音乐的真实性一直是唱片艺术家成功的一个主要因素。 然而，尽管真实性在许多音乐风格中仍然非常重要，但在当今的流行音乐产业中，成功的发展已经越来越依赖于艺术家的公众和媒体身份，而不是其音乐作品的原创性和真实性。 随着数字时代的兴起，新技术现在使音乐制作人更容易通过数字自动化而不是现场表演来制作高质量的唱片。 生产方式的这种转变引起了基于技术的音乐的流行，将舞蹈，电子和嘻哈音乐推向了全球主流。 这场电子音乐革命见证了主流音乐现场表演的下降和DJ装置的兴起，以及幽灵作家和制作人的增加，它们在全球公认的表演者中悄悄地工作。
技术及其对音乐家真实性的影响一直是人们热议的话题，其历史可以追溯到很早就与音乐界相仿。 在1920年代和30年代流行音乐中使用麦克风的兴起，见证了一种叫作“ crooning”的唱歌风格的诞生，这种风格因弗兰克·辛纳屈（Frank Sinatra）和吉恩·奥斯丁（Gene Austin）等艺术家而闻名。 即使在音乐技术发展的初期，一些听众也批评这种歌唱风格是“不真实的”，原因是艺术家依靠技术来提高音量和改变音调。 同样，也许更重要的是，电吉他对流行音乐的影响也引起了一些听众的批评。 当鲍勃·迪伦（Bob Dylan）在1960年代将他的原声吉他换成电吉他时，他的许多忠实粉丝也批评了他的音乐方向以及电吉他在民间音乐中的作用。 随着音乐的每十年发展，已经向行业引入了新技术，以帮助音乐家提出什么是真正的艺术性和什么是音乐欺骗的问题。
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然而，音乐界对真实性的重视不仅限于艺术家的使用和对技术的依赖。 嘻哈音乐的诞生于1970年代的纽约，以及该类型与种族，政治和特权之间的紧密联系，使得艺术家的真实性受到不同原因的重视。 嘻哈专注于种族困境，当时主要是针对纽约的非洲裔美国人，而诚实，朴实和抒情的抒情主义使观众们根据其音乐作品的抒情内容来评估艺术家的生活方式是否一致。 随着嘻哈音乐的发展并传播给白人观众，随着越来越多的白人MC的崛起，真实性与剥削之间的界限变得模糊了。
尽管白人艺术家是黑人艺术家的作品，但他们通常比黑人艺术家具有更多的经济优势，这使他们更容易在嘻哈风格上进行商业化。 试图在音乐中讨论种族政治和经济困难等事情的抒情白人嘻哈艺术家被认为是不真实的，只是利用了这种类型，而诚实的艺术家尽管拥有白人的养育和特权，但仍可以创作出高质量的唱片。在当时的观众中。
虽然性格和生活方式上的诚实曾经并且仍然是在嘻哈界被视为真正艺术家的基本因素，但音乐中对真实性的评估标准始终从不同的风格和流派转变。 通过将流派理解为一组规则和构成特征，我们可以理解，由于每种不同音乐流派的独特特征和相关文化，将有不同的批评方法来评估每种流派内的真实性。 例如，在1970年代朋克音乐的兴起以及随之而来的朋克风潮，引起了对专制主义的蔑视。 为了在朋克音乐界保持真实，艺术家必须对自己的音乐，表演，时尚和艺术采取自己动手做的方式。 乐队拒绝与主要唱片公司签约，因为“卖出”在朋克舞台上受到强烈谴责，在舞台上大胆表演，无政府主义者的政治言论和意识形态对现场非常重要。 如果朋克乐队表现得不那么好或者不遵循这种生活方式，例如与一个主要唱片公司签约，那么他们经常会被听众批评为不真实，而不是“朋克”。
与朋克音乐类似，摇滚音乐在70年代和80年代非常注重现场表演。 地道的摇滚音乐家表演了戏剧表演，使用了比朋克风格更优美的吉他风格，经常以大胆的服装和服饰表演，而歌词则更多地关注真实的“摇滚”生活方式，例如性，毒品和性爱主题。摇滚音乐。 然而，在21世纪，随着音乐制作技术的发展和变化，听众对流行音乐的真实性的判断方式发生了重大变化。 尽管在不受互联网影响和数字技术影响的音乐行业中成长的老一辈通常仍对音乐人的身份和真实性持有相同的信念，但年轻一代却看到音乐以不同的术语进行评估。
音乐的数字时代赋予了许多有抱负的艺术家以力量。 曾经制作歌曲或专辑似乎是不可能的壮举，现在可以使用与计算机一样简单和通用的方法来实现。 生产资料现在很容易获得，有时甚至完全免费。 有抱负的制作人可以通过互联网免费访问庞大的音乐库，可以使用免费的或非常负担得起的软件和数字音频工作站，并且可以通过社交媒体和其他在线工具与相似的艺术家和创意者轻松地进行交流，从而使合作更加容易。
