如何拍摄和编辑舞蹈
如何拍摄和编辑舞蹈以传达空间连续性 （最初发布于garrettgibbons.com） 为什么以舞蹈为中心的电影和电视吸引观众的能力差异如此之大？ 即使观众在与现场体验高度分离的条件下观看电影，我们可以遵循哪些原则来更好地传达现场舞蹈的能量，美感和运动能力？ 这个主题值得一本很长的书，而不是一篇博客文章，我故意忽略屏幕上舞蹈的许多方面，包括屏幕编排的艺术，创建或选择一套适合拍摄舞蹈的场景，在舞台上分派舞者设置，为电影舞蹈服装，以及为电影照明舞蹈的各种技术。 今天，我的重点将停留在我拥有广泛而直接的经验的两个方面：相机和编辑。 随着时间的推移，我将在这篇文章中添加内容，因此，如果您有任何疑问或建议，请在下面发表评论。 拍摄舞蹈 1.镜头选择 在学术界，我已经阅读了很多有关将三维艺术形式（舞蹈）转换为二维空间（屏幕）的假设困难的讨论。 虽然这些挑战从理论上讲适用于屏幕上显示的任何表演艺术，但我怀疑这种讨论源于人们普遍认为的3D空间变平以及观众在屏幕上看到舞蹈时位置估计不足的现象。 远摄镜头使摄像机操作员（和观众）可以看到现场观众难以体验的近距离，亲密且引人入胜的细节。 舞蹈的表达，激情和美丽可以通过长镜头非常亲密地传达。 尽管存在这种亲密感，但是在长镜头拍摄舞蹈时，我们经常会看到两个主要问题： 观众只能看到特写细节，而看不到更大的图片（无论是舞者的整个身体还是编队中的舞者的整体）。 结果，观众感到迷失了方向，放弃了将这些动作看作是顺序的和相互联系的精神努力。 （这是音乐视频风格编辑创建的部分有条件的响应，对简短的无关动作进行排序，以营造一种兴奋的氛围。）我可以链接到数百个示例，说明这通常会导致劣质的舞蹈电影制作，但是我不想挑任何人。 远摄镜头可压缩Z轴（相机和水平线之间）的距离。…
