如何拍摄和编辑舞蹈

如何拍摄和编辑舞蹈以传达空间连续性 (最初发布于garrettgibbons.com) 为什么以舞蹈为中心的电影和电视吸引观众的能力差异如此之大? 即使观众在与现场体验高度分离的条件下观看电影,我们可以遵循哪些原则来更好地传达现场舞蹈的能量,美感和运动能力? 这个主题值得一本很长的书,而不是一篇博客文章,我故意忽略屏幕上舞蹈的许多方面,包括屏幕编排的艺术,创建或选择一套适合拍摄舞蹈的场景,在舞台上分派舞者设置,为电影舞蹈服装,以及为电影照明舞蹈的各种技术。 今天,我的重点将停留在我拥有广泛而直接的经验的两个方面:相机和编辑。 随着时间的推移,我将在这篇文章中添加内容,因此,如果您有任何疑问或建议,请在下面发表评论。 拍摄舞蹈 1.镜头选择 在学术界,我已经阅读了很多有关将三维艺术形式(舞蹈)转换为二维空间(屏幕)的假设困难的讨论。 虽然这些挑战从理论上讲适用于屏幕上显示的任何表演艺术,但我怀疑这种讨论源于人们普遍认为的3D空间变平以及观众在屏幕上看到舞蹈时位置估计不足的现象。 远摄镜头使摄像机操作员(和观众)可以看到现场观众难以体验的近距离,亲密且引人入胜的细节。 舞蹈的表达,激情和美丽可以通过长镜头非常亲密地传达。 尽管存在这种亲密感,但是在长镜头拍摄舞蹈时,我们经常会看到两个主要问题: 观众只能看到特写细节,而看不到更大的图片(无论是舞者的整个身体还是编队中的舞者的整体)。 结果,观众感到迷失了方向,放弃了将这些动作看作是顺序的和相互联系的精神努力。 (这是音乐视频风格编辑创建的部分有条件的响应,对简短的无关动作进行排序,以营造一种兴奋的氛围。)我可以链接到数百个示例,说明这通常会导致劣质的舞蹈电影制作,但是我不想挑任何人。 远摄镜头可压缩Z轴(相机和水平线之间)的距离。…