从数字时代也出现了混音文化。 一种现代形式的艺术挪用，以及该行业中的另一起事件，就我们如何看待音乐的真实性提出了新的问题。 录音不再局限于其物理上的压制，而是可以一遍又一遍地复制数字副本，并且只要有互联网连接和正确的工具，任何人都可以访问和操纵这些副本。 由于复制变得如此容易，因此必须引入有关版权的新法律。 然而，尽管引入了有关复制和挪用的新法律，但数字时代仍然使这些法律难以实施。 几位在早期数字时代通过使用混音和盗用现有材料而取得巨大成功的艺术家遇到了法律麻烦，例如Girl Talk因其音乐面临多达300项版权侵权。 在此期间，音乐界开始讨论有关可以接受的现有材料的艺术拨款以及什么是简单的复制。
加文·肯德尔（Gavin Kendall）表示：“通常，技术被视为一件坏事； “真正的”艺术家并不需要它，因为他们天生就具有创造力。”（1999年），然而，在新千年中，混音文化和数字技术的兴起使观众们开始质疑技术的发展是否反而成为艺术家进行创作的一种新工具。扩大了音乐的声音和范围，从对现有作品的艺术重新诠释到完全新颖的音乐风格，例如像蒸气波和“切碎和拧紧”之类的EDM微流派，严重依赖数字编辑而不是音乐表演。
当今的全球音乐产业也已经发展壮大，囊括了巨大的明星现象。 流行的音乐家正变得家喻户晓，打破销售记录的速度比以往任何时候都要快，有时甚至是一夜之间。
根据埃文斯（Evans）的定义，明星是在特定领域以特定成就而闻名的人，不要误以为以行为和个性着称的名人（Evans，2005）。 在当今的行业中，明星是消费者关注和渴望明星生活方式的魅力和强度的焦点。 通过互联网和当代大众媒体，观众越来越频繁地与看似亲密的明星联系起来。 通过缩小互联网和社交媒体带来的艺术家与消费者之间的鸿沟，唱片公司失去了权威，而明星却成为了当前音乐行业的核心。 然而，对于许多现代观众而言，由于特定表演者的个性和媒体身份具有如此巨大的意义，音乐制作在明星生活方式的魅力和舞台表演中倒退了。
当今的流行音乐排行榜通常是由相同的艺术家或明星在很长一段时间内控制的。 截至2017年7月，凯蒂·佩里（Katy Perry）在Billboard前10名中连续花了69周，Chainsmokers花了61岁，Drake花了51岁，无数其他艺术家在前10名中度过了同样长的时间（Statista，2018）。 然而，尽管这种巨大的商业成功可以看作是一个非常成功的表演者和词曲作者的成就，但在当今的行业中，由如此庞大的团队来撰写和合写的歌曲在国际上获得了如此巨大的成功，这是极为普遍的。 凯蒂·佩里（Katy Perry）2010年的单曲“少年梦”（Teenage Dream）由她本人和其他4位作曲家组成，他们都是非常成功的国际制作人，包括马克斯·马丁和卢卡斯·戈特瓦尔德（卢克博士）。 歌曲“少年梦”被Billboard评为2010年度最佳歌曲第二名。 卢卡斯·戈特瓦尔德（Lucasz Gottwald）和马克斯·马丁（Max Martin）为凯蒂·佩里（Katy Perry）创作和制作了许多其他曲目（ 加利福尼亚女孩，《热辣》，《我亲吻一个女孩》 ），以及许多商业上成功的流行歌手的曲目，例如《周末》，泰勒·斯威夫特，阿黛尔，布兰妮矛和凯利·克拉克森。
像Max Martin和Luke博士这样的制作人被称为“幽灵作家”，这是当今流行音乐行业的共同特征，是制作人和作曲家，他们在职业生涯的顶峰时期为杰出的表演者提供写作和制作的支持，自己脱颖而出。 尽管凯蒂·佩里（Katy Perry），泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）和布兰妮·斯皮尔斯（Britney Spears）等表演者可能凭自己的功绩和努力而升为明星，但要在行业中保持这样的地位是困难的，不仅是音乐的驱动，而且很大程度上是媒体和公众身份的驱动。 今天的年轻观众不再评估偶像的才智或才智，而是通过媒体对偶像的身份评价。 例如，泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）最初的乡村女孩形象使她在年轻女性听众中脱颖而出，很快就转变为她目前魅力四射的国际蛇蝎美人流行歌星的现状，这一形象为她的音乐囊括了更大的听众。 如今，大多数观众并不知道出现在前100名中的大多数歌曲实际上都是由国际作曲家的类似团队所组成，专门针对特定表演者进行品牌宣传。 这向我们揭示了艺术家及其身份的巨大意义，正如媒体在当今行业中对艺术家的诚意所描绘的那样。
尽管真实性将继续在音乐的许多领域中成为讨论的主题，就像在各个艺术领域一样，但随着行业中每一个新的重大发展，对真实性的评估要素将随着每个新的变化而不断变化。引进技术。 从引入麦克风到现存最大的免费音乐目录的出现，技术将继续塑造我们表达自我，彼此联系并评估我们周围世界的方式。
参考文献
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