对音乐无动于衷或只喜欢流行音乐的人们经常认为古典音乐是一种后天的品味，只有不带阴影的高挑才容易产生。 这种观点虽然带有反势利的色彩，但却是有道理的（或部分如此）。 尽管在意大利，歌剧歌手，尤其是男高音歌手确实受到欢迎，但在其他情况下，足球运动员还是会受到欢迎的，但是交响音乐会和室内独奏音乐会通常只有精巧的人才能参加，而较简单的口味通常是由低调和低调来满足的。短暂的习惯。 这并不意味着有两个世界，音乐上从未相遇的世界，被不可逾越的鸿沟所分割：例如，格伦·古尔德（Glenn Gould）对Petula Clark的歌曲有着令人惊讶但真正的热情。 梦想成为一名严肃作曲家的乔治·格什温（George Gershwin）去巴黎与拉威尔（Ravel）学习。 但是，巴赫公众对巴哈拉赫的吸引力充耳不闻，反之亦然。
既然如此，古典作品在两个世界都广受欢迎时，这是一件奇怪的事情。 有时，这种情况会发生在一件作品在另一种媒介的大流行上大受欢迎时：例如，莫扎特的21号钢琴协奏曲K 417被有效地用作电影“埃尔维拉·马迪根”中的附带音乐； 之后，通常不参加交响音乐会的看电影的人购买了数千首唱片。 可以这么说，这就是偷偷溜进后门的经典案例。 但是有时候确实会发生这样的情况，那就是完全依靠自己的优点而成为畅销书。 原因并不总是容易理解的，这样的成功也不是可预测的。 但是现象确实发生了。
在记忆中，我想到了三种情况。 安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的“四个季节”，亨利克·戈雷基（HenrykGórecki）的“悲伤歌曲交响曲”和卡尔·奥尔夫（Carl Orff）的“ Carmina Burana”。 这些作品除了对市场的意外征服外，几乎没有什么共同点。 他们没有提供任何配方。 每个人都是一个怪胎赢家，拥有自己独立的声誉。
维瓦尔第（Vivaldi）乐谱中的四个小提琴协奏曲是现在称为轻松听的巴洛克风格。 也就是说，他们对听众的要求没有像听贝多芬或勃拉姆斯所涉及的那样，更不用说伯格了。 它们浮华而调和，但更重要的是，它们如画：以可识别的方式描绘天气； 无论人们是否正常地暴露于门德尔松或柴可夫斯基，天气都是所有人都会面临的问题。 为什么这种特殊的声音绘画应该引起公众的关注，而不是为什么Mussorgsky的“展览图片”是无法解释的。 但是一旦这种时尚开始流行，它就会滚雪球。 广告与广告关系不大：口耳相传将新闻从一个人传播到另一个人，而且规模成倍增长，人们跃跃欲试，成为当今时尚的一部分。 令人鼓舞的是，许多购买了维瓦尔第唱片的人发现他们真的很喜欢它。 然后其中一些移至其他古典曲目。
就“四个季节”而言，音乐成语简单易懂，而且在初次听见时就很吸引人。 相比之下，大多数当代音乐是一个陌生的习惯用法，通常会排斥听众，音乐对这些听众而言只是传统的和声而已，它们可以嗡嗡作响。 因此，当Górecki的“悲伤歌曲交响曲”成为一整夜的轰动时，所有人都感到惊讶。 作曲家似乎并没有为了大众呼吁而愚弄自己的成语。 他的语言毫不妥协地具有现代感，在少数族裔口味的狭窄界限之外，他的其他作品也从未得到过同样的接受-不和谐的和声和参差不齐的线条很少进入初学者。 不知何故，Górecki分数进入了数千个心灵。 这可能与录制的表演的吸引力和女高音独奏家声音的内在美有关—大多数人与作品的联系是通过唱片，而不是通过参加音乐会。 但是，这并不能完全解释它如何发挥如此广泛的魔力。 然而事实是，尽管有其成语，它还是进行了深刻的交流。 也许这与它的情感内涵有关，因为我们度过了悲惨的时代，而“悲痛之歌交响曲”的确表达了时代的悲伤。 但是，这是现代主义打破音乐障碍的一种独特案例。
卡尔·奥尔夫（Carl Orff）甚至更受欢迎的“ Carmina Burana”也不能这么说。 这是1937年为交响乐团，合唱团和独奏家创作的作品，赢得了数以百万计的歌迷，而这种票价通常被忽略。 它是由德国以外一位不为人知的作曲家创作的，甚至还用拉丁文作了另一种打击。 尽管如此，它在19世纪50年代初突然跃升到排行榜的首位，并且仍然定期在音乐厅和广播中进行编程。 在这种情况下，原因很明显：作品具有巨大的节奏能量，谐音词汇令人生畏，并且评分令人is目结舌； 总体而言，这种效果是原始的，几乎是野蛮的，性感的，它触及了对高级美术的清教徒改良不耐烦的一代人的神经中枢，并且更愿意在一次矫正的猛冲中割裂。 这部作品至少是过时的，是现代的，它借鉴了作曲家从斯特拉文斯基的《俄狄浦斯·雷克斯》和《 Les Noces》中学到的风格创新。 一位批评家指出：“然而，比较表明，奥尔夫对模型进行了粗化和粗俗化”。
该倒钩相当准确，它对观众的影响与对奥尔夫的影响一样多。 显然，他和戈雷基不在同一个联赛。 但是，他不应该只是一个粗俗的人而被解雇。 他的职业生涯还有另一面值得称赞的：作为一名教育家。 奥尔夫将大部分工作时间都花在了很小的孩子身上。 他认为，没有一个不懂音乐的孩子，但是一个孩子的音乐成长常常受到常规教学的阻碍-常规钢琴课，一对一，严格正统的老师，随后无休止的无休止的练习。 他的方法是激进的：他在小组会议上教孩子们，并使他们变得有趣。 他给他们简单的乐器演奏，一些旋律，一些打击乐。 他将演讲和动作与笔记结合在一起； 他使用传统的韵律和简单的五音调。 他特别强调活泼的节奏。 他鼓励即兴创作。 他的某些实验是在19世纪30年代在慕尼黑开始的，但并没有受到纳粹的鼓励。 他们在战后取得了成果，他的方法以及他发明的许多儿童大小的乐器在世界范围内被广泛采用。
“ Carmina Burana”的卡尔·奥尔夫也许不是名列前茅的作曲家。 但是，作为一名教师，也是一位非常进步的教师，他是音乐界，尤其是儿童界所欠的巨大感谢。
