杰西·詹姆斯遇刺案”的表现就像是一个残酷，半死不活的梦想：一个沉思于美国长期以来对and徒和凶手的迷恋，同时巧妙地观察着美国最危险的人是如何夸大了自己的神话。 。 尽管影片以萨姆·罗克韦尔（Sam Rockwell），杰里米·伦纳（Jeremy Renner），保罗·施耐德（Paul Schneider）和已故的伟大的萨姆·谢泼德（Sam Shepherd）之类的健壮，鬼魂般的场景为基础，但这些人在少数场景中都能传达出完全居住，真实的角色—皮特（Pitt）和凯西（Casey Affleck）最终随身携带了这部电影。 皮特扮演詹姆斯的方式就像他是巫毒教徒所拥有的吉姆·莫里森一样，这无疑是他做过的最激动人心的不可预测的工作。 同时，Affleck传达了怯ward的罗伯特·福特（Robert Ford）的黑心自私–嘲讽弱者，将枪对准了詹姆斯，最终结束了他的生命–令人震惊的清晰度和童心似的威胁使这部电影毫无疑问地呈现出悲剧的痕迹。
5. 男人的孩子 。 没有人能预料到“男人的孩子”中描述的不人道的反乌托邦将与我们目前的游荡镜政治现实相距甚远。 也没有办法预测墨西哥导演阿方索·库伦（Alfonso Cuaron），他在从事现代科幻小说的开创性工作之前，以出汗，性爱的公路旅行电影《 Y Tu Mama Tambien》以及第三部电影而闻名。 “哈利·波特”电影-能够执行这种不可思议的范围的概念。 就像通过毫不妥协的方式诞生于世界上的许多伟大艺术品一样，完美的环境融合是创造了“人之子”的原因-当您认为库伦凶猛的形式主义史诗是有史以来最令人不安的有先见之明的社会政治寓言之一时，这是具有讽刺意味的在大屏幕上。 这部电影将粒状的，真实的现实主义与精致的幻想融合在一起（请查看Pink Floyd的“ Animals”专辑封面中令人讨厌的寓言），同时体现教科书对21世纪警示故事的定义，然后从头开始重新编写蓝图。 在《男人》中，当全球不孕症的蔓延使人类无法成功繁殖时，世界正处于灭绝的边缘。 克莱夫·欧文（Clive Owen）扮演一次活动家西奥·法伦（Theo Faron），他的独生子死于威胁生命的流感病毒后，他成了男人的壳。 Cuaron跟随Theo，发现自己与一个流氓的人物画廊混在一起，包括一群激进的叛乱分子，一个由迈克尔·凯恩（Michael Caine）扮演的蓬松，蓬松蓬松的激进分子，以及一个可能拥有产生力量的女人。流行之后的人类生活。 从Radiohead到King Crimson的各种折衷曲目都得到了评分，并且由有主见的，专注的演员扮演，延伸到Julianne Moore，Chiwetel Ejiofor和Charlie Hunnam，“男人的孩子”可能只是另一个黯淡，自负的政治惊悚片，由其他任何导演掌控。 然而，库伦将它变成了实验性的胜利，这也是对我们当前世界的坚定批评。 不要让电影的惊人单身游行和电影般的技巧分散您的注意力：撇开电影的诡计，“儿童之子”是关于如果我们作为一个民族永远不会从自我中醒来可能发生的危险引起的沉睡。
4. 会有血。 就像保罗·托马斯·安德森（Paul Thomas Anderson）的所有电影一样，“将要流血”也定在南加州。 但是，除了他那愚蠢的傻瓜whodunit / Thomas Pynchon改编的“天生的恶习”外，我很难想像另一张关于南加州本身的PTA图片，以及他那宏大而愤怒的巨石作品， “在那里将会有流血”。 “ Boogie Nights”和“ Magnolia”散布在San Fernando山谷单调郊区的家庭和信仰颂歌，而“ Punch-Drunk Love”主要展现在其悲伤的主人公发狂的顶部空间中，“ There Will “ Be Blood”明确地涉及到进入加州心理状态的贪婪和救赎的双重力量。 “将要流血”也是一部关于美国西部的经典电影，摄影师罗伯特·埃尔斯威特（Robert Elswit）挥舞着令人敬畏的沙漠远景镜头，并在电影的华丽时期细节中津津乐道，暗示约翰·福特（John Ford）导演的早期电影可能罗伯特·奥特曼（Robert Altman）脱下帽子。 当然，因为这是保罗·托马斯·安德森（Paul Thomas Anderson），所以“会有血腥”绝不是传统的西方电影。 简而言之，导演的最勇敢，最有定义的电影是他典型的残酷性格研究之一：这次是关于一个男人与贪婪和自我保护的力量进行一场失败的战斗。 有争议的人是丹尼尔·普兰维尤（Daniel Day-Lewis，他将与安德森团聚以制作他的最后一部也是最后一部电影，将于本假期发行），在这里他被描绘成一个re悔的资本家，除了轻蔑和情欲，他没有其他情感，谁将人类视为仅仅是要克服的障碍。 Plainview与两面基督教骗子Eli Sunday（令人着迷的Paul Dano）在高空保龄球馆的对抗仍然是本世纪任何一部电影中最真实，最令人震惊和有趣的结局之一，以至于当Plainview在他的书中被覆盖时，敌人的字面意思是“我完蛋了”，你会感觉到安德森向他的同时代人发出了嘲讽的言论。
3. 穆赫兰道。 这只是梦吗？ 导演应该听从牛仔的警告吗？ 坐在轮椅上的男人是谁？ 还是穿红裙子的女孩？ 结局如何？ 自2001年电影上映以来，电影迷和流行文化学者一直在问这些问题，以及有关大卫·林奇（David Lynch）的《穆尔兰道》的更多问题。今天，我们可以比现在更接近于理解电影的拜占庭式神秘和超现实主义层面了。十六年前。 再说一次，像“ Mulholland Drive”这样具有权威性的作品真的需要经过反复分析吗？ 在这个时代，我们迷上了粉丝理论，并且对我们最喜欢的电影和电视节目的情节密谋常常是徒劳的猜测，在“ Mulholland Drive”戴维·林奇之后的第三个令人不安的愿景追求是值得珍惜的。 林奇最大，最不可思议的电影是一个扭曲的洛杉矶空灵的模拟—死灵般的噩梦般的风景，到处都是有需要的女演员，女导演，角质泳池男孩和杀手杀手，这对其他人来说也是狡猾而令人不安的评论导演的电影作品 这也是新的持续发展阶段的第一章，延伸到炎热的“内陆帝国”以及今年的“双峰：回归”。 有了这些作品，林奇（Lynch）几乎完全放弃了对传统叙事情节的兴趣，取而代之的是给听众未过滤的，通常是畸形的吉卜赛奇梦逻辑段落，自从罗伯·史密森（Robert Smithson）的概念性输出以来，从未见过类似的故事。文化景观中的力量（也想到了路易斯·布努埃尔的后期讽刺讽刺）。 在当前的文化时刻，我们消费的大部分是对我们已经看到并经历过数十次的东西的熟悉回收，而“ Mulholland Drive”在电影般的棉花糖领域仍然感觉像砷的峰值。 它是华丽的，令人困扰的，荒谬的，不理性的，热闹的，不合逻辑的，真正的性感，而且最重要的是，大胆地他妈的怪异。 我们可能永远也不会再获得另一部长篇大论的大卫·林奇电影，但是如果“ Mulholland Drive”是他倒数第二场大银幕尝试，那将是实验电影史上最响亮的天鹅歌曲之一。 Silencio。
2. 皇家Tenenbaums。 而且，如果我似乎害怕/过着自己在歌曲中所过的生活，那只是我一直在失去/那么久 。”这张歌词摘自哥特式忧郁的艺术流行歌曲“ These Days”。在韦斯·安德森（Wes Anderson）的“皇家特纳鲍姆（The Royal Tenenbaums）”中以最著名的音序演奏。 除了是从艾略特·史密斯（Elliott Smith）到范·莫里森（Van Morrison）等众多电影中最令人难忘的音乐时刻之一，这首抒情诗还成为了安德森（Anderson）现代美国杰作的真正核心。 “皇家特纳鲍姆”是一部关于家庭和失望的宏伟优美的喜剧，其绅士般的力量在您身上悄悄溜走，就像安德森在其漫长的故事书叙事中所使用的许多巧妙的视觉笑话之一。 就像“这些日子”的叙述者和其他安德森角色的叙述者一样，例如“拉什莫尔”努力的预科生马克斯·菲舍尔或“布达佩斯大饭店”中的古怪的古斯塔夫先生，特南鲍姆的孩子曾经是辉煌的。 更重要的是，他们是令人恐惧的早熟，讨人喜欢的儿童天才，他们唯一的诅咒是破坏性的同父异父父亲罗伊尔（Gene Hackman，在他最后一次上映的银幕表演中）几乎不变。 当安德森的电影赶上电影的同名家庭时，他们的名声被电影旁白者所说的“失败，背叛和灾难的二十年”所破坏。 得克萨斯州导演的第三部电影是他痴迷于创造迷人和神奇的微环境的最高境界，而Tenenbaum的纽约版则是JD Salinger的“弗兰妮和佐伊”和“康尼岛宝贝”一样”时代的路德·里德（Lou Reed）。 然而，让观众流连忘返的是安德森（Anderson）狂躁的闹剧的无拘无束的温暖，以及深深植根于电影完美风格化表面之下的深厚人性。 安德森一直是人文主义者，他以各种狂热和迷恋（父亲动态，豪华，自成体系的生态系统，英国入侵，比尔·穆雷等）来装饰电影，而“皇家特纳鲍姆”则是最具文化意义的并充分认识了导演的成年童话。
- 生肖。 为什么“十二生肖”是2000年代最重要的电影？ 当然应该是“ Mulholland大道”或“皮肤下”或“可以回忆起过去生活的Boonme叔叔”，对吗？ 《十二生肖》于2007年发行，其中包括《将要流血》，《胆小鬼罗伯特·福特遇刺的杰西·詹姆斯》，《老人无国界》等其他杰作，以及同样引人入胜和具有挑战性的作品像诺亚鲍姆巴赫（Noah Baumbach）的“婚礼上的玛格特（Margot at the Wedding）”和韦斯·安德森（Wes Anderson）的“大吉岭有限公司（The Darjeeling Limited）”。 尽管所有这些电影都很棒，但其中一些电影甚至都在榜单上，但没有人能比得上大卫·芬奇令人陶醉的三小时程序，因为它具有强大的创意或完美无瑕的执行力。 就像芬奇的所有电影一样，“黄道十二宫”是一部关于异化的，被驱使的局外人试图闯入某种体系的电影，这些体系在某种原始的层面上对他们说话，但是他们仍然无法理解其复杂的网络。 在芬彻（Fincher）的缓慢燃烧的胜利中，三位男人的工作在《旧金山纪事报》（San Francisco Chronicle）上流传：理想主义政治漫画家（杰克·吉伦哈尔（Jake Gylenhaal）），热心党的犯罪记者（陀螺家罗伯特·唐尼（Robert Downey Jr.））以及有鼻子的城市警察（马克·鲁法洛，认真又指挥）—所有人都发现自己是臭名昭著的十二生肖杀手的十字准线，在整个1970年代，恐怖分子一直在恐怖袭击海湾地区。 芬彻通常对帧保持着无懈可击的关注，他产生悬念的敬畏诀窍在每一帧中都显而易见。 然而这部电影还带有令人不安的自传记录：当黄道带欣快地挑起受害者时，芬奇只是个孩子，他在接受采访时回忆说，听说杀手威胁要杀害一所学校，他的父母会开车送他去学校。公共汽车上挤满了孩子。 就像70年代伟大的惊悚片艾伦·J·佩库拉（Alan J. Pekula）一样-最着名的是“所有总统的男人”，尽管这里也有“克鲁特”的音符，以及“视差视图”-“黄道带”是普通人的肖像全力以赴的生活定义。 这是一项毫不犹豫的成人工作，旨在积累最细微的细节并研究看似无关紧要的细节，以追求一个未知的，也许无法实现的真理。 最后的音符是什么使得“十二生肖”在今天看来如此晦涩难懂。 Fincher的电影的核心是向我们警告真相本身具有可塑性-以及它容易被扭曲和扭曲到邪恶分子的尽头。 在“另类事实”和“假新闻”时代，芬彻的杰作是对我们当前国家头条胡说八道的清醒斥责。 — NL。
